I legni dei Polittici vivono forti e fieri delle loro ferite come gli alberi sopravvissuti al fulmine, i quali trovano nelle riserve di cui la natura li ha abbondantemente dotati, la capacità di continuare a vivere. Avvicinandoci alle "stele", costruite ed assemblate con una grande intensità partecipativa e creativa, si ha la sensazione di essere attratti da una corrente destabilizzante il nostro reale, attraverso la quale si entra in un universo onirico, carico di un senso di ignoto e di infinito. In questo universo non si percepisce, però, l’ineluttabilità di uno spazio fagocitante e distruttivo, ma la serenità di un nascondiglio accogliente, luogo di memoria, di riflessione, angolo di meditazione e, perché no, di preghiera che ognuno di noi potrebbe adattare, spostando i singoli pezzi, alla propria realtà esistenziale.
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Ne risulta un cromatismo inedito, ricco, di bellissimo effetto: col mutare dei punti di vista e quindi con l’alterno apparire dell’una o dell’altra stesura coloristica, il legno subisce un processo di animazione che lo rende instabile e vibrante. Emblematico, da quel punto di vista, è uno dei pezzi in mostra in cui dalla superficie oscura sembrano affiorare recessi d’uno rosso vivo, quasi la percorressero sotterranei rivoli di lava.
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Profondamente sensibile alle lacerazioni della vita, la Nazzari esorcizza la sua sofferenza interiore attraverso il faticoso lavoro di scavo inferto alle sue opere, siano esse quadri o stele. In questo senso, non c’è quasi differenza fra un lavoro bidimensionale e uno tridimensionale dell’universo espressivo di quest’artista. Si potrebbe parlare di pittura scultorea, perché ciò che va indagando attraverso i solchi contro filo che infligge alla materia lignea ha un valore che va oltre al pittorico. Anche se è proprio sugli effetti dei pigmenti colorati, prevalentemente viola ma anche blu, verde petrolio o rosso ardente, che l’artista punta per manifestare la sua problematica ma pur sempre positiva adesione alla vita. È come se la Nazzari aggredisse la materia per poi lenirne le ferite con un sapiente, quasi accattivante, uso del colore: che fa emergere, vibrare, accendere, trattandolo proprio come se fosse qualcosa di vivo.
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Rispetto alle installazioni degli ultimi tempi, più risolte su un piano scenografico, le opere in mostra sembrano recuperare l’originaria valenza artigianale della realizzazione, mantenendo però una connotazione concettuale messa a punto nei lavori recenti.
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Il legno, era definito come pagina o come solido plastico, si stratifica in frammenti di segni che reagiscono diversamente a seconda della luce e del punto di osservazione. Nel variare dei formati e delle soluzioni plastiche le combinazioni di forme e di segni compongono un complesso gioco di rimandi linguistici che spostano l’attenzione dal risultato pittorico al significato mentale del processo costruttivo.
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L’opera diventa il luogo simbolico di una riflessione profondamente sofferta: bagliori rossi di magmi incandescenti affiorano a tratti dalle trame slabbrate e sfibrate dei grandi piani monocromi, mentre le superfici così lacerate delle tavole catturano la luce e la rilasciano con dinamiche impercettibili che producono vibrazioni cromatiche e luministiche di forte intensità e suggestione.
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Wanda Nazzari cerca una sua cifra autonoma e la trova in un linguaggio in cui convivono l’immediatezza e l’asperità espressionista, la tattilità materica, e la purezza dell’astrazione.
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Il legno, materia prima conosciuta, amata ed esaltata in anni di paziente lavoro, viene ora lacerato in piccoli pezzi, graffito, inciso, scavato e ricomposto, con una stratificazione sapiente, in nuclei espressivi carichi di valenze interiori. I nidi sono diventati i luoghi dell’uomo del nostro tempo, e il bianco e il rosa tenero, d’intonaco di stanza, sono le tracce di una violazione intima. I rimandi alla guerra nascono spontanei, ma il nido non è solo la casa, il palazzo, la città dell’uomo, è l’uomo stesso, è la stessa artista nel suo vissuto e nel momento creativo.
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