5° Convegno Nazionale

FEDERAZIONE ITALIANA TEATROTERAPIA

10 - 11 - 12 - 13 novembre 2005  -  VAREDO - MI

TEATRO SOCIALE e TERAPEUTICO

13 octobre 2005 - 16 janvier 2006

Cette exposition a été organisée par la Réunion des musées nationaux et les Staatliche Museen zu Berlin, avec le soutien du musée Picasso, Paris.
Elle sera présentée à la Neue National Galerie, Berlin, du 16 février au 7 mai 2006.

Aucune disposition d’âme n’a occupé l’Occident aussi longtemps que la mélancolie. Le sujet touche au cœur des problèmes auxquels l’homme est aujourd’hui sensible : de l’histoire à la philosophie, de la médecine à la psychiatrie, de la religion à la théologie, de la littérature à l’art. La mélancolie, par tradition cause de souffrance et de folie, est aussi considérée depuis l’Antiquité comme le tempérament des hommes marqués par la grandeur - les héros et les génies. Sa désignation comme « maladie sacrée » implique une dualité. Mystérieuse, la mélancolie l’est toujours, bien qu’elle fasse aujourd’hui l’objet, sous son appellation de « dépression », d’une approche médico-scientifique. L’iconographie de la mélancolie est d’une infinie richesse et il n’est donc pas étonnant que ce soit l’histoire de l’art qui ait su la première fournir les bases de cette nouvelle approche de l’histoire culturelle du malaise saturnien.

L’exposition se propose d’introduire le public à cette richesse encore mal connue, en montrant, avec plus de 250 œuvres réparties en huit sections (La mélancolie antique / Le bain du diable. Le Moyen Âge / Les enfants de Saturne. La Renaissance / L’anatomie de la mélancolie. L’âge classique / Les Lumières et leurs ombres. Le XVIIIe siècle / La mort de Dieu. Le romantisme / La naturalisation de la mélancolie / L’Ange de l’Histoire. Mélancolie et temps modernes), la permanence et les variations de cette humeur sacrée. Des stèles attiques jusqu’à des œuvres contemporaines, de Dürer à Ron Mueck en passant par La Tour, Füssli, Goya, Friedrich, Delacroix, Rodin, Van Gogh, Munch, De Chirico, Picasso… elle met en évidence le rôle essentiel joué par la mélancolie dans les différentes formes de la création artistique en Europe.

Galeries nationales du Grand Palais
Entrée Clemenceau
75008 Paris
Tél. 01 44 13 17 17
Envoyer un courrier électronique
www.rmn.fr/galeriesnationalesdugrandpalais

Comunicato stampa

Ascanio Celestini e le sue "Storie da legare" faranno le seguenti tappe in giro per l'Italia:

Le diverse tappe del laboratorio STORIE DA LEGARE fanno parte del percorso di ricerca sull'istituzione manicomiale. Il progetto porterà al debutto dello spettacolo La pecora nera. Elogio funebre del manicomio elettrico coprodotto con il Teatro Stabile dell'Umbria.
Il debutto è previsto per ottobre 2005.

Le testimonianze raccolte sono state documentate sia in audio che in video.

STORIE DA LEGARE
laboratorio di narrazione e memoria sull'istituzione manicomiale

novembre 2003-aprile 2004 Scandicci
in collaborazione con Teatro Studio - Teatro Stabile di Innovazione

11-23 gennaio 2004 Roma
in collaborazione con Centro Studi dell'ex Manicomio di Santa Maria della Pietà
Università Roma Tre Facoltà di Lettere e Filosofia

9-13 febbraio 2004 Bologna
in collaborazione con Dipartimento di Musica e Spettacolo - Cimes

29-30-31 ottobre 2004 Parma
in collaborazione con il Teatro delle Briciole
Centro Studi per la Stagione dei Movimenti
Università degli Studi di Parma Dipartimento di Studi Politici e Sociali. Corso di Perfezionamento in Sociologia dell'Educazione

9-13 novembre 2004 Reggio Emilia
in collaborazione con la Fondazione I Teatri di Reggio Emilia
Centro di documentazione di storia della psichiatria e l'Università degli Studi di Modena e Reggio Emilia

7-11 dicembre 2004 Udine
in collaborazione con Centro Servizi e Spettacoli di Udine - Teatro Stabile di Innovazione del Friuli Venezia Giulia
Accademia Civica d'Arte Drammatica Nico Pepe

febbraio-marzo 2005 Perugia
in collaborazione con C.u.t. - Teatro Stabile dell'Umbria
Servizio Psichiatrico di Diagnosi e Cura
Dipartimento di Salute Mentale
Fondazione Angelo Celli

26-30 aprile 2005 Imola
in collaborazione con il Teatro dell'Osservanza
Dipartimento di Salute Mentale

maggio-giugno 2005 Venezia - Isola di San Servolo
Provincia di Venezia
Associazione culturale Echidna
Fondazione I.R.S.E.S.C.



<< Raccolgo materiale di chi ha conosciuto il manicomio un pò come facevano i geografi del passato. Questi antichi scienziati chiedevano ai marinai di raccontargli com'era fatta un'isola, chiedevano a un commerciante di spezie o di tappeti com'era una strada verso l'Oriente o attraverso l'Africa. Dai racconti che ascoltavano cercavano di disegnare delle carte geografiche. Ne venivano fuori carte che spesso erano inesatte, ma erano piene dello sguardo di chi i luoghi li aveva conosciuti attraversandoli.

Così io ascolto le storie di chi ha viaggiato attraverso il manicomio non per costruire una storia oggettiva, ma per restituire la freschezza del racconto e l'imprecisione dello sguardo soggettivo, la meraviglia dell'immaginazione e la concretezza delle paure che accompagnano un viaggio. >>
Ascanio Celestini

“Un’ora sola ti vorrei”

Intervista a Alina Marazzi di Gabriella Fuschini

(fonte: blog Nazione Indiana www.nazioneindiana.com )

Presentato al festival di Locarno nel 2002, il film-documentario Un’ora sola ti vorrei di Alina Marazzi (il sito dedicato al film è qui) circola da un anno in Italia e all’estero, raccogliendo elogi dalla critica e commosse reazioni dal pubblico. La regista cuce insieme un tessuto che è dei più fragili e delicati: la storia di una giovane donna, sua madre, che dopo esser caduta in depressione, si toglierà la vita.

Siamo in una ricca famiglia borghese, quella dell’editore Hoepli. Come in un romanzo, è importante la cornice per capire la storia di Liselì, la protagonista, che da questo ambiente si sente schiacciata, come se si sentisse sempre inadeguata rispetto ai modelli con cui è cresciuta. E anche i soldi, le verranno rinfacciati nel momento in cui serviranno per pagare le case di cura, per una malattia difficile da accettare in quel periodo a cavallo tra gli anni sessanta e settanta.

Nel film sono presenti tutti i mezzi di comunicazione, a cominciare dalla scrittura. E’ la scrittura delle lettere e dei diari che costituisce lo scheletro della sceneggiatura. Ci sono poi le canzoni dell’epoca, suoni originali registrati, rumori d’ambiente e pensieri ad alta voce. E poi le immagini che hanno una grande forza per il loro collegamento a tutti gli altri mezzi. Si passa dal bianco e nero al colore, dalle immagini in movimento alle fotografie, al sovrapporsi di pagine scritte e documenti.

<<Perché questo titolo, che coincide con la durata del film?

Il titolo, Un’ora sola ti vorrei, è stato in qualche modo, “inevitabile” come molte alte scelte del film. Il disco 45 giri all‚inizio del film, con la voce di mia madre, si interrompe proprio quando lei inizia a cantare Un’ora sola ti vorrei rivolta a noi bambini. Ho ascoltato quel disco molte volte da bambina, perché mi divertiva ascoltare la voce dei miei genitori scherzare; poi, da adulta, le voci su quel disco sono diventate sempre più il richiamo struggente al mistero della vicenda di mia madre. Stranamente da piccola ho ascoltato più spesso il disco di quanto non abbia guardato fotografie di mia madre. Ascoltandolo più volte, da adulta, ho capito che dietro a quelle voci scherzose, quelle risate, si celava il dramma del distacco da noi bambini, delle ripetute partenze verso le cliniche svizzere. La voce di mio padre infatti dice “la mamma è appena arrivata dalla Svizzera”, ma non la Svizzera delle passeggiate e delle montagne…, e mia madre comincia a cantare:

Un’ora sola ti vorrei
per dirti ancor coi baci miei
quel che tu sei per me…

esprimendo il desiderio di trascorrere anche solo un‚ora in più con noi. Ecco, facendo il film, e iniziando con quel disco , io ho ripreso il suo desiderio, interrotto, come la sua voce nel disco, come la sua vita, e l’ho fatto mio, perché anch'io le dico Un’ora sola ti vorrei. Il film poi, in maniera forse non casuale, dura un’ora , ed è l’ora che io oggi posso trascorrere con mia madre, e lei con me, ogni volta che lo vogliamo. Ed è tanto.

È molto interessante la sovrapposizione degli sguardi, quello di tuo nonno, il tuo e poi il lavoro di montaggio. Come sei riuscita a non cadere nel sentimentalismo e nell’angoscia? Alla fine non c’è pesantezza, si esce dalla sala con un senso di leggerezza.

Mi fa piacere questa affermazione, anche se credo che non sia così per tutti gli spettatori… Per me il film è pieno di vita, pieno di gioia, pur parlando di morte, di assenza e impotenza. Il film è nato dalla necessità di conoscere mia madre, scomparsa nel ’72 quando io avevo sette anni e di cui in famiglia non si è mai più parlato. Crescendo, a un certo punto non è più stato possibile non sapere da dove venivo e così ho cominciato e guardare i vecchi filmini amatoriali di mio nonno, a rileggere le lettere di mia madre e mi sono anche messa alla ricerca delle cartelle cliniche presso i diversi ospedali. In qualche modo ho intrapreso un’indagine che si è svolta in contemporanea alla realizzazione del film. Man mano che il lavoro di montaggio delle immagini e di selezione dei testi proseguiva, il film, la storia di Liseli si ricomponeva davanti ai miei occhi, cominciavo a conoscerla intimamente e nel mio cuore il sentimento di amore nei suoi confronti cresceva. Credo che sia per questo motivo che nel film non c’è sentimentalismo o retorica… perché in fondo Un’ora sola ti vorrei è un omaggio, un atto d’amore verso chi mi ha messo al mondo, verso una donna che io ora, come donna adulta, posso comprendere e accogliere. Un’ora sola ti vorrei è un percorso di riconciliazione, non di rivendicazione, che passa attraverso la riappropriazione del volto e dello sguardo di mia madre. Lo sguardo materno che mi è venuto a mancare nella vita era stato conservato in quelle scatole di 16mm, e si è nuovamente rianimato nel momento in cui io, la figlia, ho posato il mio sguardo su di lei.

Il lavoro che hai fatto con questo film è un lavoro di recupero di una memoria personale e insieme collettiva, ricorda molto la narrazione di storie di vita o autobiografia. Cosa ti ha spinto verso un’operazione così profonda e allo stesso tempo che rende pubblica la vita della tua famiglia?

È stata una necessità intima e personale quella di ricucire insieme le parti sparse della mia memoria e di conseguenza della mia famiglia; io ho cominciato a lavorare al recupero della mia memoria per me, unicamente per me e da sola. Non sapevo che poi tutto ciò mi avrebbe portato alla realizzazione di un film. C’è stata una dose di inconsapevolezza nel processo di creazione del film che è stata fondamentale (l’ho capito a posteriori), perché ha significato libertà e di conseguenza poesia. La domanda che mi sono posta all'inizio è stata: chi era Liseli?, e solo in un secondo momento, quando il film è stato presentato per la prima volta pubblicamente a Locarno, mi sono posta il problema dell’esposizione pubblica della storia, dato che quella vicenda coinvolgeva anche altre persone. Ma ormai il film era compiuto, era diventato un’opera, autonoma da me, e “doveva” essere mostrato. Come dicevo prima, il film inizialmente doveva rimanere un mio album di famiglia privato. Lavorando al film però mi sono resa conto, anche grazie all’amica e montatrice Ilaria Fraioli, che la storia di Liseli andava oltre al caso personale e isolato, era la storia di molte donne, di molte madri e figlie , di molti genitori e figli. Ed è per questo credo che il film sia arrivato a toccare così tante persone, perché il film parla delle cose di sempre della vita di ogni persona: l’amore, la perdita, il rapporto genitori-figli, il sentimento di inadeguatezza, i sogni, le delusioni, e tante altre cose, oltre ad essere anche il ritratto di un’epoca .

La sensazione molto forte è quella che tua madre oltre a soffrire di un forte disagio creato dall’ambiente in cui è vissuta, non sia stata poi curata nel modo più giusto. Credo che questo film sia molto importante per tutte le persone che soffrono di un malessere esistenziale come lo ha sofferto lei, ora la pratica clinica è in grado di accogliere più di ieri la sofferenza e il disagio. Tu cosa ne pensi?

A seguito del film ho ricevuto molte lettere di persone che soffrono di disagio esistenziale o mentale che si sono riconosciute in Liseli, o almeno in qualche parte di lei; sono tutte lettere di ringraziamento perché il film le fa sentire meno sole e incomprese. E‚ come se la voce di Liseli che finalmente prende spazio e corpo nel film, risonasse anche in loro e parlasse al mondo anche della loro esperienza, indipendentemente dall’età, sesso, condizione sociale, provenienza geografica. Nel film non ho approfondito l’aspetto della malattia mentale, argomento molto complesso e ancora oggi circondato da pregiudizi e incomprensione, molto più di quanto non crediamo. Non avevo – e tuttora non ho - gli strumenti necessari per farlo, ma soprattutto per una sorta di rispetto per quello che è il mistero del mondo interiore della persona, il mistero dell’esistenza. So che il film è stato visto all’interno di gruppi di auto-aiuto di persone che soffrono della medesima sindrome di Liseli, che ora viene chiamata bipolare, e che quindi la sua valenza “terapeutica” si estende anche oltre il mio vissuto; è anche stato più volte presentato all’interno di gruppi di studio di psicoanalisti, psicologi, terapeuti, che in qualche modo vedono nel film il vero e proprio processo di analisi divenuto creazione. Il film quindi opera su due livelli: da un lato l’identificazione con il vissuto di Liseli, la madre, dall’altro con il punto di vista di Alina, la figlia, e il suo percorso di “auto-analisi”. Per quel che ne so, oggi alcune cose sono cambiate, ma non così tanto come ci si aspetterebbe; siamo ancora purtroppo molto ignoranti e impreparati davanti alla malattia mentale, sia a livello individuale che a livello medico.

Attraverso il tuo lavoro si apre la possibilità di lettura e identificazione di molteplici punti di vista, è stata una scelta precisa o è scaturita per la forza della narrazione contenuta nel film?

Il materiale che avevo a disposizione, i filmati di famiglia girati da mio nonno materno tra il 1926 e il 1972, e le lettere e i diari di mia madre scritti tra il 1952 e il 1972, esprimevano ognuno un forte carattere. Mi sono trovata quindi ad avere a che fare non con materiali “neutri”, ma con parole e immagini autobiografiche che esprimevano le personalità dei rispettivi autori. In più c’ero io con la mia indagine sulla vicenda di Liseli e il mio rapporto forzatamente emotivo sia con quelle immagini che con quelle parole.
In un primo tempo ho lavorato solo al montaggio delle immagini, cosa che mi ha permesso di apprezzare ancor più la loro bellezza e potenza evocativa. In sala di montaggio, guardando e riguardando le immagini con Ilaria notavamo come quei “filmini di famiglia” non erano affatto immagini casualmente rubate ai momenti di vita famigliare, erano tutte sequenze in qualche modo “costruite”, coreografate dall’autore, da quel regista inconsapevole che era mio nonno. Come se il mezzo cinematografico, pur usato nel contesto amatoriale, fosse stato da lui utilizzato per mettere in scena una autorappresentazione di sé, della propria famiglia, della classe sociale a cui apparteneva. Non era semplice decostruire quelle sequenze, la forza del punto di vista del loro autore emergeva a fior di fotogramma ad ogni taglio… l’autore si imponeva con tutta la sua autoritarietà là in quella sala di montaggio, così come lo aveva fatto nella vita con la sua famiglia. D’altro canto le parole dei diari di Liseli contraddicevano tutta quella felicità che veniva ostentata nelle immagini; l’accostamento in contrappunto parole–immagini era la via da seguire e forse l’unica possibile. Come se le parole svelassero tutta la falsità delle immagini. Ci tenevo che le parole di Liseli avessero tutto lo spazio possibile - sono così belle! – per finalmente dar loro la possibilità di essere ascoltate. I miei interventi di scrittura sono minimi e solo all'inizio, necessari per dare avvio al racconto. La lettera che ho scritto per l’inizio, come se fosse Liseli a scriverla, serve a dare alcune informazioni, a presentare i personaggi della storia, ed attiva il dialogo con mia madre, dialogo mancato nella vita ma vivo nel film. Facendo mio il suo desiderio di trascorrere un’ora in più con me, attribuisco a lei quella lettera, e il desiderio di “essere raccontata” la propria storia. La sua e la mia.>>

18.07.2005 

E' morto Pietro Consagra.

(fonte ANSA del 16.07.2005)

ROMA - A voler isolare in un solo elemento il contributo singolare che Pietro Consagra - morto a Milano, all'età di 85 anni - ha dato all'arte italiana è necessario ricordare la sua assoluta padronanza tecnica nel lavorare la materia, sia la pietra, che il metallo, che il legno in suggestive forme astratte.

Non a caso i suoi critici ricordano una frase precisa della sua autobiografia ("Vita mia"): "Mi sono sentito fortunato a entrare nella scultura in marmo con tutta la variabilità del colore che gli altri scartano come disturbo all'unità plastica". Quasi un manifesto dell' idea dell'arte dello scultore siciliano.

Nato nell'estremo sud dell'isola, a Mazzara del Vallo (TR) nel 1920, Consagra studia all' Accademia di Belle Arti di Palermo. Mentre la guerra finisce, nel 1944, si trasferisce a Roma, dove lavora nello studio di Mazzacurati e in quello di Guttuso. In quei mesi aderisce all' astrattismo. Nel 1947, insieme con Ugo Attardi, Pietro Dorazio, Achille Perilli, Giulio Turcato e i siciliani Carla Accardi e Antonio Sanfilippo, fonda il movimento Forma 1, che teorizzava la lezione dell' astrattismo, appresa durante un viaggio parigino organizzato dalla gioventù comunista. "Trovammo lì la chiave che cercavamo" ricorderà Consagra tanti anni dopo. E la chiave fu l'aver conosciuto artisti come Brancusi, Pevsner, Arp; l' aver osservato i lavori in ferro di Julio Gonzales, sbirciato nello studio di Picasso, compiuto un giro nelle maggiori gallerie d'arte, che riaprivano dopo la guerra, fino a una significativa visita all'atelier di Giacometti.

Al ritorno del viaggio, in quello 'stanzino', che lo scultore condivideva con Renato Guttuso in via Margutta, nascono le sculture astratte di Consagra, caratterizzate da ora in poi dalla ricerca della frontalità, innovativa e rivoluzionaria riduzione ad unico punto di vista per la scultura. Nasceranno così le strutture metalliche di spessore che varia da parecchi metri a un millimetro, blocchi di legno, marmi, sculture monumentali o leggere come l'aria, preziosissimi gioielli; e ancora le serie dei Colloqui, i Piani sospesi, i Piani appesi, i Ferri trasparenti, gli Addossati, le Sottilissime, fino a giungere all'idea della Città frontale, che in Sicilia a Gibellina - dove ha chiesto di essere sepolto - divenne la straordinaria scenografia dell'Oedipus Rex , nel 1988, con quarantotto sagome disposte su tre livelli.

La sua carriera non è stata avara di riconoscimenti. Nel 1948 è tra gli organizzatori della mostra Arte Astratta in Italia. Nel 1950 è invitato per la prima volta alla Biennale di Venezia, alla quale parteciperà anche nel '52 e nel '54, e con una sala personale nel '56, '60 e '72. Alla XXX Biennale di Venezia riceve il Gran Premio internazionale della scultura.

Nel corso della sua intensa attivita' partecipa ad importanti mostre internazionali in Europa e negli Stati Uniti (Palais des Beaux Arts di Bruxelles; World House Gallery e Malborough Gerson Gallery di New York; Galerie de France, Parigi; Boijmans van Beuningen Museum di Rotterdam). All'Eremitage di San Pietroburgo - dove brillano i capolavori di Antonio Canova - porta una scelta di sculture e la Porta del Cremlino.

Parallela all'attività principale di scultore si sviluppa anche la sua vena di scrittore. Pubblica vari scritti tra cui: "La necessità della scultura" (1952), "La città frontale" e "Vita mia" (1980). Nel 1966, il Palazzo di Brera a Milano, ospita la grande Porta in ferro (6x8 m) in occasione della mostra "Consagra. Scultura e Architettura".

Per la ricostruzione di Gibellina nel Belice realizza nel 1981 una grande Stella, alta 24 metri, in acciaio inox. Fra le sue ultime grandi opere, nel 1998, esegue una scultura in marmo, dedicata a Giano, alta più di cinque metri, situata a Largo Santa Susanna a Roma. Il Presidente della Repubblica Carlo Azeglio Ciampi lo ha insignito della medaglia d'oro come Benemerito della Cultura e dell'Arte.

Questa mostra rappresenta la seconda importante collaborazione di Villa Manin con le principali istituzioni museali del mondo. Villa Manin ospita i capolavori del Museo Ludwig di Colonia, una delle più importanti collezioni d’arte moderna e contemporanea d’Europa. La mostra comprende opere di pittura, scultura, fotografia e video di artisti che hanno segnato la storia dell’arte del Novecento: da Francis Bacon a Gerhard Richter, da Renato Guttuso a James Rosenquist, da Pablo Picasso a Bill Viola. Attraverso un allestimento che dialoga con l’architettura della villa, Il Teatro dell’Arte rappresenta un panorama completo ed eterogeneo sulle tendenze e le tematiche che hanno caratterizzato il Ventesimo secolo. L'arte come un palcoscenico sul quale, attraverso le visioni degli artisti, si svolge la commedia della storia e della vita. Villa Manin con il suo passato si trasforma in una scenografia fantastica che sottolinea il valore del pensiero umano e della sua creazione.

Opere di: Pawel Althamer, Francis Bacon, Stephan Balkenhol, Georg Baselitz, Max Beckmann, Joseph Beuys, Erik Bulatov, Walter De Maria, Rineke Dijkstra, Otto Dix, William Eggleston, Isa Genzken, Franz Gertsch, Alberto Giacometti, Gilbert and George, Bruno Goller, Renato Guttuso, Georg Herold, Heinrich Hoerle, Jörg Immendorff, Ilya Kabakov, On Kawara, Bodys Isek Kingelez, Martin Kippenberger, Per Kirkeby, Konrad Klapheck, Yves Klein, Komar & Melamid, Maria Lassnig, Boris Mikhailov, Nam June Paik, AR Penck, Pablo Picasso, Sigmar Polke, Gerhard Richter, James Rosenquist, Mimmo Rotella, Niki De Saint-Phalle, August Sander, Tino Sehgal, Wolfgang Tillmans, Jean Tinguely, Bill Viola.

Progetti specifici di 12 artisti internazionali pensati per il parco di Villa Manin

Nel parco storico di Villa Manin un gruppo di artisti internazionali presenta sculture e installazioni che s’ispirano al tema del gioco e coinvolgono il pubblico in un percorso di scoperta, esperienza e divertimento. Gli artisti intervengono in zone distinte del parco - sui prati, lungo i sentieri, tra gli alberi e la vegetazione – e intrecciano armonicamente le opere con il paesaggio naturale. Le forme e le strutture create richiedono il coinvolgimento dei visitatori che possono attraversarle, abitarle e interagire con esse in modo molteplice e spesso inaspettato: panchine colorate, enormi piante carnivore, tiri a segno, giochi da tavola in versione gigante, ombrelli mimetici, ecc. La partecipazione diretta del pubblico e l’aspetto ludico degli interventi artistici rappresentano i fili conduttori di Luna Park. Arte Fantastica, un’iniziativa mirata a rendere il meraviglioso parco di Villa Manin un luogo sempre più aperto e coinvolgente per i visitatori, un punto d’incontro e di interazione, una realtà attiva che si trasforma dinamicamente nel tempo.

Opere di: A12, Petra BLAISSE, CLIOSTRAAT, Alberto GARUTTI, Gabriel OROZCO, Paola PIVI, Tobias REHBERGER, Tomas SARACENO, Andreas SLOMINSKI, Monika SOSNOWSKA, Rirkrit TIRAVANIJA, Patrick TUTTOFUOCO.  PAOLA PIVI
                                                                                                               Untitled (slope)

              RIRKRIT TIRAVANIJA
                                                                                                                                                                       Teahouse / Casa del Thè

GABRIEL OROZCO
Go 4 no borders
foto Sillani, 2005

"IMMAGINI DALL'IRAN"  al Museo Comunale d'Arte Contemporanea "Pino Pascali" di Polignano a Mare (Bari)

Occasione unica in Italia per vedere un interessante panorama sull’arte contemporanea iraniana orario: dal giovedì alla domenica 19,30-22,30 (possono variare, verificare sempre via telefono) vernissage: 2 luglio 2005. ore 19,30     (da Exibart )

Occasione unica in Italia per vedere un interessante panorama sull’arte contemporanea iraniana. Un’attenta selezione di video-artisti iraniani provenienti dal prestigioso Museo d’Arte Contemporanea di Teheran, accreditato tra i migliori e più attivi Musei di Arte Contemporanea oggi, con lo scopo di far conoscere le opere di veri talenti sia emergenti che affermati da tempo. La video-arte iraniana è ancora poco conosciuta in Occidente se si esclude il successo internazionale di Shirin Neshat, Premio Leone d’Oro alla Biennale di Venezia del 1999 che ne ha consacrato il successo internazionale, la giovane artista vive a New York dalla rivoluzione komeinista, le sue opere, quasi introvabili in Italia, sono richieste nei principali Musei e collezioni di livello internazionale e ruotano intorno alla figura della donna : famosa la serie delle ’Donne di Allah’ presenti in mostra. Ma il vero e unico riferimento per le nuove generazioni di video-artisti iraniani rimane Abbas Kiarostami, colui che ha trasposto nel cinema il linguaggio della poesia e di una narrazione sul filo di un realismo magico. Il regista di film come Il sapore della ciliegia (Palma d’oro a Cannes), Il vento ci porterà via ,(Gran Premio della Giuria a Venezia) sino all’ultimo capolavoro in Tickets (con Ken Loach ed Ermanno Olmi) è presente in mostra con un’inedita video-installazione dedicata ancora una volta al tema a lui molto caro, dell’infanzia. Per noi italiani una rara occasione per varcare i confini dettati dagli stereotipi mediali, per avvicinarci ad una cultura dalle radici antichissime e conoscere da vicino gli artisti iraniani che rivelano un uso avanzato dei linguaggi dell’arte al passo con le più innovative espressioni occidentali. Nella rassegna vi è una prevalenza di donne anche molto giovani e impegnate a mettere in luce il difficile compito della donna all’interno della società islamica. Un esempio è riscontrabile nelle installazioni di Minou Amirsoleimeni e Mahshid Mussavi(presenti all’inaugurazione) profondamente legate alle proprie tradizioni, le due artiste mettono in scena i grandi miti persiani, la simbologia della fede, della preghiera, la difficile convivenza tra le diverse culture. Per i Presìdi del Libro il prof. Angelo Dellisanti proporrà al pubblico un percorso critico attraverso la recensione di tre libri sulla Persia di ieri e sull’Iran di oggi: “Il giardino delle rose” del poeta sufi Sa’di; “Poesie mistiche” di RUMI “La grande casa di Monirrieh”di Bijan Zarmandili. Interviene Younis Tawfik scrittore e docente di Letteratura Araba presso L’Università degli Studi di Genova.

15.07.2005 (da Exibart) E’ Joseph Kosuth il protagonista delle nuova tappa espositiva del Torrione Passari di Molfetta. L’artista propone all’interno delle due sale della torre un percorso di scritte al neon azzurre, in cui il termine “segnefecate” (significato in dialetto molfettese) viene ripetuto in diverse lingue (tedesco, giapponese, ungherese) lungo le pareti. Fino ad arrivare alla parola nascosta oltre il foro centrale. Le scritte luminose, lungi dal rappresentare una decorazione della torre, restituiscono l’idea stessa dello spazio in quanto soggetto e contenuto della visione. Si tratta di un dispositivo tautologico che interagisce con l’architettura e con il pubblico: chiunque potrà farsi un’idea del luogo a partire dalle parole luminose, nuove unità significanti percepite come stimolatori d’idee, relazioni, abitudini e connessioni. Joseph Kosuth Molfetta (BA), Torrione Passari (centro storico, vicino al Duomo) opening: 16 luglio 2005, h. 19 fino al 10 Settembre 2005 orari: tutti i giorni, h. 11-13; 19-22 info: associazione culturale @rtistika ; fax 080.397.55.97 ufficio relazioni con il pubblico, tel. 080.334.90.52; numero verde 800.017383 www.protagonistidellarte.it  info@protagonistidellarte.it    14.07.2005  Kiki Smith Homespun Tales Storie di occupazione domestica Inaugurazione: 8 giugno 2005 - ore 18 9 giugno - 11 settembre 2005   (dal sito www.querinistampalia.it  )   Il progetto Al terzo piano della Fondazione Querini Stampalia Kiki Smith propone una personale riflessione sulla casa veneziana. Traendo ispirazione dalla ricca collezione di ritratti diPietro Longhi, Antonio Canova, Giovanni Bellini e altri artisti collocata al piano sottostante, nelle stanze in cui duecento anni fa viveva il Conte Giovanni Querini, Kiki Smith cuce insieme frammenti di una struggente storia domestica. Riprendendo elementi caratteristici della dimora nobiliare veneziana – dipinti, mobili, specchi – e spirandosi alle tradizioni estetiche americane, a partiredall’epoca coloniale, attraverso gli anni Venti e gli anni Trenta fino al presente, l’artista crea una nuova narrazione capace di mettere in luce l’intraprendenza di un bricolage casalingo. In un gioco di continui richiami, mimando e imitando diversi elementi presenti nella collezione, Kiki Smith dipana la sua personale e apparentemente disordinata storia di nostalgia di una vita domestica, un habitat tessuto a mano in cui è possibile udire l’eco di tempi e luoghi del passato, in cui si può rintracciare il fascino dell’insonnia, disordine e decorativo squallore, storie di vita precaria e di occupanti abusivi, di donne pensionanti e senza fissa dimora.Il progetto, a cura di Chiara Bertola, si avvale della sponsorizzazione di Montblanc ed è stato realizzato con il supporto della galleria Pace Wildenstein di New York. La Fondazione Querini Stampalia e l'Arte Contemporanea La Fondazione, centenaria e prestigiosa istituzione veneziana, famosa per la sua storica Biblioteca e per la Casa-Museo della famiglia Querini Stampalia, ha sviluppato negli ultimi anni una forte e costante sensibilità verso l’arte contemporanea, nella convinzione che lo sguardo degli artisti più interessanti e più sensibili possa aiutare a capire non soltanto il tempo in cui viviamo, ma anche a vedere in modo diverso il nostro stesso passato. Agli artisti viene chiesto di lavorare a partire da un luogo segnato dal tempo, un luogo che è immenso serbatoio di memoria, su spazi architettonici in cui convivono, stratificati con l’edificio del Cinquecento, gli interventi di Carlo Scarpa e di Mario Botta. Un luogo al cui interno – come in un gioco di scatole cinesi – si aprono spazi sempre diversi e insospettabili oltre e dentro quello storicamente dato.   Brevi cenni biografici sull'artista Kiki Smith nasce a Norimberga in Germania nel 1954. Figlia dell’artista americano Tony Smith e della cantante Jane Lawrence, Kiki Smith cresce nel New Jersey. Il suo linguaggio, fortemente evocativo e capace di esprimere la vita contemporanea, affonda le radici nelle rappresentazioni anatomiche del corpo umano così come nei racconti mitologici, nei bestiari e nelle cosmologie, in atmosfere medievali e fiabesche, in oggetti di culto appartenenti alle più diverse culture, nella storia e nel femminismo. Innovativa e indipendente, nei suoi lavori Kiki Smith utilizza i più diversi supporti e materiali: dal vetro al gesso, dalla porcellana alla ceramica, dal bronzo alla carta e attraverso questa attività occupa ormai da tempo un posto di rilevo nel panorama dell’arte contemporanea. Una sua grande mostra retrospettiva dal titolo Kiki Smith: Prints, Books and Things si è tenuta tra il 2003 e il 2004 al Museum of Modern Art - Queens di New York. Nel 2000 Kiki Smith riceve la Skowhegan Medal per la scultura e nello stesso anno viene introdotta all’America Academy of Art and Letters. I suoi lavori sono presenti nelle collezioni di molti musei, tra cui il Museum of Modern Art e il Metropolitan Museum of Art di New York, il Musée National d’Art Moderne Centre Georges Pompidou di Parigi e il Museo di Arti Applicate di Vienna. Kiki Smith vive e lavora a New York.   Scheda tecnica della mostra TITOLO: Homespun Tales. Storie di occupazione domestica di Kiki Smith. CURATORE: Chiara Bertola, consulente per l’Arte Contemporanea della Fondazione Querini Stampalia. SPONSOR: Montblanc. COLLABORAZIONE: Furla per l’Arte, Bologna Gondrand Spa, Torino Grafiche Veneziane, Venezia Pace Wildenstein Gallery, New York UN GRAZIE PARTICOLARE A: Assicurazioni Generali, Venezia; Cantine Bonotto delle Tezze, Treviso; Galleria Raffaella Cortese, Milano; Gruppo Fallani, Venezia; Galleria Barbara Gross, Monaco; Galleria Lorcan O’Neill, Roma SEDE: Fondazione Querini Stampalia, Venezia, Campo Santa Maria Formosa, Castello 5252. PERIODO DI ESPOSIZIONE: inaugurazione 8 giugno 2005 ore 18. Dal 9 giugno 2005 all’11 settembre 2005 ORARIO: dalle 10 alle 18. Il venerdì e sabato dalle 10 fino alle 22. Chiuso il lunedì INGRESSO: intero 6 euro, ridotto 4 euro PER INFORMAZIONI: Fondazione Querini Stampalia tel. centralino 041 2711411, ufficio stampa 041 2711441 ufficiostampa@querinistampalia.org Ufficio Stampa MontblancAttila & CoGiulia Baragiola tel 0234970756 giulia.baragiola@attila.itwww.montblanc.com 13.07.2005  Intersezioni. Cragg Fabre Paladino, Sculture al Parco Archeologico di Scolacium Roccelletta di Borgia (Catanzaro), Dal 18 giugno al 9 ottobre 2005 (dal sito www.studioesseci.net  ) Venerdì 17 giugno si è inaugurata al Parco Archeologico di Scolacium, a pochi chilometri da Catanzaro, Intersezioni, la mostra che ha l'obiettivo di proporre una nuova fruibilità dell'arte sottolineando la relazione tra il patrimonio archeologico e l'esperienza di tre fra i più significativi scultori contemporanei, Tony Cragg (Liverpool, 1949), Jan Fabre (Anversa, 1958) e Mimmo Paladino (Paduli, 1948). Il progetto espositivo, a cura di Alberto Fiz, è organizzato dall'Assessorato alla Cultura della Provincia di Catanzaro con la collaborazione della Regione Calabria, della Direzione Regionale per i Beni Culturali e Paesaggistici della Calabria e del comune di Borgia. Intersezioni sviluppa un rapporto sinergico tra passato e presente attraverso l'intervento degli artisti che hanno saputo dare nuovi significati metamorfici a un luogo ricco di storia e di memoria. "La mostra", spiega l'Assessore alla Cultura della Provincia di Catanzaro Maurizio Rubino, "s'inserisce in un ampio progetto volto alla promozione del patrimonio archeologico della Calabria e alla diffusione dell'arte contemporanea". Cragg, Fabre e Paladino hanno studiato tre specifici progetti all'interno del Parco Archeologico di Scolacium. Questo è il nome del luogo che deriva da Minervia Scolacium, la colonia romana che s'installò nel 123-122 a.C. sulla città greca di Skilletion. "In quest'occasione", spiega il Presidente della Provincia di Catanzaro Michele Traversa, "il luogo diventa non solo la sede espositiva ma il punto focale di un'indagine tesa a recuperare un'unitarietà che in apparenza appare perduta". Sono oltre 40 i progetti esposti di cui alcuni realizzati appositamente per quest'occasione. Se le imponenti sculture di Cragg, cariche di una monumentalità al tempo stesso fantastica e organica, trovano la loro collocazione ideale nel Foro, ovvero la piazza principale della colonia Minervia Scolacium, le figure arcaiche e primordiali di Paladino dialogano alla perfezione con il Teatro romano realizzato nel I e nel II secolo d.C., mentre le opere misteriose e stranianti di Fabre entrano metaforicamente in armonia con la spiritualità della Basilica di Santa Maria della Roccella, uno dei più significativi monumenti medievali della Calabria. "I tre artisti, pur con linguaggi e approcci diversi, condividono medesime problematiche. Cragg, Fabre e Paladino, infatti, emanano, attraverso le loro opere, una forte energia vitalistica in un confronto con la dimensione temporale e spaziale", spiega Alberto Fiz. "Questo consente di realizzare un'operazione duplice dove la ricerca contemporanea s'innesta sul territorio creando nuovi percorsi visivi e nuove suggestioni". I tre artisti hanno progettato il loro intervento in relazione alle caratteristiche di uno spazio particolarmente ricco di suggestione. Cragg ha scelto di presentare una serie di opere realizzate tra il 1999 e il 2003 dove si evidenzia un tracciato caratterizzato da continui rimandi all'aspetto geometrico e organico della materia. Tra le grandi sculture scelte da Cragg si distingue Wirbelsaule del 1999, mai esposta prima d'ora, Early Forms del 2001, Cast Glances del 2002 oltre a Untitled del 2000, un lavoro in arenaria rossa di 16 tonnellate caratterizzato da una serie di stratificazioni che ne modificano la prospettiva."Attraverso il tempo gli oggetti diventano residui della propria cultura d'origine, portando con sé il ricordo della conoscenza e dello spirito di chi li ha creati", afferma Cragg. Per quanto concerne Fabre, la Basilica diventa il punto focale della sua elaborazione plastica caratterizzata da continue metamorfosi. Se in cima alla Basilica verrà collocato L'uomo che misura le nuvole, una grande scultura in bronzo che sembra entrare in relazione con l'ultraterreno, l'artista belga ha progettato per l'occasione I motori dell'anima del 2005, una nuova installazione con motori e cinque teschi di scarabei. Si tratta di un'opera fortemente simbolica dove, come spiega Fabre, "l'idea è quella di una fusione tra l'energia fisica e quella mentale. A rappresentare l'energia fisica e pulsante sono i motori, mentre l'energia spirituale è simboleggiata dalla Basilica". Ad occupare il Teatro è Paladino che per l'occasione ha realizzato una specifica installazione dove lo spazio antico viene animato da presenze silenziose e inquietanti, fantasmi di un passato collettivo. Si tratta de I Dormienti collocati sui gradoni del teatro come spettatori muti. Le 15 opere in terracotta creano un universo autonomo e suggestivo che entra in relazione con gli attori della scena, ovvero i Testimoni, quattro grandi figure in bronzo severe e ieratiche. Nella parte alta del teatro, Paladino ha deciso di collocare un grande Elmo che sintetizza l'universo mitico e simbolico proprio della sua indagine. "La mie opere non creano fratture e fanno parte del continuum temporale diventando parte integrante di un paesaggio caratterizzato da stratificazioni e sovrapposizioni, come testimonia proprio il Parco Archeologico di Scolacium", spiega Paladino. Tony Cragg, che nel 2003 ha presentato le sue opere in una grande mostra al Macro di Roma, nel 1988 ha rappresentato la Gran Bretagna alla Biennale di Venezia e quello stesso anno ha vinto il Turner Prize. Ha esposto, tra l'altro, al Museo d'Arte Contemporanea di Nizza, al Reina Sofia di Madrid, alla Royal Academy di Londra, al Museo Cantonale di Lugano, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo, al Museo di Grenoble, alla Tate Britain di Liverpool e al Guggenheim di Venezia. Sarà lui a realizzare la scultura simbolo delle Olimpiadi invernali previste a Torino nel 2006. Jan Fabre è stato invitato per la prima volta alla Biennale veneziana nel 1984. Ha successivamente preso parte a Documenta IX di Kassel, alla Kunsthalle di Basilea e, recentemente, ha esposto con una personale alla Galleria d'Arte Contemporanea di Bergamo, allo Stedelijk Museum di Gand e al Museo d'arte contemporanea di Lione. Fabre si occupa di arte visiva, scrittura e teatro e nel 2005 è co-direttore artistico del Festival di Avignone. Mimmo Paladino ha partecipato alla sua prima Biennale veneziana nel 1980. Ma vanno ricordate la rassegna alla Lenbachhaus di Monaco, le mostre al Kunstmuseum di Basilea, alla Galleria d'Arte Moderna di Bologna e alla Royal Academy di Londra. Va, inoltre segnalata, la grande installazione Montagna di sale realizzata a Napoli, la personale al Centro d'Arte Contemporanea Luigi Pecci di Prato nel 2002-2003. Paladino è membro onorario della Royal Academy di Londra e le sue opere sono collocate in permanenza in alcuni dei principali musei internazionali tra cui il Metropolitan Museum di New York. Nel 2005 la Loggetta Lombardesca di Ravenna ha ospitato una sua personale che affronta il rapporto con il teatro dal titolo Mimmo Paladino in Scena. Sino al 31 agosto 2005 espone al museo Ca' Pesaro di Venezia. Intersezioni. Cragg Fabre Paladino, Sculture al Parco Archeologico di Scolacium Curatore: Alberto Fiz Organizzazione: Assessorato alla Cultura della Provincia di Catanzaro in collaborazione con Regione Calabria della Direzione Regionale per i Beni Culturali e Paesaggistici della Calabria e del comune di Borgia. Periodo:18 giugno-9 ottobre 2005 Sede: Parco Archeologico di Scolacium (Roccelletta di Borgia-Catanzaro) Orari: tutti i giorni 10-20,30; Ingresso:libero Telefono del Parco: 0961/391356 Catalogo:Electa con testi in italiano e inglese Fotografie di Attilio Maranzano Info:www.provincia.catanzaro.it Ufficio Stampa: STUDIO ESSECI – Sergio Campagnolo, tel. 049 663499; fax 049 655098 Email:info@studioesseci.net; website: www.studioesseci.net Ufficio stampa Electa: tel. 02.21563433; fax 02.21563314 ; elestamp@mondadori.it

Tony Cragg

L'artista inglese ha progettato di trasformare con le sue sculture il Foro, ovvero la piazza principale della colonia Minerva Scolacium dove, in origine, erano collocati i monumenti più importanti, tra cui il Capitolium (era il monumento religioso di maggior significato).

In questa circostanza Cragg ha voluto animare questo luogo dove sono conservati i resti dell'antica civiltà con una serie di opere plastiche che indagano le molteplici relazioni tra l'essere umano e il suo ambiente. Usufruendo di un'ampia selezione di materiali e di tecniche scultoree, l'artista tematizza la complessa connessione tra la figura, l'oggetto e il paesaggio che, per Cragg, include sia sistemi  geologici e microbiologici sia elementi provenienti dal mondo urbani e industriali.

Sono opere misteriose ed enigmatiche quelle collocate nel Foro dove Cragg, pur evitando qualunque riferimento simbolico, fa emergere il continuo riferimento a forme arcaiche o primordiali come avviene in Box del 1999 o in Early forms del 2001. L'armatura (nel caso di Box) o la colonna (nel caso di Early forms) diventano il punto di partenza per la creazione di strutture formali completamente libere che mantengono intatto il ricordo della conoscenza e della memoria storica.

In altre circostanze, come in Column del 2003 di 290 centimetri d'altezza, ci troviamo di fronte a ipotetiche sovrapposizioni di strati geologici che consente all'opera di assumere forme inaspettate e continuamente cangianti tanto da creare un dialogo intenso con le sovrapposizioni linguistiche che caratterizzano il Parco di Scolacium. Column fa parte della serie Rational beings a cui appartengono anche Cast Glances del 2002, Species del 2003 e Out of sight, Out fo mind del 2003. Sono opere di grande vitalismo dove la componente irrazionale entra in relazione con gli elementi geometrici in una fusione tra aspetti a prima vista incongruenti. "Quello che m'interessa", ha scritto Cragg, "è il modo in cui una forma organica e irrazionale si sposa a un elemento geometrico rigido per dar vita a forme che mi sembrano colme di riferimenti e sensazioni eccitanti".      Ma tutta la scultura di Cragg va alla ricerca del punto massimo di estensione come avviene in Out of sight, Out of mind formata da due elementi in bronzo (sono alti rispettivamente 300 e 240 centimetri) che interagiscono tra loro in un dialogo paradossale non privo d'ironia.

                              Jan Fabre

L'artista belga ha occupato metaforicamente la Basilica di Santa Maria della Roccelletta, uno dei più significativi monumenti medievali della Calabria. Lo ha fatto trasformando radicalmente la percezione del luogo, non più legato ad un tempo immobile ma spazio attivo in grado di mettersi in relazione con la storia. A dimostrarlo è proprio la nuova opera concepita da Fabre per quest'occasione. Si tratta di un'installazione collocata all'esterno della Basilica composta da 70 motori, 3 teschi e animali impagliati. Come spiega Fabre "l'idea è quella di giungere ad una fusione tra l'energia fisica e mentale. L'energia fisica è rappresentata dal motore mentre l'energia mentale e spirituale è rappresentata dalla Basilica".

Ma tutto il progetto di Fabre si sviluppa sinergicamente con il luogo e in cima alla Basilica viene collocata la grande scultura in silicone e bronzo del 1988 intitolata L'uomo che misura le nuvole, un atto utopico e poetico al tempo stesso, ma anche profondamente provocatorio. L'uomo, che ha il colore dell'oro, misura le nuvole con una riga che tiene orizzontale sopra di sé con le braccia distese. Così non sappiamo mai bene quale sia lo strumento da misurare, se l'uomo misura se stesso e si pone in relazione con i propri limiti o tenta un'impresa impossibile. Qualunque sia la spiegazione, Fabre ha la capacità di creare all'interno della Basilica un percorso labirintico sospeso tra finzione e realtà in una continua e progressiva metamorfosi. Questo emerge sia dalla grande installazione di croci in legno ricoperte di colore blu Tomba del computer sconosciuto del 1993 sia nell'installazione collocata all'interno della Basilica Questa pazzia è fantastica! formata da 7 antiche vasche da bagno e da 7 gufi in vetro resi blu dall'uso dell'inchiostro proprio della penna a sfera Bic. Sono strutture imponenti che sembrano dileguarsi nello spazio quasi si trasformassero in vascelli fantasma. Lo stesso avviene per i gufi che Fabre ha voluto utilizzare come guardiani della Basilica collocandoli sospesi nell'ambiente. Ma tutto è dominato da un sottile, instabile equilibrio come testimonia l'angelo realizzato con centinaia di scarabei che tenta di spiccare il volo ma è bloccato nello spazio della Basilica tra due strutture in vetro. "E' un angelo che non può volare che rimane prigioniero della sua armatura", spiega Fabre.

Mimmo Paladino

Mimmo Paladino ha deciso di realizzare uno specifico progetto da collocare all'interno del Teatro romano realizzato tra il I e il II secolo d.C. In questa circostanza il Teatro diventa esso stesso protagonista di un percorso espositvo dove il luogo fa emergere la sua componente ritualistica. Paladino ha collocato sui gradoni dell'antico Teatro i suoi Dormienti in terracotta quasi a voler rappresentare il punto di passaggio tra la vita e la morte. Sono figure umane accovacciate in posizione fetale che affondano le loro radici nella memoria di un presente non più percepibile. Nascondendosi nel silenzio, le immagini si rifiutano di mostrarsi apertamente alla visione, spettatori muti della rappresentazione. Una rappresentazione che prevede di collocare nell'arena del Teatro quattro grandi sculture in bronzo della serie Testimoni; il viaggio archetipale dell'artista nell'universo segnico trova così la sua completa attuazione in queste figure ieratiche e severe che appaiono avvolte in un silenzio sospeso. Sono loro gli attori di una messa in scena che ha per soggetto il tempo e la memoria in un continuo ripensamento della storia e dei suoi miti. Ma non è un tempo immobile e i Testimoni,  manifestano una ritualità visiva che non può essere bloccata a conferma che il segno sviluppa una propria forza vitalistica che va oltre gli stili e le epoche. Le immagini, del resto, sono attratte all'interno di un campo magnetico dove creano un nuovo sistema formale con significati reconditi.

In cima ai gradoni del Teatro, si staglia l'Elmo di ferro dove il contenitore diventa contenuto evocando una maschera teatrale di forte suggestione ma non priva d'inquietudine. E' il fantasma di una presenza shakesperiana. Come ha scritto il regista Mario Martone "gli elmi da guerrieri lasciavano immaginare anche il passaggio delle streghe di Macbeth...E' un elmo grandioso, come quello di un gigante, dava la sensazione che tutt'intorno sulle colline si stessero combattendo i giganti di Goya".

(schede a cura di Alberto Fiz)

Scheda  tecnica

ARTISTI:            Jan Fabre, Tony Cragg, Mimmo Paladino

STRUTTURA DELLA MOSTRA:

- Opere di Fabre all’interno  della Basilica

- opere in pietra e in bronzo di Tony Cragg nel Foro Romano

- terrecotte e bronzi di Mimmo Paladino nel Teatro Greco

NUMERO OPERE:          45

INAUGURAZIONE: 17 giugno

PERIODO:            18 giugno/9 ottobre 2005

INGRESSO: gratuito

ORARI: tutti i giorni dalle 9 alle 20,30

INFOMOSTRA: 0961/84342 – 741257

UBICAZIONE:        lungo la s.s. 106

a 13 km dal centro storico di Catanzaro

e a 2 km dal quartiere Lido

PRESENZE ARCHEOLOGICHE:            basilica normanna

teatro greco

                                                            foro romano

                                                            necropoli romana

                                                            anfiteatro (poco visibile - scavi appena avviati)

ESTENSIONE DEL PARCO:            circa 40 ettari, ma i resti sono concentrati in un’area molto piu’ ridotta

INDIRIZZO DEL PARCO:            Parco Archeologico di Scolacium

localita’ Roccelletta di Borgia (CZ)

TELEFONO DEL PARCO: 0961/391356

ORARI DI VISITA:            tutti i giorni dalle 9.00 ad un’ora prima del tramonto

( fonte:  EXIBART di martedì 12 luglio 2005)

Ogni opera d’arte sottende un pensiero che a sua volta implica un’esistenza biologica. Dietro ogni esistenza e ogni pensiero si cela però un atto creativo ed evolutivo paragonabile, a sua volta, alla più complessa e riuscita delle opere d'arte: la vita stessa. Chromosoma, la grande installazione con la quale Enrico Tommaso De Paris, artista veneto di nascita ma torinese d’adozione (Mel, Belluno, 1960) torna alla Biennale di Venezia dopo la partecipazione alla collettiva Italian Factory della precedente edizione, è la trasposizione materiale di questa creazione. L’opera rappresenta una conquista fisica del territorio urbano in punti e momenti diversi (tra gli spazi dell’Arsenale Novissimo quelli della galleria Traghetto), ma soprattutto una riconquista della sfera introspettiva. Quella che racchiude i punti oscuri dell’esistenza, il mistero delle molteplici vite parallelle e biologicamente simili eppure incredibilmente -ed incomprensibilmente- differenti. Quasi un’operazione laboratoriale dal sapore labilmente empirico, una riproduzione al microscopio colorata e gigantografica di una delle sezioni che compongono il Dna di ciascuno di noi. Alla ricerca di un minimo comune multiplo genetico, in nome del quale ricollocare i punti di comunione di un’umanità artistica sempre più globalizzata.

“Il mio lavoro si realizza nella messa in opera di mobiles e strutture pittoriche parcellizzate e frazionate. Organizzo segnali e stimoli nell'intento di costruire un lavoro con un carattere più scientifico che estetico, più sociale che formale; sento che come artista questa è la mia funzione nella società” commenta De Paris. Chromosoma è scomponibile in strutture parcellizzate; lo scheletro/supporto metallico delle strutture portanti si snoda imperioso nello spazio aereo, appeso con corde metalliche agli alti soffitti dell'Arsenale. Esso scandisce ritmicamente elementi sferici o ellissoidali di varie dimensioni in cui moduli assemblabili (i geni, ciascuno identificato da una numerazione a più cifre che ricorda le componenti meccaniche di futuribili ingranaggi perfetti) ne decretano le peculiarità attraverso la posizione assunta nell'insieme. Il modulo genetico, nell’opera di De Paris come nell'opera divina, è il motore propulsore della nostra specificità e della nostra identità. Ogni modulo, anzi, contiene al suo interno i principi della vita stessa, dettagliatamente resi dall'artista ora con la statica teatralità di piccoli pupazzi che animano plastici multicolor, ora col caos vitale di video (proiettati da cinque piccoli monitor dislocati lungo l'installazione) in cui personaggi -tra i quali De Paris stesso- danzano, cantano e suonano, “producendo energia”.

Acciaio inox, vetro soffiato, contenitori pirex, legno pvc, alluminio, cinghie, silicone, plastica e luci allungano potenzialmente all'infinito la struttura genetica in progress, frattale di un universo in espansione sempre più popolato, sempre più esteso e, prendendo in prestito le parole dell'artista “...riconfigurabile otticamente e aperto all'interpretazione”. Ogni tanto piccoli specchietti rotondi spuntano dall'intricato groviglio di oggetti riflettendo la nostra immagine, a ricordarci che il risultato ultimo di questi cervellotici progetti congeniti potremmo essere noi.

gaetano salerno
mostra visitata il 25 giugno 2005

fino al 23.VII.2005
Enrico Tommaso De Paris – Chromosoma
Venezia, Spazio Thetis e Galleria Traghetto

Bidibidobidiboo

la Collezione per i dieci anni della Fondazione

Socìetas Raffaello Sanzio e Scott Gibbons (Italia/Usa)
Concerto
The Cryonic Chants
canti e poemi oggettivi, tratti da un impassibile animale*
prima assoluta
durata 1h - ingresso 13 euro - fuori abbonamento - posti limitati
Teatro Comandini - Cesena
1 - 2 - 3 luglio, ore 19.30

*spettacolo in programma al Teatro Comandini di Cesena a partire dal 26 giugno (escluso il 29), ore 19.30.

Teatro Caverna
L’amal’ora
durata 1h 15’ - posti limitati
Teatrino della Collegiata - Santarcangelo
1 luglio, ore 19.30
2 luglio, ore 17.30
3 luglio, ore 23.30

Lucia Ragni e Antonino Iuorio
Le cose sottili nell’aria
prima assoluta
durata 1h 15’
Teatro Supercinema - Santarcangelo
1 luglio, ore 21.30
2 luglio, ore 21.30
3 luglio, ore 19.30

Egumteatro e Teatro Arsenale di Milano
L’omosessuale o la difficoltà di esprimersi
prima assoluta
durata 1h 10’ - posti limitati
Lavatoio - Santarcangelo
1 luglio, ore 23.30
2 luglio, ore 23.30
3 luglio, ore 21.30

NicoNote
Règola
durata 38’ - posti limitati
Pieve - Santarcangelo
1- 2 luglio, ore 23

Francesca Proia
Buio luce buio
Qualcosa da Sala
durata 35’ e 20’
Teatro Petrella - Longiano
2 luglio, ore 19.30
3 luglio, ore 17.30

Laboratorio Nove e Luca Camilletti
Fine
durata 1h 50’
Teatro degli Atti - Rimini
2 luglio, ore 19.30
3 luglio, ore 19.30

Compagnia Virgilio Sieni Danza e Francesco Giomi
Osso
prima assoluta
durata 20’ - posti limitati
Palestra scuola elementare - Santarcangelo
2 luglio, tre repliche ore 19.30 / 21.30 / 22.30 / 23.30
3 luglio, tre repliche ore 19.30 / 21.30 / 22.30 / 23.30

Cosmesi
Avvisaglie di un cedimento strutturale
durata 50’ - posti limitati
Teatro Novelli - Rimini
2- 3 luglio, ore 21.30 repliche straordinarie ore 22.30

Fanny & Alexander
Adescamenti
durata 1h
VARIAZIONE CAUSA MALTEMPO
Lo spettacolo di Fanny & Alexander da Villa Torlonia - San Mauro Pascoli, sarà trasferito presso:
Sala dei Filtri - Fabbrica - Gambettola
2 luglio, ore 22
3 luglio, ore 22 replica straordinaria ore 20.30

Generazione Scenario
posti limitati
Teatrino della Collegiata - Santarcangelo
5 luglio, dalle ore 19
6 luglio, dalle ore 23

vincitore del Premio Scenario
Il deficiente
di Gaetano Colella e Gianfranco Berardi

menzioni speciali della giuria
'O Mare
Associazione Culturale Taverna Est

11/10 in apnea
Compagnia Teatro Sotterraneo

Qualcosa da Sala
di Francesca Proia
(Teatro Petrella - Longiano - 2 luglio, ore 19.30 - 3 luglio, ore 17.30)

Sistemi Dinamici Altamente Instabili
Bugula
durata 55’
Teatro degli Atti - Rimini
5 luglio, ore 19.30
6 luglio, ore 19.30

Luisa Cortesi e Massimo Barzagli
Di stanze
prima assoluta
durata 1h - posti limitati
Sala dei sacchi - Fabbrica - Gambettola
5 luglio, ore 19.30
6 luglio, due repliche ore 19.30/23.30
7 luglio, due repliche ore 19.30/23.30
8 luglio, due repliche ore 19.30/23.30
9 luglio, ore 17.30

Cane
Psicosi delle 4 e 48. Preludio
prima assoluta
durata 1h 15’ - posti limitati
Sala dei filtri - Fabbrica - Gambettola
5 luglio, ore 21.30
6 luglio, ore 21.30
7 luglio, ore 21.30
8 luglio, ore 21.30

Dal Premio Ustica per il Teatro
fuori abbonamento
VARIAZIONE CAUSA MALTEMPO
Gli spettacoli dal Teatro all’Aperto - Poggio Berni saranno trasferiti al Teatro Supercinema - Santarcangelo
5 luglio, ore 23.30

vincitore Premio Ustica
Quattro
Decimopianeta (Napoli)

premio speciale della giuria
‘A noce
Compagnia del Pappicio (Milano)

Raimondo Brandi
Security
durata 1h 15’ - ingresso 5 euro - fuori abbonamento
Sferisterio - Santarcangelo
5 luglio, ore 21.30

Ninachaos
Inland
durata 50’ - posti limitati
Lavatoio - Santarcangelo
5 luglio, ore 23.30
6 luglio, ore 19.30

Mk
Divano occidentale
durata 30’ – ingresso 5 euro - fuori abbonamento - posti limitati
Palestra scuola elementare - Santarcangelo
5 luglio, ore 23.30
6 luglio, 21.30
7 luglio, ore 23.30

Fanny & Alexander
Vaniada
durata 1h 20’ - posti limitati
Teatro Novelli - Rimini
7 luglio, due repliche ore 19.30/23.30
8 luglio, due repliche ore 17.30/23.30
9 luglio, due repliche ore 21.30/23.30
10 luglio, due repliche ore 17.30/21.30

Amir Reza Koohestani (Iran)
Amid the clouds
prima nazionale
durata 1h 40’
Teatro Petrella - Longiano
7 luglio, ore 21.30
8 luglio, ore 19.30
9 luglio, ore 17.30

Lady Godiva Teatro
Napoleone
durata 1h 10’ - ingresso 5 euro - fuori abbonamento
Sferisterio - Santarcangelo
7 luglio, ore 21.30

Mk e Esc (Italia/Francia)
Real Madrid
prima assoluta
durata 40’
Teatro degli Atti - Rimini
8 luglio, ore 19.30
9 luglio, ore 19.30
10 luglio, ore 19.30

Garabombo delle risse
Settanta Vallanzasca
durata 1h 35' – ingresso 5 euro - fuori abbonamento
Teatro all’Aperto - Poggio Berni
8 luglio, ore 21.30
9 luglio, ore 21.30
10 luglio, ore 21.30

Cristian Ceresoli e Antonio Pizzicato
Voce Sola
durata 1h 11’ - posti limitati
Teatrino della Collegiata - Santarcangelo
8 luglio, ore 23.30
9 luglio, ore 23.30
10 luglio, ore 17.30

João Fiadeiro (Portogallo)
I am here
prima nazionale
durata 1h - posti limitati
Lavatoio - Santarcangelo
8 luglio, ore 23.30
9 luglio, ore 19.30
10 luglio, ore 21.30

Teatropersona
Theresienstadt
prima assoluta
durata 1h 30'
Teatro Supercinema - Santarcangelo
8 luglio, ore 21.30
9 luglio, ore 21.30
10 luglio, ore 19.30

Teatro della Cooperativa
La nave fantasma
durata 2h 30’ - ingresso 5 euro - fuori abbonamento
Sferisterio - Santarcangelo
9 luglio, ore 21.30

Sandro Lombardi - Compagnia Lombardi-Tiezzi
Pascoli
Villa Torlonia - San Mauro Pascoli
durata 1h - ingresso 5 euro - fuori abbonamento
10 luglio, ore 22

XXXVIII Festival delle Nazioni
Città di Castello
20 agosto – 4 settembre
Omaggio alla Polonia

Da questo anno il Festival delle Nazioni torna ad individuare un nucleo centrale, legato ad una nazione ospite, intorno al quale sviluppare tematiche più generali.
Non potevamo ignorare il grande avvenimento politico, culturale ed economico di questi anni: l’entrata di nuove nazioni nella Comunità Europea, nazioni che tornano ad intrecciare la loro storia e il loro sviluppo con un tessuto di cui, in epoche passate, erano parte integrante.
Tra queste la Polonia, su cui si concentrerà il Festival di quest’anno.
Abbiamo visto nella cultura polacca un esempio di come la musica possa divenire veicolo di comunicazione al di sopra dei confini delle nazioni; e Chopin, che potremmo definire l’anima europea della Polonia, ne è l’esempio più forte; ma lo sono o lo sono stati anche musicisti più vicini a noi come Szimanowski, Penderecki, Kilar.

Dunque il Festival si incentrerà sui seguenti nuclei tematici:

• Chopin;
• la musica in Polonia nel periodo a cavallo tra ‘800 e ‘900;
• la musica antica e la musica popolare;
• i contemporanei.

Naturalmente si cercherà, anche se non certo in maniera esaustiva, di inquadrare gli autori polacchi nelle loro relazioni con la musica europea, coi loro ‘maestri’e le loro culture di riferimento; saranno presenti dunque nel programma opere di Cajkovskij, Dvorak, Skrjabin, Schoenberg.

Un filone si articolerà intorno a Chopin, a partire dai due famosi concerti per pianoforte e orchestra. Verrà inoltre presentata una nuova versione della piece ‘En attendant Chopin’, ideazione e regia di Michal Znaniecki, uno dei registi di prosa e di lirica della nuova generazione più interessanti. In quest’occasione, il salotto parigino della principessa Belgioioso si trasferirà a Città di Castello, in attesa dell’arrivo del genio polacco. Chopin non è mai riuscito a realizzare il suo sogno di visitare il Bel Paese. Neanche questa volta arriverà nel salotto dove si svolge la serata. Delfina Potocka, Henriette Voight, Gorge Sand si racconteranno le loro esperienze legate al musicista, le loro curiosità, gli aneddoti. Verranno eseguiti brani meno conosciuti, quelli ispirati alla lirica italiana, quelli dedicati alle sue allieve. La musica e la parola si sostengono in una ricerca di echi e di rimandi incrociati.

Verrà poi presentata un’interessante rielaborazione cameristica, a quattro voci, dei diciassette Canti Polacchi op. 74 , realizzata dal compositore italiano Lorenzo Ferrero.
Sempre in tema di rielaborazioni, sarà ospite del Festival il pianista americano Uri Caine maestro nell’affrontare, con profondità e disinvoltura al tempo stesso, il rischio della rilettura, a tratti ricca di improvvisazioni, di famosi brani della grande letteratura musicale europea.
Lo spettacolo musicale “Yankele nel ghetto” ci farà compiere un interessante e struggente viaggio nella musica e nella vita del ghetto ebraico di Lodz, tra il 1940 e 1945, attraverso la raccolta di canti curata da Gila Flam, reinterpretati dal gruppo italiano Klezroym.

Un altro filone dell’edizione di quest’anno vedrà protagonista Karol Szimanowski, uno dei più interessanti compositori polacchi protagonisti di quell’epoca ricca di rivolgimenti sociali e fermenti culturali che fu il periodo a cavallo tra ‘800 e ‘900. Ascolteremo uno dei suoi brani più significativi: lo Stabat Mater eseguito dall’Orchestra Filarmonica e Coro Filarmonico di Cracovia diretta dal maestro Tomas Bugaj.

Inoltre, sarà messa in scena in prima assoluta in Italia la “Mandragora”, pantomima in tre argomenti commissionata da Leon Schiller per essere inserita in una messa in scena del “Borghese gentiluomo” di Moliere, nel 1920.
L’Uberblett Ensamble, gruppo italiano impostosi all’attenzione internazionale con lo spettacolo musicale Schoemberg Kabarett eseguirà musiche di Bartok, Schreker e Schoenberg. Avremo inoltre modo di ascoltare il pianista Michail Rudy in opere di Prokof’ev, Skrjabin e Musorgskij.
Era d’obbligo uno sguardo alla musica rinascimentale e prebarocca: l’ensenble polacco più noto internazionalmente, l’Ars Cantus diretto da Tomasz Dobrzanski, eseguirà un programma tratto dal variegato corpus musicale legato al fecondo periodo in cui l’Università di Cracovia divenne il più importante centro culturale della Polonia rinascimentale.

Il Festival getterà naturalmente uno sguardo anche sulla contemporaneità: oltre all’esecuzione di brani di Wojciech Kilar, autore fra l’altro di musiche scritte per film di notissimi registi come Coppola, Waida, Polansky e Zanussi, saranno eseguite composizioni di Gorecki, Lutoslawski e, in prima assoluta, una commissione del Festival delle Nazioni ad uno dei compositori emergenti più interessanti: Hadrian Tabecki. Non mancherà la presenza prestigiosa di Krisztof Penderecki, il compositore più noto della Polonia di oggi, in veste di autore e direttore, con la Vilnius Festival Orchestra.

Infine lo spettacolo commissionato al coreografo Virgilio Sieni che il Festival delle Nazioni presenterà in prima assoluta, ricorderà Alberto Burri nel decennale della scomparsa.
Il festival si chiuderà ritrovando due grandi autori come Wieniawski e Beethoven nel concerto della vincitrice dell’ultima edizione del concorso violinistico dedicato appunto a Wieniawski, Alena Baeva insieme all’Orchestra di Padova e del Veneto, diretta da Anton Nanut.

Il Direttore Artistico
M° Aldo Sisillo

Armunia Festival 2005