"IN-FINITUM". Mostra a Palazzo Fortuny a Venezia

   Foto: Bill Viola, "Bodies of Light", installazione, 2006.

La facciata

Il percorso espositivo inizia già qui, con La serie di Fibonacci (2002) installazione  al neon di Mario Merz, Fibonacci suite (2002) e con  Magenta (2009) un nuovo lavoro di  Herbert Hamak.

Dal piano terra al primo piano

Il Cosmico

Stelle, galassie e nebulose sono dati scientifici ma offrono anche informazioni sull’infinità del cosmo. Al piano terra  e lungo il percorso che porta al primo piano sono esposte opere che in vario modo si riferiscono al cosmo nella sua solenne immensità. Tra esse,  Weisses Phantom (1995) di  Guenther Uecker, realizzato a colpi d’unghie senza disegno preparatorio, lavorando  in progressione concentrica con ritmo rapido. L’assenza dell’artista , il suo essere “oltre” si percepiscono invece in   Enmaten (1983) di Kazuo Shiraga e Glow (2009) di Anish Kapoor, in cui ogni riferimento al processo creativo sembra essersi dissolto. Al centro della sala, è esposta una serie di sette sculture Concetto Spaziale Natura di Lucio Fontana, parzialmente ispirate dal pensiero dell’ “atroce inquietante silenzio” che attende  l’uomo nello spazio, e dal bisogno  di lasciare un segno vivo della presenza dell’artista . Anche la serie Sterne  (1989) di Thomas Ruff segue questa idea. In fondo alla sala  è esposta una nuova versione di Sea of Time di Tatsuo Miyajima (2009) specificamente realizzata per  In-finitum , terza versione di un’installazione presentata alla Biennale di Venezia del 1987. La vastità sconfinata del mare sempre cangiante  da un lato, e la dimensione infinita della numerazione sono il significato di questo lavoro in cui corpi luminosi colorati e contatori a LED  fluttuano nell’acqua. . Sulla sinistra, in un’infilata  di stanze aperte al pubblico per la prima volta in quest’occasione, sono esposti, tra l’altro, Stella Tesla (2007) di Gilberto Zorio, il video Rosso di Grazia Toderi (2007), un altro video di Maria Friberg e , in una picola corte scoperta, un’ installazione  del belga  Erik Dhont, celebre architetto di paesaggi e di giardini, che per In-finitum ha creato Form Meets Nature, un micro paesaggio con volumi geometrici di terracotta, marmo, vetro di Murano e cotisso  sui quali, col tempo,  la vegetazione è destinata a prendere il sopravvento.

All destra dell’ingresso, la piccola sala  che conduce al mezzanino ospita Journey into Infinity (2009) di Angel Vergara e The Human Condition (1969) di Duane Michals, una serie di sei immagini in cui una figura umana gradualmente si trasforma in raggio di luce. 

Il piano nobile con il salone centrale (lo Studio di Fortuny) e le altre  stanze come  “cappelle laterali”

Il Salone centrale

L’Opera d’arte incompiuta

Un’opera d’arte può restare incompiuta per cause di ordine pratico , o   intellettuali o filosofiche: si possono  avere opere  “consapevolmente incompiute”  come accade, ad esempio, anche nei  grandi del  Rinascimento italiano, Michelangelo, Leonardo e Tiziano.

La mostra presenta varie incompiute tra cui  Unfinished Portrait of a Noble Lady (Lady Emma Hamilton) (c. 1785-86)  di  George Romney; The Picking of Fruits (1946) di Pierre Bonnard, Ai pittori di insegne (1964) di Mario Schifano e Ghost II (2008) di Michael Borremans, proposte in un silenzioso dialogo con una selezione di sulture dell’antico Egitto.

l’Infinito nella costruzione prospettica

L’illusione dell’infinito attraverso la costruzione prospettica è un’invenzione della Firenze del Quattrocento. Si riconducono a questo tema, in mostra, le stampe di  M.C. Escher, L’interno di chiesa di Dirk Van Delen (1629); le Carceri d’invenzione di Giovanni Battistta Piranesi (c. 1745-61); e, ispirata a quest’opera, la fotografia di di Vik Muniz Prisons XIII, the Well, after Piranesi.. Trova posto qui anche una metafisica Piazza d’Italia di Giorgio de Chirico.

Lo spazio-in-mezzo, MA

L’esistenza del grande vuoto interiore – presente nelle opera del gruppo Zero e nel movimento  Gutai così come negli americani  Color Field painting e Action painting – ha un parallelo nel concetto giapponese di MA , traducibile come lo spazio-tempo “in mezzo”, cui è dedicata l’ultima parte del salone centrale: qui, MA è presente nei  lavori  Concetto Spaziale di Fontana, ove l’artista crea “lo spazio infinito” attraverso lo squarcio delle tele. MA è anche  il modo in cui, nella natura morta del Maestro di Hartford (c. 1600-1610) sulla parete di fondo, la frutta pare interagire con un campo magnetico. Allo stesso modo, la Natura Morta (1958) di Morandi pare un microcosmo assoluto, sospeso nello spazio e nel tempo. Rests (2007) di Raoul De Keyser oscilla tra la superficie e la profondità, alludendo a finti spazi che sembrano buchi.

Le “cappelle laterali”

James Turrell, Red Shift, 1995, re installato nel 2007 per Artempo e da allora in situ

James Turrell investiga gli effetti della  luce e dello spazio sulla percezione visiva, sulla mente e sul corpo con la forza di un risveglio spirituale, ponendo lo spettatore al centro di un’esperienza senza tempo  e oltre lo spazio. Red Shift  fa parte di una serie di opere che interagiscono direttamente con la percezione visiva e sensoriale dello spazio attraverso il  fenomeno del “ganzfeld,” ovvero “campo uniforme” in cui profondità, superficie, colore e luminosità diventano un tutt’uno, provocando un’esperienza  sconcertante di luce pura senza confini.

La Stanza Nera

Verso la fine degli anni Cinquanta,  Jef Verheyen scopre il saggio di  Paul Klee “Produire du noir”  la cui immediata e durevole fascinazione sarà decisive per gli sviluppi del suo lavoro. In particolare una semplice frase del diario di Klimt lo folgora: “Schwarz darstellen” (“rappresentare il nero”). Proprio  l’obiettivo di creare questa “stanza nera” diventa un argomento di rilevo nei dialoghi tra Dominique Stroobant e Max Bill e tra  Jef Verheyen e Axel Vervoordt, così come era stato un tema degli scritti di Burri e dello stesso Mariano Fortuny . In questo contesto In-finitum presenta un capolavoro: Fine di Dio di Lucio Fontana (1963), della serie dei 38 oli ovali, forati e monocromi nei quali il mistero fondamentale del cosmo è evocato attraverso un’immagine olistica che tenta di esprimere il tutto, il principio e la fine dell’universo, l’esistenza nella sua immense interezza. Col suo acuto senso del vuoto, dell’eterno e del moto perpetuo tra spazio e materia, Fine di Dio è terrificante e  ipnotico. In mostra, è affiancato da  due dipinti neri di  Ad Reinhardt, Abstract Work (1959) di cui Allen Watts ha scritto “Ciò che è forma è vuoto, ciò che è vuoto è forma … Studiare un dipinto nero di Ad Reinhardt è un percorso simile a una meditazione Zen …” . Un forte  contrappunto è dato da  Zwart Licht  (1961-62) di Jef Verheyen, sulla parete opposta.

Giulio Paolini, In-fine (2009)

Il lavoro di Giulio Paolini è sempre stato caratterizzato da uno spirito intrinsecamente labirintico. Ci si perde nelle sue iterazioni, nella vuota vertigine di un punto che si smarrisce nell’infinito, nel gioco concettuale di specchi, nelle stanze senza fine dei musei e della memoria  e nell’immaginario legame tra il sè e il cosmo. L’infinito e il labirinto sono al centro della sua ossessione artistica (Francesco Poli).

L’anticamera di Fortuny senior

Il pezzo centrale di questo spazio è Bodies of Light (2006) di Bill Viola, video installazione in cui  una figura maschile e una femminile vengono illuminate  da una vivida luce che le fa lentamente dissolvere fino a ridurlea silhouette nere. Anche queste scompaiono e sullo schermo, totalmente nero, resta solo l’essenziale luminosità della sfera di luce.  É qui esposto anche  For Allegra (2009, dagherrotipo di Adam Fuss realizzato espressamente per In-finitum  e basato su tre negativi (incompiuti) del Taj Mahal di John Murray del 1864. Le vetrine alle pareti, che normalmente espongono tessili di Fortuny  ospitano delicate opere di Graubner, de Keyser, Lo Savio e Vedova, mentre l’atmosfera di quiete spirituale di questa stanza è sottolineata  anche da una selezione di pietre scolpite cinesi e da un gruppo di dipinti incompiuti di Mariano Fortuny y Marsal (il padre di Fortuny). Sopra le vetrine, la serie Itinéraire d’une toile inachevée. Le blanc et l’infini, sette fotografie  del francese  Lziz Hamani.

Il sacrario

Dall’altro lato del piano nobile, una piccola, intima sala dall’atmosfera quasi sacra, espone a parete  l’etereo e impalpabile Urbino. L’Espace ideal (1978) di Jef Verheyen, profondamente emozionante e suggestivo, cui si affianca la graziosa , esile Dame de Venise (1956) di Alberto Giacometti.

Il secondo piano

Il  Monocromo

Il monocromo, ovvero il desiderio, l’esigenza interiore di oltrepassare i limiti e raggiungere ciò che continuamente ci sfugge  Al secondo piano  è esposto un gruppo di queste opere  di grande potenza, tra cui Blue Sky (1975) di Alfred Hofkunst, ispirato dal mare;  Brasilië (1968)  di Jef Verheyen dai toni vividi del rosa e  Abdhee (2006) dell’indiano Natvar Bhavsar. Al centro della stanza, una vetrina bifacciale ospita un gruppo di sei  Linee finite  e due Linee infinite di Piero Manzoni, parte della serie  Linea iniziata nel 1959 e composta di cilindri di cartone  con linee di diverso spessore.

Il Vuoto

Di particolare fascino il Modello di architettura visionaria di Hans Op de Beeck giustapposto al Modello per il Monumento funebre di Tiziano in terracotta e legno di Antonio Canova  (c. 1791) e a  Uvalde,Tx  di Koen Van den Broek.  Questo insieme promana una serenità che si potrebbe sintetizzare nella parola giapponese KU, traducibile come anelito o avvicinamento a una sensazione celestiale e al tempo stesso  come senso di appartenenza o compartecipazione al vuoto, all’universo.

Le altre opere qui esposte, di quieta purezza minimalista, comprendono sculture di Ettore Spalletti, una fotografia di Bien-U-Bae e Seascape (2002) di Hiroshi Sugimoto.