E' uscito il libro di Alda Merini "Sono nata il ventuno a primavera" (Manni editore, Lecce).

Dalla recensione di Ignazio Minerva su "La Repubblica- Bari" del 12.05.2005:

<<La casa di Alda Merini è come la sua poesia: "vive di accumulo, aggiungendo immagine ad immagine, oggetto ad oggetto, con una semplicità ed una innocenza che riscattano e sublimano qualunque esperienza come qualunque disordine". Parole dell'editore Pietro Manni (...). Dalle conversazioni Manni ha tratto questa biografia intellettuale "Sono nata il ventuno a primavera" arricchita da poesie e citazioni. Nella prima parte del libro la Merini ricorda i suoi genitori, gli anni felici dell'infanzia e la vocazione a una maternità speciale, "non una madre che spolvera, che sta attenta che il bambino non sporchi, non si faccia una macchia" ma una "madre morale, mentale, custode dei figli". Racconta l'incontro con Manganelli, quando avrebbe voluto scrivere per Einaudi "Albergo a ore", alludendo "agli innumerevoli alberghi che abbiamo visitato nelle nostre perdute scorribande amorose. (...) Albergo a ore viene pure definito l'ospedale psichiatrico, dal quale entrare nei momenti di crisi e uscire. "Il manicomio - scrive la Merini - è una grande cassa/ con atmosfere di suono/ e il delirio diventa specie,/ l'anonimità misura,/ il manicomio è il monte Sinai/ luogo maledetto/ sopra cui tu ricevi/ le tavole di una legge/ agli uomini sconosciuta".  Nella seconda sezione(E' stanco, il poeta) Alda  Merini parla della poesia, che in fondo, dice, serve solo ai poeti che sono portatori di un magma che diventerà aria, speranza per gli altri. L'ultima parte raccoglie poesie inedite, come quella riportata in copertina" Nuvole di pianto/ sono le mie parole/ un brivido di canto/ il silenzio del tuo respiro".

Comunicato Stampa Vicenza, 5 maggio 2005

 Il teatro del Lemming di Rovigo presenta “Huis Clos “ (A porte chiuse) di Sartre.

 L’evento è promosso da SconfinaMenti, associazione interdisciplinare di psichiatri e psicologi vicentini PORTE APERTE A “PORTE CHIUSE” A Vicenza per la prima volta l’ex ospedale psichiatrico si apre ad un evento esterno. L’iniziativa che si terrà il 28 e 29 maggio comprende “La scena degli addii, morte e separazione nel teatro del vivere”, un convegno sulla morte e separazione con letture originali: psicanalitica, sociologica, teatrale, fino all’elaborazione del lutto nella produzione artistica di Munch. Un convegno su un tema per molti aspetti ancora e sempre tabù: la morte, la separazione e l’elaborazione del lutto. Una rappresentazione teatrale per pochi spettatori nell’ex ospedale psichiatrico di Vicenza, un convento millenario, oggi sede di strutture riabilitative e residenziali per pazienti psichiatrici. Un’associazione dal nome evocativo di “SconfinaMenti”, costituita recentemente da un gruppo di psichiatri e psicologi vicentini, non poteva che rompere i confini, cercare punti di incontro (e di rottura) con altre discipline e linguaggi. Il doppio evento, che si terrà a Vicenza il 28 e 29 maggio, mira a lanciare suggestioni (e provocazioni) alla città e non solo, agli addetti ai lavori, ma anche a chiunque si incuriosisca di fronte alla trattazione di tematiche importanti con chiavi di lettura nuove. Il Convegno “La scena degli addii: morte e separazione del teatro del vivere” (Palazzo del Monte, Contrà del Monte 13 a Vicenza) tratterà gli argomenti in chiave clinica con aperture sociologiche e una non celata predilezione per un approccio psicanalitico - ma anche sociologico e antropologico - fino a quella forma particolare di elaborazione del lutto che è la produzione artistica nelle sue diverse forme (una delle relazioni analizzerà il percorso di Edvard Munch). Le sera seguente, alcuni spazi dell’ex ospedale psichiatrico, ospiteranno la compagnia Teatro del Lemming di Rovigo in una presentazione “studio” del testo teatrale di Jean Paul Sarte “Huis Clos” (A Porte Chiuse), movimento della trilogia Inferno che comprende una ricerca sulla caduta e rinascita dell’essere umano attraverso percorsi teatrali contemporanei. La messa in scena, secondo lo stile dell’importante gruppo teatrale veneto, sarà rivolta a un piccolo pubblico di trenta persone coinvolte nella rappresentazione. I locali utilizzati saranno quelli vissuti quotidianamente dagli ospiti del Centro Diurno riabilitativo del Dipartimento di Salute Mentale, in particolare un attivissimo laboratorio di lavorazione della ceramica e quello adiacente di legatoria. “Lo spazio vicentino è ricco di significato – afferma Sandro Quadrelli del Teatro del Lemming - ci piace stravolgere le regole del gioco, trasformare gli spazi, anche quelli tradizionali, facendo risaltare il luogo insieme alla rappresentazione che vi si svolge”. “Una delle idee forti della associazione che abbiamo recentemente fondato a Vicenza, e che riunisce psichiatri, psicologi e altre persone interessate – spiega la dott.ssa Consolaro, psichiatra, presidente dell’associazione Sconfinamenti - è quella di un’azione culturale, ma anche sociale, che possa contribuire a combattere gli stigmi, cioè tutte quelle forme di pregiudizio e di esclusione, che riguardano le persone che soffrono di disturbi psichici, una categoria di malati spesso tenuta ai margini della vita sociale, per paura o ignoranza. Nella malattia psichiatrica questa paura è ancora molto presente e di recente i Ministri della Salute della comunità europea hanno inserito i progetti per la Salute Mentale e la lotta alla stigmatizzazione dei malati psichiatrici come uno dei principali obiettivi di salute pubblica dell’Unione. Nel nostro territorio – prosegue la psichiatra vicentina - ci piacerebbe che, anche secondo quanto stabilito nei Progetti Obiettivo per la Salute Mentale, in pratica i programmi attuativi della legge 180, gli ex luoghi di cura non fossero più vissuti come ghetti, posti dove custodire le persone e isolarle dal mondo esterno, ma che la città vi entrasse, che convivesse senza paure con le poche persone, molte ormai anziane, che ancora vi sono ospitate e che ora vi abitano a tutti gli effetti. Non a caso non si parla più di reparti ospedalieri, ma di Comunità Alloggio e gruppi appartamento. Sarebbe bello pensare che un domani, in questi magnifici spazi, potessero tranquillamente rientrare forme normali di vita civica, fruibili da tutta la popolazione, come ad esempio un parco pubblico”. Per informazioni e iscrizioni al convegno: C.R.J.V., via Ezzelino Balbo 2, 35141, PADOVA, info@jung-veneto.it - tel. 049.8726148, fax 049.8728448; Associazione SconfinaMenti, tel.0444.322090, e.mail: sconfinamenti@katamail.com Per prenotazione posti per la rappresentazione teatrale che si svolgerà il giorno 29 maggio in tre repliche alle ore 19, 20.30 e 22, telefonare allo 0425.422465; e.mail: infolemming@teatrodellemming.com Contatti stampa: Isabella Sala 339.74968982 - e.mail: is.sala@libero.it

9.05.2005 

Riceviamo da Sabrina Bisceglia la seguente segnalazione cinematografica:

(fonte: Artplus)

CHRISTIAN BOLTANSKI AL PAC (MILANO)

Dopo "Fitting Spaces / Spazi atti - 7 artisti italiani alle prese con la trasformazione dei luoghi",  per il Padiglione d’Arte Contemporanea di Milano è ora la volta di Christian Boltanski. L’artista francese nato a Parigi nel 1944 e riconosciuto oggi come uno dei più grandi artisti contemporanei, ritorna in Italia con una mostra dedicata alla dimensione temporale, al trascorrere del tempo e alla sua percezione. L’evento in programma allo spazio espositivo milanese dal 18 marzo a1 12 giugno sarà curato da Jean-Hubert Martin.

Le opere che saranno presenti al PAC, tutte di recente produzione, sono state costruite per permettere al visitatore di entrare in contatto con la personale elaborazione estetica del concetto di tempo elaborata da Boltanski durante tutta la sua attività artistica: non sviluppo storico, ma fragile e instabile passaggio, fine inesorabile e scorrere decadente. Il linguaggio artistico di Boltanski è concettuale, come è concettuale l’arte funeraria di molte culture: un sistema di semplici segni e di suoni ripetitivi per dare forma all’inarrestabile flusso del tempo e quindi all’improrogabile appuntamento con la morte. Gli oggetti che Boltanski impiega nelle sue installazioni sono trattati come marionette, non sono usati per se stessi, per la loro forma o per ciò che rappresentano, ma piuttosto per la loro arcana capacità di evocare e richiamare alla mente avvenimenti passati, strappandoli così all’oblio, alla dimenticanza.
Opere che si focalizzano sull’ultimo grande dubbio dell’uomo, che sprofondano nella paura della fine, sempre minacciosa all’orizzonte. E’ la sensazione del passaggio, della precarietà effimera dell’esistenza, è la domanda insoluta sul senso della nostra presenza.

La mostra milanese affronta quindi due temi fondamentali per tutto il genere umano: il trascorrere del tempo ed il tema della scomparsa. Il tempo sarà percepibile con forza e crudezza in diversi modi, da un’interminabile voce sintetizzata che segnalerà costantemente l’orario alle immagini fotografiche del volto di Boltanski nelle diverse tappe della sua vita, da un video che proporrà ad alta velocità consequenziale i fatti accaduti ogni 6 settembre, giorno di nascita dell’artista, con possibilità però di selezionarne uno da analizzare, da ricordare. I suoi lavori tendono essenzialmente ad evocare il passato, evidenziandone le tracce e l’azione sacralizzante. Il tema della scomparsa, della morte, verrà evocato invece non solo da fotografie, ma anche dall’inequivocabile e lapidaria opera TOT (“morto” in tedesco) scritta a parete con l’impiego di lampadine luminose. Il tempo – che siano pochi giorni o una vita intera - avvalora l’intento di documentare la realtà quale essa sia, comune, quotidiana, ripetitiva, assumendo il sapore della Memoria. Una mostra di grande impatto, una sorta di "memento mori" dove la verità apparente delle cose fatta di istantaneità e transitorietà si ribalterà nel suo opposto complementare e immergerà i visitatori nell’implacabile fluire del tempo. Un trascorrere leggibile però solo attraverso la lente soggettiva del Ricordo.

In occasione della personale, si terranno inoltre la rassegna PACinConcerto, con un programma di appuntamenti fra arte e musica contemporanea, e Appuntamenti contemporanei, conferenze e letture legate alle tematiche della mostra. 

15.03.2005 

E' uscito per Einaudi "Daimon" , opera-rivelazione di Patrizia Bisi.

(dalla scheda di presentazione del libro a cura dell'Ufficio Stampa Einaudi)

Diletta ha tre anni. All'asilo si distingue nel lancio di coltelli in sala mensa, ma seduta sulle gambe di suo padre suona il piano come un angelo. Diletta ha otto anni. La sua mente è popolata di fantasmi, e la musica sotto le sue mani prende toni diabolici, selvaggi. Diletta ha tredici anni. Suona deviando da ogni partitura, l'ombra di un demone ballerino la dirige. Invece che al Conservatorio, entra in un istituto psichiatrico. Diletta a ventun anni parte da sola per New York. È cresciuta senza mai guarire da quella strana malattia che si chiama anima. Perché crescere, a tutte le età, significa imparare ad ascoltare la propria musica interiore.

«Tutto è cominciato la notte in cui un tifone ha spezzato un palo della luce, oscurando il quartiere intorno all'ospedale dove mia madre stava partorendo. A Milano, il 24 gennaio, ventuno anni fa. Un parto difficile, lungo e doloroso, per mia madre il primo e l'ultimo della sua carriera».

Diletta è figlia del Maestro Enrico Lanzetti e di Elizabeth O'Leary. Non è normale, dice sua madre. Suo padre dice che è una bambina eccezionale, «speciale, ha detto ancora per un po', e poi sulla mia specialità si è steso un velo». Agli occhi di tutti è una piccola furia che sta asserragliata in camera scagliando gli oggetti in una personalissima guerra di liberazione. Che non parla e non ascolta ma suona il piano, i tavoli, i bicchieri. Che usa le posate come armi e chiacchiera con un nano invisibile.
La verità è che Diletta è una creatura spaventata, che sente troppo e che nessuno sta a sentire. Colleziona incidenti. E dottori, farmaci, istituti per la rieducazione dei bambini difficili, tutte le forme di costrizione che gli adulti esercitano su quello che non riescono a capire. E nel suo mondo personale, un universo fantastico che si anima nella sua mente, sperimenta un percorso dove la «diversità» e la fantasia sono un modo per attraversare la paura, la violenza, la solitudine, la morte.

Le ci vorrà del tempo per capire che non si può guarire da se stessi. Partire da sola per New York, a ventun anni, senza un soldo in tasca, sarà per lei un salto nel buio non diverso dagli altri. Per ritrovare la sua musica, e il coraggio di dire a chi vorrebbe riportarla nel suo piccolo inferno protetto: «Se questo è amore, io ci sputo sopra».
Una narrazione originale, coinvolgente, di straordinaria forza emotiva. Dove l'elemento fantastico scivola nella dimensione reale fino a rendere sempre più sottile il confine fra realtà e illusione, tra normalità e follia.

(fonte:  http://redazione.romaone.it/ )

Edvard Munch, al Vittoriano l'angoscia di un'epoca Una vasta antologica presenta gli inquieti capolavori di uno dei maestri del Novecento, l'artista norvegese profeta delle paure, delle inquietudini e dei tormenti interiori dell'uomo moderno.
		Deborah Marchioro Roma, 9 marzo 2005 - Oltre cento opere, tra dipinti a olio e stampe, ripercorrono l'iter creativo di Edvard Munch (1863-1944), l'artista norvegese considerato uno dei padri dell'Espressionismo. La mostra ospitata nel Complesso del Vittoriano, sotto l'Alto Patronato del Presidente della Repubblica Italiana, del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, della Reale Ambasciata di Norvegia, è promossa dal Comune e dalla Provincia di Roma e dalla Regione Lazio. Curata da Øivind Storm Bjercke, si avvale di un comitato scientifico composto da Erik Mørstad, Einar Petterson, Renato Barilli, Maria Teresa Benedetti, con Claudio Strinati quale commissario generale. Le opere esposte, circa sessanta oli e una cinquantina di opere grafiche tra acquaforti, litografie, xilografie, provengono da noti musei internazionali e dalle più importanti sedi espositive norvegesi, tra cui il Munch-Museet e la Nasjonalgalleriet di Oslo, il Bergen Kunstmuseum, lo Statens Museum for Kunst di Copenaghen, l'Ateneumin Taidemuseo di Helsinki, il Wallraf-Richartz-Museum di Colonia, lo Sørlandets Kunstmuseum di Kristiansand, il Lillehammer Kunstmuseum, il Trondheim Kunstmuseum e il Rogaland Kunstmuseum di Stavanger. L'esposizione, come ha precisato il curatore Øivind Storm Bjercke, intende mostrare tutti gli aspetti della produzione dell'artista e rappresenta un'occasione unica per ammirare le sue opere, dal momento che per vedere Munch bisogna andare in Norvegia: non è un artista come Cezanne o Monet, facilmente visibile in diversi musei del mondo, poiché, ad esempio, a New York c'è solo una sua opera. Come ha sottolineato il Sindaco di Roma, Walter Veltroni, Munch è stato "il migliore interprete, senza volerlo, del tempo che viviamo" e a proposito dei furti che hanno interessato le opere dell'artista, il Sindaco ha affermato che il "rapimento" de L'urlo, avvenuto insieme a quello del dipinto raffigurante la Madonna lo scorso agosto, "meriterebbe che si impegnassero tutte le forze possibili per recuperarlo". Melanconia, Disperazione, Paura, Urlo, Vampiro: questi alcuni titoli delle opere di Munch, espressioni di un'angoscia esistenziale e di un senso di morte che pervadono tutta la produzione dell'artista. Nato a Löten, in Norvegia, a cinque anni perde la madre e a quattordici vede morire la sorella: "Nella casa della mia infanzia abitavano malattia e morte. Non ho mai superato l'infelicità di allora. Così vissi coi morti". Dopo aver lasciato le scuole tecniche, studia alla Scuola Reale di Disegno di Oslo e inizia a dipingere soggetti familiari inserendosi nel filone del naturalismo. Compie poi fondamentali viaggi a Parigi (1885), nel sud della Francia, in Italia, in Germania: rimane particolarmente colpito da Manet e dagli Impressionisti, ma ben presto abbandona la solarità e le vibrazioni luminose di questi ultimi, guardando poi a Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Degas e Gauguin per superare il naturalismo ed esprimere una condizione esistenziale: ciò che lo interessa non è più il mondo esterno ma la realtà interiore, tema cui si rivolge anche la letteratura scandinava da Ibsen a Strindberg. "Non si possono più dipingere interni con uomini che leggono e donne che lavorano a maglia - scrive Munch - Si dipingeranno esseri viventi che respirano e sentono, soffrono e amano". E ancora, "I miei quadri sono i miei diari", afferma l'artista, spiegando così in chiave autobiografica la sua intera produzione, esperienza soggettiva e al tempo stesso simbolica della sofferta condizione umana: la linea sinuosa dell'Art Nouveau chiude colori irreali che alludono al mondo interiore dell'artista, ma dopo la grave malattia nervosa che lo colpisce nel 1908 e lo costringe a trascorrere otto mesi in una clinica di Copenaghen, i contorni si sfaldano senza più trattenere il violento cromatismo. Quando torna in Norvegia sceglie di vivere lontano dalla città, in un villaggio sul fiordo, prima a Krageroe e poi a Ekely: la solitudine diventa una scelta di vita, mentre i suoi quadri - da cui non si separa - divengono le sue "guardie del corpo". Il nuovo corso della sua vita corrisponde a un rinnovamento nella sua pittura, che conosce ora anche tinte radiose. A Ekely morirà di polmonite nel 1944, lasciando tutti i suoi averi in eredità al Comune di Oslo dove, nel 1963, è inaugurato il Museo a lui dedicato. Catalogo Skira Complesso del Vittoriano Via San Pietro in Carcere Tel. 06.6780664 Biglietto d'ingresso: intero euro 9,00 ridotto euro 6,50 Orario: dal lunedì al giovedì 9.30 -19.30; venerdì e sabato 9.30 - 23.30; domenica 9.30 - 20.30 Dall'11 marzo al 19 giugno 2005

2.03.2005 

Gina Pane e "Dionysiac" al Centre Pompidou a Parigi

(fonte: LaStampa Web)

A Gina Pane, grande protagonista della Body Art (morta prematuramente nel 1990), il Centre Pompidou dedica una retrospettiva che presenta fotografie, testi, oggetti e video di performance, che documentano gli aspetti più importanti della sua inquietante e poetica ricerca (fino al 16 maggio). Sempre al Pompidou rimarrà aperta fino al 9 maggio una articolata collettiva intitolata « Dionysiac » che comprende lavori di artisti come John Bock, Jason Rhoades, Fabrice Hyber e Paul Mc Carthy.

1.03.2005 

 

ROBERT MORRIS

apre il 26.02.2005 chiude il 29.05.2005 CENTRO PECCI Viale della Repubblica 277 Prato (Po) pecci@centropecci.it http://www.centropecci.it/htm/ho.htm

ARTISTI CORRELATI

Robert Morris

DETTAGLIO NEWS

Antologica Il Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci presenterà una grande mostra dedicata a Robert Morris, uno dei massimi esponenti della Minimal Art, che tra l’altro ha lasciato nel territorio pratese e pistoiese opere significative come il Labirinto della Fattoria di Celle o l’altare maggiore e il pulpito nel Duomo di Prato. La mostra sarà curata da Jean-Pierre Criqui, uno dei più noti esperti a livello internazionale dell’artista. Per la prima volta in Italia saranno esposti insieme un numero così considerevole di Blind Time Drawings: circa 80 disegni scelti tra le 6 serie che formano il corpus completo di questo lavoro a cui Morris si è dedicato per più di trent’anni. Dai primi disegni del 1973 fino ai più recenti Moral Drawings del 2000, con una particolare enfasi sulla quarta serie, un gruppo di opere ispirate dagli scritti del filosofo Donald Davidson (Drawing with Davidson, 1991), oltre ad alcuni disegni che non appartengono a nessuna delle sei serie, come i Crisis Drawings. I Blind Time Drawings sono disegni realizzati dall’artista ad occhi bendati, previa una breve stesura delle indicazioni che seguirà nell’esecuzione, per sottolineare lo scarto tra l’idea e la realizzazione, tra il proposito dell’artista e il limite del corpo. Gli scritti sono parte integrante dell’opera e spesso si trovano ai margini del disegno stesso. Il fatto di non vedere il foglio mentre disegno mina tutte le idee di intenzionalità e rimette in questione lo statuto di errore come criterio limite. Per chi lavora ad occhi bendati la nozione di talento perde completamente di senso. Il processo in se non mi interessa, non è che un mezzo. (Robert Morris). In mostra, inoltre, saranno esposti alcuni dei capolavori di Morris, pietre miliari del movimento minimalista come il famoso Card File del 1962 ed ancora Box with the Sound of its Own Making (1961), Self-Portrait (EEG) (1963), i Mirrored Cubes (1965), i film Mirror Film e Finch College Project Film, entrambi del 1969, la grande installazione Threadwaste with Mirrors (1968/1998) e Portland Mirrors (1977). In occasione della mostra di Prato sarà pubblicato un libro dedicato ai Blind Time Drawings, non un catalogo ragionato, impossibile da realizzare a causa della dispersione dei disegni, (in totale dovrebbero essere circa 250, ma Morris non li ha catalogati), ma comunque la pubblicazione più importante ed esaustiva dedicata a questi straordinari lavori. I testi critici saranno di Robert Morris, Donald Davidson e Jean-Pierre Criqui. Inaugurazione: 26 febbraio Ufficio Stampa: Ku.ra. Rosi Fontana - t. 050 9711343 - fax 050 9711317 Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci Viale della Repubblica 277 Prato Orari: dal lunedì al venerdì 12.00-19.00; sabato, domenica e festivi 10.00-19.00. Chiusura: Martedì. Ingressi: intero € 5,00 - ridotto euro 4,00

fino all’8.III.2005
Anselm Kiefer – Die Frauen
Roma, Villa Medici – Accademia di Francia

Da Saffo a Circe, dalle regine di Francia alle rivoluzionarie. L'altra metà del cielo, secondo Anselm Kiefer. Vetro, ferro, giacigli vuoti di acqua e terra. Destini tragici, inesorabili e rievocazioni poetiche. Sotto l'ala di piombo della Storia...

martedì 8 febbraio 2005
Villa Medici, sede dell’Accademia di Francia a Roma dal 1666, accoglie da sempre protagonisti dell’arte contemporanea, tra cui recentemente Anselm Kiefer, di origini tedesche (Donaueschingen, 1945), ma francese d’adozione. Die Frauen – questo il titolo della mostra – è un viaggio affascinante nell’universo femminile, rievocato attraverso le figure più significative della storia e della mitologia.
L’itinerario si snoda nelle sale del palazzo e nei giardini, animandosi di presenze vive, forgiate nei materiali più diversi che caratterizzano l’opera dell’artista, campione del Neo-espressionismo tedesco e del conseguente revival pittorico. Tuttavia, a differenza dei precursori della Brücke, che esaltavano il potenziale catartico e avveniristico della pittura –da cui la metafora neitzchiana del “ponte”– Kiefer la considera principalmente uno strumento di analisi retrospettiva, che spazia dalla verità dei fatti a quella, altrettanto incrollabile, del mito. 
L’esposizione corre sul doppio binario della storia e dell’immaginazione, attingendo al ricco firmamento di stelle che illuminano “l’altra metà del cielo”: Saffo, che al posto del cranio regge il peso telamonico di una pila di libri, identificandosi totalmente con la poesia; Dafne, in piena metamorfosi, con gli arti vegetali spiegati a mo’ di ali; Circe, prototipo dell’ammaliatrice, che trasforma le sue vittime in animali e le rinchiude in una gabbia. E poi Berenice, rappresentata con rigore filologico, degno della fonte callimachea: su una parete è appuntata la mitica ciocca da cui si dipanano schegge di vetro, che alludono alla costellazione eponima.
Alle regine di Francia, Kiefer dedica un doppio lavoro, al confine tra la pittura e l’installazione. Dapprima, una superficie pittorica spessa, laccata, polimaterica, su cui spiccano i nomi delle teste coronate, accanto a cornici di piombo vuote: probabilmente, una genealogia invisibile, cancellata dall’oblio e ridotta ad un vuoto elenco nominativo. Forse, un’eco dell’olocausto, macchia nera sul fondo della coscienza tedesca, orrore passato, sempre presente nel ricordo dei superstiti e nelle vite spezzate delle vittime anonime. Dunque, la storia come magistra vitae, irriducibile al puro dato cronologico, ma input per la determinazione della coscienza collettiva.
Così, le regine di Francia non sono nomi iscritti all’albo della storia nazionale, ma donne realmente vissute e testimoniate da elementi evocativi come le rose, le pere essiccate, o reliquie di altro genere. La materia continua a pulsare della loro energia e, da questo punto di vista, Kiefer ricalca le orme del suo grande maestro: Joseph Beuys. Allo stesso modo, Le donne della Rivoluzione sono immortalate in una serie di tredici letti di piombo: qui, il materiale è lavorato come fosse una carta leggera e facilmente modellabile; le increspature assomigliano alle pieghe di una stoffa – un sudario – che accoglie i corpi delle rivoluzionarie, virtualmente racchiusi nei giacigli colmi d’acqua, terra e frammenti di pietra. Sepolcri vuoti perché le defunte godono ormai di fama imperitura, o svuotati dalla memoria a breve termine del terzo millennio? E l’appello di Kiefer è proprio questo, non dimenticare.

maria egizia fiaschetti
mostra visitata il 26 gennaio 2005

fino al 12.III.2005
Sam Taylor Wood
Roma, Galleria Lorcan O’Neill

Sesso, morte e pochi alberi, nelle immagini di un’incantevole cattiva ragazza. Autoritratti estatici e light boxes molto espliciti, per raccontare l’eterna tensione tra Eros e Thanatos. Ovvero la lacerazione che sta tra vita e morte…

martedì 1 febbraio 2005
La galleria Lorcan O’Neill, vetrina romana della swinging London, propone Sam Taylor Wood, un’altra reginetta della new wave britannica, dopo la bad girl Tracey Emin, seguendo il trend culminato nella recente personale di Damien Hirst al Museo Archeologico di Napoli.
La fotografia, tra i media più in voga in questo momento, torna a spopolare con la serie Self Portrait Suspended, esposta in una delle sale. Le stampe sono una variazione sul tema dell’identità, colta in uno scorcio intimo e rarefatto del proprio loft londinese. L’artista, vestita soltanto di lingerie danza nello spazio, apparentemente sospesa. In realtà, le corde che la tengono legata sono rimosse tramite un camouflage digitale; la fotografia, dunque, come strumento di una ricerca che sconfina dal semplice reportage, per involarsi –è proprio il caso di dire– nell’ultra-visibile.
La dimensione mistica delle scene –una specie di Transverberazione berniniana– è esaltata dall’arredo scarno dello spazio: pareti bianchissime, vetrate a giorno, pavimento in parquet. La luce sembra rapire nel suo alone il corpo della Wood, come in ascensione; nonostante lo sforzo muscolare, pare che le membra ricadano morbidamente, sfidando la forza di gravità. Ad attrarle è un’energia latente e insondabile, che trascende la sfera sensibile. Il corpo è metafora di una condizione terrena precaria e corruttibile, che l’artista ha sperimentato personalmente attraverso la malattia. Ciononostante, questi lavori mostrano come sia riuscita a sublimare il dolore in chiave onirica, attingendo all’infinito potenziale immaginifico dell’arte. Librata in un limbo intermedio tra il qui e l’altrove, è intangibile e ovattata: nulla sembra poter scalfire il suo oblio, liberatasi finalmente d’ogni peso corporeo.

Sul fronte opposto, il corpo, non più anestetizzato, riemerge in tutta la sua carnalità in The Passion Cycle: un gruppo di venticinque light-boxes, che mostrano le diverse fasi di un amplesso, similmente alle stazioni della Croce. L’analogia, apparentemente blasfema, se da un lato esalta la componente vitalistica dell’amore, dall’altro ne svela l’ineluttabile sofferenza. La sessualità è vista come veicolo di trascendenza, di totale alienazione di sé, per molti aspetti vicina alla morte. Una riflessione tanto più amara, quanto più la fotografia e la memoria tecnologica dovrebbero conservare una traccia perenne della realtà. Al contrario, per sentire, occorre lasciarsi permeare dagli stimoli esterni, immergersi nel turbine dell’esistenza, perdersi nell’altro, accettare la propria vanitas. Altrimenti, l’unico stato di grazia è quello della pura immaterialità, immune da qualsiasi ebbrezza, o tempesta emotiva.
E il dramma segreto di Sam Taylor Wood sembra consumarsi in questa eterna lacerazione: tra la passione per la vita, effimera e imprevedibile, o l’imperturbabilità della trascendenza.

maria egizia fiaschetti
mostra visitata il 24 gennaio 2005

Sam Taylor Wood – Sex and Death and a Few Trees
Galleria Lorcan O’Neill, Roma, via Orti d’Alibert 1E
dal lunedì al venerdì 12:00-20:00 – sabato 14:00-20:00
per informazioni: tel. +39 06 68892980 – fax +39 066838832
mail@lorcanoneill.com

fino all’1.V.2005
Jenny Saville
Roma, Macro

Ibridi di identità maschile e femminile, occhi sbarrati, volti tragicamente segnati dai ferri della chirurgia. O dalle lamiere di un auto. La pittura patologica della young british artist sposa museo e visioni allucinate. Senza clamore…

lunedì 31 gennaio 2005
Per la prima personale in un museo italiano Jenny Saville espone dieci tele di grande formato, alcune delle quali realizzate per l'occasione. L'odore d'olio aggredisce l'olfatto prima che il sipario si apra sulle figure e sulle scene, emana fresco dalle pennellate pesanti, dalle lingue di colore che esumano i corpi di donne e animali. In effetti, come è stato notato, a dispetto delle misure lo spettatore sembra talvolta ritrovarsi in una galleria di quadri "osceni", la più segreta e la più raffinata, come nel cuore di una collezione seicentesca.
Sono passati quasi dieci anni da Sensation, la mostra dei Young British Artists che nel 1997 consacrò Saville e altri protagonisti del panorama odierno, alimentando al contempo una riflessione sull'estremo in arte. Oggi è possibile, qui al Macro, a Napoli e in alcune gallerie del Nord, considerare gli esiti di quell'onda violenta, svolgerne in parte le storie.
Il sentimento più diffuso nella critica, se non nel mercato, è che le cariche trasgressive sprigionate dalle creazioni di Hirst e compagni si siano dissolte in una costellazione di sapienze formali, minata ai limiti da un peccato di autoreferenzialità.

Le opere di Saville non turbano questo quadro, e anzi propongono un sicuro intreccio di effetti e motivi. Il primo dato è la fortissima volontà di pittura (anche nel senso di una personale storia dell'arte), confrontata senza timidezze con altri codici novecenteschi, in primis la performance art femminista, la body art, l'oggetto fotografato e Cindy Sherman.
I corpi obesi, le teste tumefatte e le carcasse decollate, originati da una fotografia scattata dall'artista, sono insieme il risultato di una messa in scena calcolata otticamente e un'immissione potente di materia e colore. Sono percorsi a tratti quasi autonomi, e comportano da una parte una differenziazione percettiva e interpretativa a seconda della distanza con cui si guardano le tele, dall'altra una sorprendente precarietà di esistenza delle stesse figure sanguinolente. Questo doppio registro seduce e irretisce lo sguardo, lo invita alla cruda classificazione delle speci, dove il coltello ha inciso una carne già devastata o mutata dai rituali contemporanei.
Non è solo il momento lesivo dell'integrità di un corpo o di un'identità a strutturare le narrazioni di Saville; il punto finale è una pittura descrittiva e analogica, una immaginaria ricomposizione post mortem, come se ai fini dell'arte la pittrice adottasse pratiche "neutre" di osservazione scientifica.

francesca zanza
mostra visitata il 25 gennaio 2005

Jenny Saville
a cura di Danilo Eccher
fino al 1 maggio 2005, MACRO, via Reggio Emilia 54 (Piazza Fiume), tel. 06/671070400, sito web www.comune.roma.it/macro , e-mail macro@comune.roma.it
orari d’ingresso: da martedì a domenica 9-19, festività 9-14, lunedì chiuso
biglietto € 1
Catalogo ELECTA con testi di Danilo Eccher e Bary Schwabsky, € 24 in mostra

[exibart]

LO SPETTACOLO
Attraverso un misterioso processo di trasformismo drammaturgico, quasi fosse anziché scrittore, un prestigiatore di parole, Čechov, da una delle sue opere teatrali che ebbe, con suo grande dispiacere, meno successo, il “Lescij”, trasse ispirazione per arrivare alla stesura definitiva di un altro capolavoro: “Zio Vanja”. Confrontando i due testi ci si può rendere conto della particolarità del suo processo creativo, di come da un testo con pregi e difetti, lo stesso autore riesca ad eliminare i difetti o a tramutarli in pregi, lasciandone i pregi trasfigurati…Di questa originale capacità elaborativa forse il primo ad esserne sorpreso fu lo stesso Čechov, che di fronte al grande successo di “Zio Vanja” rimase sempre un po’ perplesso, quasi incredulo…

Questo singolare accadimento è stato un insolito stimolo per cominciare a scrivere un testo teatrale intitolato “Il cerchio incantato”, liberamente tratto da alcuni racconti di Čechov, in particolare “Il monaco nero”, dove l’autore russo descrive un caso di sdoppiamento della personalità: il professor Kovrin trova una ragione di vita solo nei colloqui con un personaggio frutto della sua immaginazione, che assume le sembianze di un “monaco nero”. Sono dialoghi ardenti sulla vita e l’immortalità dell’anima, sulla verità e il valore della conoscenza in cui Kovrin, pur consapevole del fatto che il monaco nero non è che il prodotto della propria immaginazione, trova una serenità e una felicità che gli restituiscono la voglia di vivere e gli danno fiducia nel proprio lavoro e nelle proprie ricerche.

Quando il suo tutore, Egor Semënyč, e sua figlia Tanja, animati dalle migliori intenzioni, lo spingono a curarsi dalla sua pazzia, egli piomba, dopo un iniziale torpore, in uno stato di estrema infelicità. “Avevo delle allucinazioni, ma a chi davo fastidio?”. La rivolta di Kovrin è una ribellione contro la normalità, intesa come moderazione e convenzionalità: essa uccide qualsiasi ispirazione, sopprime il genio favorendo l’ottusità, impedisce di essere se stessi e porta alla rovina la civiltà. “Se Maometto avesse preso dei tranquillanti e avesse lavorato soltanto due ore al giorno e avesse bevuto del latte, di questo grand’uomo sarebbe rimasto tanto poco quanto del suo cane”.

La struttura portante del racconto è stato il punto di riferimento dal quale ho sviluppato o inventato situazioni e personaggi, collocandoli in un tempo presente. Forse la novità principale, oltre alla creazione di un nuovo personaggio, la giovane e ambigua cameriera francese di origine armena Marussia, con la quale Kovrin cercherà invano di costruire una “nuova vita”, sono gli incontri e i dialoghi con il monaco nero (qui un’enigmatica figura metà uomo metà donna con un nome bizzarro: Tararabumbi-ja) che risultano pervasi da un’insinuante malizia sessuale e che forse propongono all’inconscio di Kovrin la scoperta di un alter ego al femminile…

Un altro elemento di novità è la sua preveggente consapevolezza che durante e dopo la “cura” tutto, anche la sincera partecipazione delle persone al lui più vicine, Egor Semënyč e la figlia Tanja, concorrerà a un unico fine, la sua rovina.
“Sono pochi gli uomini che alla fine della loro vita non provano quel che io provo adesso. Quando ti dicono che hai qualche cosa come i reni cattivi o l’ipertrofia di cuore e tu cominci a curarti, oppure quando ti dicono che sei un pazzo o un criminale, vale a dire, in una parola, quando la gente tutt’a un tratto rivolge la sua attenzione su di te, sappi che allora sei caduto in un cerchio incantato dal quale non uscirai più. E più ti sforzerai per uscirne e più ti ci perderai. Bisogna rassegnarsi perché non ci sono più sforzi umani che ti possano salvare. Così almeno sembra a me.”

Di lì a due anni la sua salute peggiorerà irrimediabilmente, e negli ultimi istanti della sua vita, dopo uno sbocco di sangue causato dalla tubercolosi, Kovrin rivedrà per l’ultima volta la sua allucinazione, che con un sorriso gli sussurrerà: “Tu sei un genio, stai morendo solo perché il tuo fragile corpo umano ha perduto il suo equilibrio, e non basta più a contenere il tuo genio…”
E dall’espressione di Kovrin morto traspare “un sorriso di beatitudine che irrigidisce il suo volto”.

Roberto Trifirò