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progetto artistico: amedeo signoretto | presentazione 14 giugno 2008 | ore 11:00 | co.ed.mar | chioggia


Arte, imprenditoria e industria del mare. Mondi apparentemente a sé stanti che, il 14 giugno p.v., a Chioggia si incontrano e dialogano delineando nuove sinergie, nuove alleanze volte a dare impulso e risalto alle risorse economiche ed artistiche locali.

Una data importante per la Co.ed.mar, dal Secondo dopoguerra una delle società italiane leader nel settore delle sistemazioni fluvio-marittime e nel trasporto navale di inerti, inserita tra le prime cento imprese italiane di costruzioni dalla rivista "Edilizia e Territorio" de Il Sole XXIV ore. Un'azienda che partecipa al Consorzio Venezia Nuova, concessionario unico dello Stato per la realizzazione degli interventi destinati alla salvaguardia di Venezia e della sua laguna ex legge 798 del 29.11.1984, il cosiddetto "Sistema Mose" di cui ha avuto l'onore di porre la "prima pietra" il 14 maggio 2003.

Sensibile ai richiami dell'arte, per festeggiare il concretizzarsi del proprio sogno, il varo di "Wise" (dall'inglese saggio), prima motonave realizzata in proprio nei cantieri di Sottomarina di Chioggia e già destinata a importanti impieghi, ha accolto l'idea dell'artista Amedeo Signoretto che ha creato per l'occasione una grande installazione che porta lo stesso nome dello scafo.

Una collaborazione che, sull'onda di analoghe esperienze altrove già sperimentate, coniuga arte e mondo del lavoro. Affidando simbolicamente alla denominazione delle due opere il senso della passione che ognuno nutre per la propria "arte", il patrimonio delle proprie esperienze, fonte ispiratrice di ogni nuova impresa.

L'opera, realizzata da Signoretto con l'aiuto degli stessi operai della Co.ed mar nell'arco di sei mesi, mentre lo scafo del motoponte prendeva forma, si ispira al tema della nascita, punto comune di partenza di un viaggio che, nella vita, segue per ogni essere umano percorsi individuali ed unici. Un'esperienza che, secondo la dottrina di Jung e l'interpretazione dell'artista, fa parte dell'inconscio collettivo e costituisce un archetipo.

L'andar per mare ed il fare rotta nel "mare" della vita attraverso l'acqua e l'infinito, è pertanto il fil rouge che coniuga la concretezza dello scafo Co.ed.mar e la simbologia dal lavoro di Amedeo Signoretto, che ha inteso sottolineare l'importanza del sapere navigare la vita con saggezza (in allegato nota critica completa). Una installazione "emozionale" che si articola su 700 metri quadri di un vasto capannone, delineando un percorso che allude ad un cammino iniziatico e dal buio, preludio della nascita, conduce alla luce, alla chiara visione della conoscenza.

Punto focale è un grande disco luminoso, sospeso nell'aria, formato da frammenti di specchio che rappresentano i vari episodi dell'esistenza e riverberano la luce secondo differenti angolazioni. Sino a comporre il mosaico delle vita terrena, costituito da attimi felici e momenti bui, alternati negli anni, scanditi dal fluire del tempo. E dallo scorrere dell'acqua purificatrice, simbolo dell'energia vitale, che scivola incessantemente sullo specchio (elemento femminile) su cui si riflettono immagini proiettate su di un grande schermo luminoso (elemento maschile). Sintesi dell'unione che genera la vita e che, idealmente, ha portato alla nascita dello Scafo "Wise" di cui quattro video rimandano immagini delle diverse fasi di realizzazione.

L'opera sarà presentata il 14 giugno p. v. nei cantieri Co.ed.Mar, alla presenza dell'artista e del critico Giovanni Bianchi e sarà visibile al pubblico per una settimana (su appuntamento, telefonando allo 041 4967925). Successivamente sarà disponibile per esposizioni temporanee itineranti. In attesa di una sede stabile. Insieme ad altre opere con cui Amedeo Signoretto intende scandire le tappe di avvicinamento alla conclusione del Mose, prevista per il 2012.

La cerimonia di inaugurazione, fissata per sabato 14 giugno, alle 11, si chiuderà con un momento conviviale che vuole essere di per sé un evento nell'evento e ribadire la forza dell'imprenditoria locale, la voglia di cooperazione fra realtà locali ed istituzioni pubbliche.


 

WISE, LA SAGGEZZA DEL MARE E L'ORIGINE DELLA VITA
Presentazione: 14 giugno 2008 ore 11:00
Fino al 21 giugno 2008
Location: Presso la Co.ed.mar. - Val da Rio banchina "F" - Mappa 493/A - Chioggia (Ve)
visite su appuntamento tel: 041 49.67925

Azienda: Co.ed.mar. srl
Artista: Amedeo Signoretto - info@amedeosignoretto.com
Curatore: Giovanni Bianchi

Ufficio stampa: Sergio Cerini - EffeCi & Associati
Via del Viminale 43 - 00184 Rom. Tel 06/47.82.46.42 - 06/47.82.41.56 - Fax 06/47.41.084
sergio.cerini@effeciassociati.net

 

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dal 16 maggio 2008 | a cura di agostino de rosa e imago rerum team | scuderie di villa e collezione panza | villa panza | varese


"Cerco di rendere visibili i vestiti dell'imperatore" così James Turrell definisce il suo lavoro e il mezzo al quale si affida, la luce.

Il FAI - Fondo per l'Ambiente Italiano presenta la mostra "Oltre la luce. Il Roden Crater Project di James Turrell." Dal 16 maggio al 17 agosto 2008 sarà infatti allestita nelle Scuderie di Villa e Collezione Panza l'importante opera paesaggistica cui l'artista americano James Turrell (Los Angeles, 1943) si sta dedicando, con un'ostinazione e una creatività senza pari, sin dagli inizi degli anni Settanta, affascinato dalle emozioni che la luce trasmette.
"Ma la sua luce non si può dipingere su una tela, deve essere dentro uno spazio - dice Giuseppe Panza di Biumo - è necessario modificare un ambiente che deve essere vuoto e soprattutto grande".

Il progetto, situato nella zona centrale del Painted Desert, presso Flagstaff (Arizona, USA), si configura come il più grande land-formed work del mondo, interessando, in un complesso processo di rimodellazione e scavo, il corpo interno di un cono vulcanico estinto noto come Roden Crater.
L'opera dell'artista statunitense, eseguita in collaborazione con architetti, ingegneri, geologi e astronomi americani, prevede la realizzazione di complesse strutture architettoniche totalmente ipogee - con aperture adeguatamente eseguite e orientate - ove sarà possibile, per il visitatore, catturare e interagire percettivamente con la luce solare, lunare e stellare. L'opera si delinea con un insieme di camere che funzionano come precisi e sofisticati osservatori astronomici a occhio nudo, ma soprattutto come spazi d'arte in cui Turrell è capace di mostrare, in tutta la loro disarmante bellezza, l'esaltante forza e visionarietà delle sue soluzioni spaziali e luministiche nel nitore del clima desertico: lì ogni sensazione - visiva, acustica e tattile - subisce una dilatazione senza precedenti, predisponendo il fruitore a un viaggio nell'altro da sé che, al contempo, è un profondo e misterioso periplo interiore.

La mostra, curata da Agostino De Rosa e Imago Rerum Team (Dipartimento di progettazione architettonica - Università IUAV di Venezia), offre una vasta ed esaustiva panoramica relativa sia alla orografia del sito naturale che alla configurazione di ognuno degli spazi sotterranei, attraverso il ricorso a sofisticate immagini digitali elaborate dal team Imago Rerum. Le proiezioni multimediali permettono di comprendere le varie implicazioni scientifico-astronomiche relative a ciascuno spazio realizzato o solo ipotizzato da James Turrell, stabilendo un fitto dialogo con i primi disegni provenienti dagli archivi della collezione Panza, relativi alle fasi in cui il sostegno di Giuseppe Panza di Biumo ne permise l'avvio. La comprensione di quello che sarà il progetto finale è garantita anche dalla presenza di animazioni digitali capaci di offrire al visitatore la possibilità di svolgere un viaggio virtuale all'interno dei vari ambienti del Roden Crater Project, assistendo a fenomeni celesti e luministici visibili nei vari ambienti, attraverso un alternarsi di simulazioni diurne e notturne, in vari periodi dell'anno. Il fascino degli spazi progettati nel Roden Crater e dei fenomeni in esso reperibili è anche suggerita dai preziosi modelli fisici in bronzo, ideati dall'artista e realizzati, a tiratura limitata, dall'Hausler Contemporary di Monaco, e soprattutto dal soundscape appositamente realizzato da Maria Pia De Vito, Michele Rabbia e Maurizo Giri.

La mostra dunque invita il visitatore a lasciarsi prendere dalle plurime sollecitazioni visive e sonore dell'allestimento che fanno eco a quelle implicite nell'opera di James Turrell, in una sede - quella della Villa e Collezione Panza - già di per sé luogo di elezione in cui è possibile ammirare dal vivo tre importanti installazioni dell'artista americano. Giuseppe Panza di Biumo è stato infatti uno dei primi collezionisti delle opere di Turrell, mettendo a sua disposizione la villa di Varese (ora di proprietà del FAI) già dagli anni Settanta.



 

Oltre la luce. Il Roden Crater Project di James Turrell
Dal 16 maggio al 17 agosto 2008
Orario: 10 -18 (tutti i giorni escluso i lunedì non festivi). Ultimo ingresso ore 17.30
Ingresso (comprendente mostra, Villa e Collezione Permanente): adulti 9 euro, ridotti (bambini 4-12 anni) 4 euro; studenti fino a 25 anni 5 euro. Aderenti FAI: 2 euro
Villa e Collezione Panza, Varese
Per informazioni FAI Villa e Collezione Panza Piazza Litta 1- Varese Tel. 0332/283960 faibiumo@fondoambiente.it
Servizi per il pubblico Book-shop; Visite guidate (su prenotazione); parcheggio interno
Per maggiori informazioni sul FAI consultare il sito www.fondoambiente.it

Ufficio Stampa FAI:
Simonetta Biagioni - stampa - tel. 02-467615219; s.biagioni@fondoambiente.it
Novella Mirri - radio e televisione - tel. 06-32652596; ufficiostampa@novellamirri.it


 

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presentazione del libro: mercoledì 11 giugno | fondazione merz | torino


Probabilmente non c'è una personalità del mondo della cultura che sia stata intervistata frequentemente quanto Andy Warhol, la cui immagine è perennemente associata ai media. Questo libro presenta Warhol in tutte le sue dimensioni nell'arco dei venticinque anni in cui è stato sotto i riflettori, focalizzando l'attenzione su ogni campo della sua vasta opera e della sua esistenza vorace.
Andy Warhol parla in queste interviste di volta in volta nel suo ruolo di pittore, cineasta, editore, promotore, interprete, autore di stampe, fotografo e videasta; ma esprime anche le sue opinioni su altri artisti, rivela i suoi sentimenti per New York o spiega come percepisce il suo essere cattolico, fino a coinvolgere l'interlocutore nell'esperienza più che quotidiana dello shopping.

"Questa raccolta di interviste, quasi tutte inedite in italiano, offre una clamorosa smentita dei luoghi comuni che hanno messo in ombra il genio dell'artista e la forza singolare della sua opera.
Provocante, manipolatore, al tempo stesso indifferente e appassionato, sconclusionato e lucido, il dandy Warhol vi si rivela di un'intelligenza sconcertante. Che parli di pittura, cinema, moda, sesso, superstar, o della mediocrità della vita americana, non perde mai di vista le esigenze della propria arte.
Capace di mostrare tutto, e di celare tutto, tanto nelle immagini quanto nei discorsi più superficiali, è stato lo specchio impietoso di un'epoca frivola e seria, assillata dalla bellezza e dalla morte: l'esattezza ogni giorno più vera della sua diagnosi dimostra che Warhol, l'ultimo artista mito del Ventesimo secolo, è esattamente quel filosofo di cui aveva con ironia assunto la posa." (Alain Cueff)


 

Sarò il tuo specchio. Interviste ad Andy Warhol
a cura di Alain Cueff
traduzione di Anna Bertolino e Anna Maria Farinato
scritti d'artista.3
hopefulmonster editore
344 pagine, ? 35,00

il grande artista 'allo specchio' dei suoi interlocutori - David Bourdon, John Giorno, William S. Burroughs. - in 36 interviste registrate tra il 1962 e il 1987, ora per la prima volta tradotte integralmente in italiano

IN OFFERTA PER I LETTORI DI EXIBART AL 10% DI SCONTO

presentazione del libro: mercoledì 11 giugno 2008, ore 18,30
Fondazione Merz, via Limone 24, Torino

con gli interventi del curatore Alain Cueff
e del critico Francesco Bernardelli
e con la proiezione dei cortometraggi
Jonas Mekas, Award Presentation to Andy Warhol, 1963
Willard Maas, Andy Warhol's Silver Flotations, 1966
Jonas Mekas, Anthropological Sketches: Friendships and Intersections - Scenes from the Life of Andy Warhol, 1963-90
Marie Menken, Andy Warhol, 1965
Ronald Nameth, Andy Warhol's Exploding Plastic Inevitabile, 1967

per informazioni e ordini: hopefulmonster editore
via Santa Chiara 30/F, 10122 Torino
tel. +39.011.4367197/4358519
fax +39.011.4369025
www.hopefulmonster.net
info@hopefulmonster.net

ufficio stampa: Margherita Sassone
tel. +39.347.4457067; fax +39.011.5069703
margherita.sassone@gmail.com


 

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inaugurazione 5 giugno 2008 | ore 18:30 | st open gallery | Firenze


Giovedì 5 giugno inaugura presso la ST Open Gallery, nuovo progetto di Sergio Tossi a Firenze, la prima personale italiana della giovane artista olandese Esther Janssen. La mostra è inserita nel ricco calendario di Olandiamo, il festival di eventi culturali organizzato in occasione dei 50 anni del Niki, l'Istituto Universitario Olandese di Storia dell'Arte di Firenze.

L'artista olandese, presenterà una serie di opere di pittura digitale, nonché delle piccole sculture, veri e propri capolavori di originalità e di creatività.

Cokkie Snoei, la sua gallerista di Rotterdam, così introduce l'artista:
"Da bambina aveva un debole per i cavalli, che vedeva però soltanto nella sua immaginazione: gli equini infatti li aveva conosciuti solo nelle pagine dei libri. La sua passione ebbe ahimè una brusca fine con la sua prima lezione di maneggio. Quella esperienza non fu la favola che lei si aspettava e il sogno svanì. Esther Janssen provò un simile disincanto anche quando scoprì che Madonna non era davvero bionda. Seguirono poi disillusioni meno ingenue: la consapevolezza del libero arbitrio; la fede nella redenzione e l'importanza dell'uomo; la fiducia nel progresso.

L'arte di Esther Janssen rievoca questi momenti di disincanto. Il suo lavoro è un tentativo di creare un'illusione o di disinnescare una situazione. Il suo computer è come il nostro mondo: apparentemente non lascia spazio all'imperfezione e all'imprevedibilità.
Nel programma "Photoshop", Esther Janssen scopre un nuovo metodo di fare "ritratti". La ritrattistica è un processo piuttosto differente con gli strumenti creati per il fotoritocco. Emergono nuove possibilità di semplificare il processo pittorico. Photoshop rivela tutti i colori che possono comporre una fotografia. L'erba, comunemente percepita come verde, risulta invece essere un insieme di sfumature ocra e grigiastre. Esther Janssen sfrutta ed evidenzia questi colori nascosti; anzi in realtà le servono come punto di partenza. La sua pittura si sviluppa poi in strati, emergendo dalle estensioni del colore crudo. Lei usa il "gradient" ( la funzione di intensità del colore) per riempire le aree dal chiaro allo scuro, dando un accenno di profondità. Spesso lavora su più di cinquanta strati alla volta che rimangono tutti accessibili, così che Esther può continuare a cercare il colore, la trasparenza e l'equilibrio del dettaglio esatti. E' questa una delle differenze fondamentali dalla "vera" pittura, nella quale ogni strato successivo copre il precedente.

I soggetti di Esther Janssen sono case, parchi gioco e paesaggi naturali, tutti apparentemente, ed a prima vista, sicuri, controllabili e immutabili. Introduce distorsioni, combina, esagera e sposta. Da qui nascono archetipi e simboli. I colori , le proporzioni, la luce e l'assenza di personaggi, scalfiscono l'illusione di un mondo che potrebbe sembrare ideale, ma che racchiude inquietudine, allarme e il disincanto tipico della sua e delle nostre adolescenze occidentali".

Esther Janssen è nata a Maastricht nel 1976. Ha frequentato la Eindhoven Design Academy e i suoi lavori sono presenti nelle collezioni del Ministero degli Affari Esteri Olandese e del Fine Arts Center di Rotterdam e Amsterdam.


 

Esther Janssen
Dal 6 giugno al 31 luglio 2008
Dal martedì al venerdì dalle 14:30 alle 19 e su appuntamento
In collaborazione con l' Ambasciata del Regno dei Paesi Bassi e l'Istituto Universitario Olandese di Storia dell'Arte di Firenze.
Catalogo con testo critico di Ko van Dun
ST open gallery
Via Pindemonte 63 - 50124 Firenze
Tel 055 228 6163 Fax 055 011 4971
info@tossiarte.it
www.tossiarte.it


 

1.06.2008

speednews del 1/6/2008

> Chi ci sarà, e dove. Tanta Italia a Basilea per il lungo weekend delle fiere
> Le opere dei Chapman Brothers alla White Cube? A quattro mani con Hitler.
> Terrae Motus in China. L'arte si mobilita per il disastro del Sichuan
> Architettura e Sostenibilità, a Firenze premiate le migliori tesi di laurea e di dottorato
> ShContemporary 08, molte le novità della fiera di settembre a Shanghai
> Concorso ManinFesto, è l'anno di scultura ed installazione.
 

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vernissage sabato 24 maggio | ore 18,30 | a cura di rita selvaggio


Si inaugura sabato 24 maggio presso Furini Arte Contemporanea 'My Name is Red', collettiva che raccoglie i lavori di Robert Barta, Sea-Hyun Lee, João Leonardo, Smith/Stewart, e dove il colore rosso è tanto bramata utopia quanto infinita nostalgia.
Il titolo della mostra è stato preso in prestito dall'omonimo libro di Orhan Pamuk. Qui un'indimenticabile narrativa dipana un thriller filosofico che si rivela essere solo il mezzo per un romanzo di ben altre aspirazioni: rappresentare due mondi a confronto, l'Oriente e l'Occidente. Ossia il passaggio tra la fine del dominio del significato e l'inizio di quello della forma. Anno 1591, siamo a Istanbul, tra le note di un liuto, coltri pesanti di neve e spossanti inventari. Storie dentro altre storie tracciano il grandioso arazzo di un mondo che non ha ancora deciso se lasciarsi incantare dalle novità dell'Occidente o restare ancorato alla tradizione. Voci diverse intervengono nel romanzo a raccontare la storia, come diverse pennellate del miniaturista che rifinisce la cornice di una pagina per lasciar spazio al racconto nella parte centrale. Allo stesso modo, nel percorso espositivo, i riverberi del cremisi e le estenuanti sfumature dei rossi sembrano partecipare ad un'unica narrativa pur rimanendo nella propria specificità e attualità.

In Untitled red, 2003 di João Leonardo (Odemira, 1974) il cubo ghiacciato di vino rosso si scioglie per rivelare un segreto, nasconde infatti al suo centro una rosa bianca. La natura astratta e romantica del lavoro, l'aspirazione a raggiungere una sorta di stato di grazia è sottolineata dalla sua colonna sonora, la cantata BWV 12 di Johann Sebastian Bach messa in scena il 22 aprile 1714 nella cappella di Weimar.
Volendo scoprire in stato di ebbrezza l'invisibile, una sorta di interiorità profondamente nascosta, le immagini rimangono ambigue, sospese tra il patetico e il sublime.

È ancora di nostalgia ed utopia che parla la pittura di Sea-Hyun Lee (Geoje Island, 1967). La sua inconfondibile serie Between Red, 2007 rientra in un immaginario semi-utopico, risponde ad una sorta di contemporanea malia per il paesaggio ed equivale, al di là del suo distinto impegno politico, ad un continuo ed ossessivo rimescolare ricorrenti frammenti. È ovviamente un lavoro che ha a che fare con la nozione di sparizione, sono immagini di un passato perduto, di paesaggi spariti e di affollate memorie.

Quelli di Robert Barta (Praga, 1975) sono oggetti prelevati dal quotidiano. Essi hanno ormai perso ogni sorta di pratica utilitaristica ma continuano a provocare costanti impulsi e trasmettono un sottile umorismo. Pongono immediatamente la questione delle norme sociali pur evocando un senso di fiducia. L' invitante Blind Date, 2008 è una sedia a dondolo dalle doppie sedute rosso carminio, nonostante la sua accogliente apparenza essa è stata completamente mutilata dalla sua confortante funzione, abbandonata ad un infinito e inutile dondolio.

Originariamente girato in super 8, in Dead Red, 1994 di Smith/Stewart (Manchester, 1968 e Belfast, 1961) appare la testa rasata e il torso di Stephanie Smith. Fuori campo, Stewart prima le applica del rossetto e poi comincia a baciarla ininterrottamente sulle labbra fino a quando la pelle della donna e la stessa inquadratura del film non diventano completamente sature e quindi inesorabilmente annullate dal rosso cremisi.

Intanto nell'aria risuona Bach. Dopo un breve passaggio degli strumenti marcati da un 'adagio assai', che include un espressivo e triste solo di oboe, in un infinito loop echeggiano le voci del coro sulle note di un basso ostinato. Weeping, lamenting, worrying, fearing.


 

My Name is Red. Robert Barta, Sea-Hyun Lee, João Leonardo, Smith/Stewart
Dal 24 maggio al 12 luglio 2008
A cura di Rita Selvaggio
Orari di apertura: dal lunedì al sabato 10,00 - 13,00 /15,30 - 19,30
Furini Arte Contemporanea
via Cavour, 6 - 52100 Arezzo
Tel. 0575 299678
Fax. 0575 296454
info@imageart.it
www.imageart.it
Immagine: Sea - Hyun Lee, Between red 15, olio su lino, 2007

 

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inaugurazione domenica 18 maggio 2008 | ore 16,30 | a cura di marinella paderni | rocca estense | san martino in rio (reggio emilia)


Da alcuni anni la Rocca Estense di San Martino in Rio, in provincia di Reggio Emilia, porta avanti una serie d'iniziative artistiche atte alla promozione dell'arte contemporanea all'interno dei suoi antichi spazi ricchi di reperti e di memorie storico-artistiche, che vanno dal XIV secolo ad oggi.
Per questa VII° edizione la Rocca Estense dedica una personale all'artista Nicola Toffolini dal titolo "Oltre la siepe" a cura di Marinella Paderni.
Con i suoi disegni e installazioni Nicola Toffolini interviene sul microcosmo vegetale, modificandone equilibri e ritmi di crescita. La macchina, la tecnologia o semplicemente l'inventiva dell'artista costringono il sistema biologico dentro nuovi schemi, senza violenza e attraverso un progetto estremamente curato, quasi scientifico. Il continuo sconfinamento nei territori limitrofi dell'ingegneria e dell'architettura, fa dell'artista un demiurgo che costruisce una realtà basata su nuove regole, capace di controllarne e prevederne cause ed effetti.

Per questa personale Nicola Toffolini ha ideato due installazioni site specific sull'idea dello spazio-laboratorio autonomo, dove creare possibili paesaggi naturali e farli crescere all'interno di luoghi innaturali, chiusi e bui.
Nella prima sala del piano nobile, una grande installazione composta da piante di bosso, vasche d'acqua e clorofilla, luci al neon e sedute per il pubblico rappresenterà un luogo "verde" di osservazione e contemplazione della natura dentro lo spazio chiuso, regale e celebrativo della sala del Teatro. Un sistema di irrigazione studiato dall'artista rilascerà lentamente nel tempo acqua e nutrimento al bosso che crescerà nel corso della mostra grazie anche alla luce dei neon, trasformando l'antica sala in uno spazio di armonia e relazione tra arte, scienza e natura. Le sedute collocate nell'installazione inviteranno il pubblico a sedersi e calarsi in un sistema futuribile di sopravvivenza della vita biologica.
Nella sala adiacente, l'artista installerà un'antica vetrina a ribalta, mobilio della Rocca, i cui cassetti ospiterranno per la prima volta coltivazioni di essenze naturali. La vetrina, contenitore usuale di reperti scientifici, documenti e archivi, sarà in questo caso elemento strutturale di un nuovo osservatorio naturale.
Al piano superiore saranno installati diverse serie di disegni a matita su carta, di varie dimensioni, in cui spicca l'incredibile abilità disegnativa dell'artista. In queste opere Toffolini ritrae una natura straniata da se stessa: zolle di terra, piccole porzioni di prato sono rappresentati in qualità di sistemi isolati, sospesi nel vuoto e privi di gravità, dove chiocciole e insetti si muovono in opposizione alle leggi fisiche dello spazio e del tempo. Pur nella dovizia di particolari realistici, questi disegni presentano una natura meta-reale, in tensione tra artificio, ingegneria biologica e adattamento naturale.

La mostra sarà corredata da un catalogo con un testo critico del curatore.

Brevi cenni biografici
Nicola Toffolini è nato a Udine nel 1975. Vive e lavora a Coseano (UD).
Principali mostre personali:
2007: Tradire il fare, notgallery, Napoli; L'erba del vicino è sempre più verde, Istituto di Cultura Italiano, Lubiana (Slovenia); 2006: Parassita si nasce, Placentia Arte, Piacenza; 2005: Forzatamentealverde, Villa Manin - Centro d'Arte Contemporanea, Passariano (UD); 2004: Centometriquadri di verde acido, LipanjePuntin artecontemporanea, Trieste.
Principali mostre collettive:
2008: Arrivi e partenze. Italia, Mole Vanvitelliana, Ancona; 2007: Drawing Out 1, Biagiotti Progetto Arte, Firenze; On, Piazza Verdi, Bologna; Wundergarten. Il giardino delle meraviglie: innesti tra arte e botanica, Orto Botanico, Palermo; Open Air, Orto Botanico, Parma; Is There Anybody Out There?, LipanjePuntin artecontemporanea, Trieste; 2006: Premio Razzano per giovani artisti, Rocca dei Redentori, Benevento; Fragmented Show, Neon>Fdv, Milano; 2005: IM00. L'immagine sottile: disegni per una collezione, Galleria Comunale d'arte contemporanea, Monfalcone (GO); 2004: mehrlicht - Targetti Light Art Collection im/at MAK, MAK Exhibition Hall, Vienna (Austria); Anteprima Torino - XIV Esposizione Quadriennale d'Arte, Palazzo delle Belle Arti, Torino.


 

Artista: NICOLA TOFFOLINI. Oltre la siepe
Dal 18 maggio al 31 agosto 2008
Orario: sabato e domenica 10-12,30 / 15,30-19 gli altri giorni su appuntamento
Rocca Estense
San Martino in Rio (Reggio Emilia)
Tel. 0522-636709
Sponsor tecnici della mostra: Luceplan, CORMO
cultura@comune.sanmartinoinrio.re.it

 

(fonte: Exibart.com )

inaugurazione giovedì 15 maggio 2008 | ore 18.30 | studio d'arte contemporanea pino casagrande | roma


Marisa Albanese è un artista da sempre attenta agli enigmi nascosti nei linguaggi. Nel corso della sua ricerca artistica ha attraversato e reinterpretato quei codici che formano le strutture della conoscenza e della comunicazione umana, rilevando allo stesso tempo le possibili varianti che si sviluppano negli infiniti passaggi da comunicate a comunicante. Una squisita indagine concettuale che conserva comunque una sua deriva nell'oggetto e nella rappresentazione. L'idee hanno una loro valenza materica, per questo motivo l'Albanese non ha mai rinunciato ad alcuna tecnica artistica, ma ha sfruttato ogni particolarità peculiare dei differenti mezzi, per giungere allo scopo finale della sua indagine: la trasposizione del significato attraverso i suoi significanti.
Anche per questa nuova personale Marisa Albanese ha scelto un titolo che si presta a descrivere le ambigue varianti del linguaggio: Speech, che in inglese designa il "discorso", ma che nelle sue sfumature di significato può valere anche come "persuasione".
Una installazione dialogante composta da elementi molto diversi ma che contribuiscono ognuno con un singolare e distinta capacità evocativa a comporre la complessa trama dei rimandi e dei significati. Point of View, ad esempio, affascinante interpretazione del discorso di Bush sul Protocollo di Kyoto. Alcune parole del medesimo discorso sono come marchiate sulle corteccia di tronchi d'albero, lasciando dei vuoti scultorei, che privano la struttura di frasi e parole. Il testo diventa così incomprensibile allo spettatore, come incomprensibile e ambigua è la persuasione anti ecologica dell'uomo verso il proprio pianeta.
Speech Imitation, si propone ancora un dialogo interrotto dell'uomo con l'ambiente. Un immenso stormo di uccelli, un brusio assordante, come se migliaia di voci declamassero nel medesimo momento un unico discorso. Una moltitudine inquietante, che trasformata in icona visiva, prelude forse al loro sterminio, lasciando spazio soltanto ad un freddo simulacro, un simbolo, a sostituire la realtà, e la tecnologia che supplisce alla natura depredata e consumata dall'azione dell' uomo.
Infine Trubist, un libro al cui interno si cela un video, dove scorrono immagini di attraversamento di un sottobosco. Un antico racconto della sopravvivenza, dove la sensibilità dello spettatore potrà di volta in volta immedesimarsi con la visione della vittima che fugge o nel predatore che arranca.


 

Marisa Albanese. Speech
Dal 15 maggio al 20 luglio 2008
orario: Lunedì - Venerdì 17,00 -20,00
STUDIO D'ARTE CONTEMPORANEA PINO CASAGRANDE
Via degli ausoni 7A - 00185 Roma
tel/fax 064463480
gallcasagrande@alice.it

 

(fonte: Exibart.com)

inaugurazione sabato 17 maggio | ore 17.30 | a cura di mimmo di marzio | serra san quirico (an)


Dieci artisti del nuovo panorama dell'arte italiana, selezionati in base alla loro esperienza a lavorare in relazione con lo spazio, creano opere ad hoc per gli ambienti del borgo di Serra San Quirico, sul tema della Metamorfosi, intesa nella sua accezione mitologica e animistica, e seguendo la tradizione popolare che vede l'incantesimo come simbolo di salvezza spirituale e di rinnovamento morale.

Serra San Quirico è un antico borgo medievale immerso nella natura selvaggia dell'appennino marchigiano. La sua storia, che trae origine dai primi insediamenti etruschi, si fonde con la forza paesaggistica del Parco Naturale della Gola della Rossa e di Frasassi, luoghi di forte intensità naturalistica ma densi anche di storie e leggende che fondono la tradizione pastorale a quella religiosa e spirituale. Alcune di queste leggende, rimaste impresse nella cultura popolare, sono intrise di allegorie legate al tema della metamorfosi e dell'incantesimo. I progetti degli artisti prendono vita in spazi pubblici del borgo, sia interni che esterni, e si sviluppano attraverso tutti i linguaggi artistici, dalla pittura alla scultura, dall'installazione al video. Le opere, realizzate dagli artisti direttamente sul luogo, in alcuni casi con il coinvolgimento degli abitanti del borgo, si intrecciano in una sorta di percorso interattivo che raccoglie frammenti dei luoghi e coagula la visione dell'artista e l'esperienza degli spettatori. L'artista, in questo senso, diventa al contempo narratore di mirabilia ma anche alchemico trasformatore della materia e quindi della Natura.

I progetti
Tema della videoinstallazione dei Flatform è il paesaggio che circonda il borgo, inteso come sistema connettivo delle relazioni che regolano i rapporti tra le persone. Il video sottolinea un legame "a specchio" tra l'ambiente e i suoi abitanti, dove la natura gioca il ruolo dell'ineluttabile anche nelle sue trasformazioni forzate. L'installazione sonora di Alex Pinna "Twixt Land and Sea Tales" crea un gioco di rimandi e di ricordi: il passato, i mari, da quello ligure all'Adriatico ai mari di Joseph Conrad - da cui il titolo stesso dell'opera - per arrivare alla sottolineatura della dolcezza della struttura del vecchio borgo e del paesaggio in cui è immerso. Nell'installazione ambientale "Anatomy of silence", Tamara Ferioli mette in scena la dialettica tra luce e oscurità che l'artista arricchisce con l'installazione di una serie di oggetti densi di rimandi alla tradizione popolare e religiosa. Nel cortometraggio di Carlo Steiner "SSQ Serra San Quirico" gli abitanti del paese sono gli interpreti di un insolito linguaggio che sostituisce i dialoghi della quotidianità con frasi estrapolate da celebri componimenti poetici. "Ricordati che devi morire" è il titolo dell'installazione figurativa di Vanni Cuoghi che, con centinaia di "post it", realizza un'interpretazione simbolica della morte, uno dei temi maggiormente rappresentati dall'iconografia medioevale. La scultrice Katia Orgiana si appropria di un'antica leggenda del luogo che narra di un amore contrastato, forgiando figure umane all'interno di anfore sepolte, che vanno a costituire un immaginario e misterioso sito archeologico. L'opera è ottenuta dal calco ai visi di abitanti e lavoratori della Cava Gola della Rossa. Il tema dell'alchimia è alla base dell'installazione di Cuoghi e Corsello, dove sagome di maghi prendono forma sulle mura delle antiche "copertelle" del borgo, in una sorta di danza corale che sottolinea il dialogo tra il luogo e una visione spirituale della natura. Il progetto dell'artista napoletano Maurizio Elettrico, sulla falsariga dell'epopea del "The New Empire" gioca una contrapposizione tra il mondo minerale inorganico e tecnico della civiltà umana e la vitalità caotica prorompente della natura, entrambe coinvolte in un processo di reciproca metamorfosi. L'opera di Paolo Grassino, che sorge nei giardini del borgo, esplora in chiave ironica l'universo naturalistico in cui il mondo reale e quello fiabesco, rappresentato dal suo "bestiario", si fondono armonicamente. L'installazione "Una notte in bianco" di Sabrina Sabato, infine, analizza il tema della metamomorfosi attraverso l'esperienza del sonno-sogno, attinge all'universo di simboli infantili e di ritualità popolari.

Metamorphosis è un progetto espositivo a cura di Mimmo Di Marzio prodotto dal Gruppo Gola della Rossa, Serra San Quirico e organizzata dalla Galleria Novato Arte Contemporanea.

Il Gruppo Gola Della Rossa da sempre cerca di valorizzare, attraverso le proprie opere ed iniziative, il territorio a cui appartiene: una regione ricca di testimonianze storiche e culturali, spesso poco conosciute. Dal 2006 il calendario ufficiale del Gruppo propone la divulgazione e la scoperta di musei nascosti della provincia: la Cartoteca Storica delle Marche di Serra San Quirico, il Museo Internazionale dell'Etichetta di Cupramontana e il Museo Tattile Omero di Ancona. Il Gruppo inoltre ha realizzato la mostra "Cuore di Pietra", Mole Vanvitelliana Ancona nel 2006, e sostiene progetti a scopo sociale.


 

METAMORPHOSIS dieci artisti nel borgo delle leggende
Dal 18 maggio al 31 agosto 2008
Orari: 16,30 - 20.00 da martedì a domenica
Serra San Quirico (AN)

Con il Patrocinio della Regione Marche, Comune di Serra San Quirico e Parco Gola della Rossa.
Prodotta dal Gruppo Gola della Rossa www.cavagroup.com
Organizzata da:
Galleria Novato Arte Contemporanea
Via S.Francesco d'Assisi 9 - 61032 Fano (PU)
Tel. 0721.820661 - rossella.izzo@novato.it
Coordinamento: Nicoletta Castellaneta

Come da arrivare in auto: Autostrada A14 uscita Ancona Nord. Prendere SS76 per Fabriano Jesi. Uscita Serra San Quirico proseguire seguendo le indicazioni per il paese centro
Ufficio Stampa
Arte e Comunicazione srl
Salita Maggiolo di Nervi 6 - 16167 Genova
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COMUNICATO STAMPA

TITOLO DELLA MOSTRA:                       BIOGRAFIA DI UN VIAGGIATORE

CURATRICE:                                           Dores Sacquegna

SEDE:                                                      Primo Piano LivinGallery

                                                                 Viale G. Marconi 4 Lecce

DATE:                                                       14- 28 MAGGIO 2008

INAUGURAZIONE:                                  14 maggio  ore 19,00

INFORMAZIONI:                                     Primo Piano LivinGallery Tel/fax: 0832 304014

                                                               primopianogallery@libero.it 

                                                               www.primopianogallery.com

ORARI:                                                  Aperto dal lunedì al sabato dalle 17,00 alle 20,00

ARTISTI:                                             OREET ASHERY(Israele), AMY COHEN BANKER (Usa),

                                                        NICOLA BETTALE (Italia), BOB CRAIG(Canada), CINZIA FRESIA(Italia),

                                                         FREDERIC GLON (Francia), GUILLAUME LIFFRAN (Francia),

                                                          LETIZIA MARABOTTINI (Italia), GUNILLA OLDENBURG(Svezia);

                                                           JONATHAN PRINCE (Usa), SUSAN JENNINGS(Usa).

Si inaugura Mercoledì 14 maggio alle ore 19,00 la mostra d’arte contemporanea

” BIOGRAFIA DI UN VIAGGIATORE” a cura di Dores Sacquegna.

Il mito del viaggio è riscontrabile in moltissime opere letterarie, così come nella cultura occidentale e in quella orientale, narra il senso della vita.   Biografia di un viaggiatore è una mostra sul viaggio inteso come spostamento in luogo dato, condizione sociale, memoria, alienazione. Ma anche come cambiamento, verità, scoperta del proprio”io” interiore.

Il viandante è colui che riesce a mettersi in gioco, di transitare nei paesaggi dell’anima o di entrare in relazione con culture e mondi a lui sconosciuti come succede nel diario di viaggio tra la Palestina e l’Israele nel video “Necessary Journeys” di Oreet Ashery (nato a Gerusalemme, vive ed opera a Londra) o nelle fotografie sulla cultura e la vita rurale del Kasbah riprese della torinese Cinzia Fresia.   Il viaggio comunica la misteriosità della vita,  nel viaggio si vive una  rappresentazione del mondo fluida e discontinua, ma anche di conoscenza zen come nel video “Bubble Dance” dell’americana Susan Jennings.                    

 Ciò che resta del viaggio è il ricordo scritto sulla carta, la traccia che diviene opera-oggetto, testamento di un esperienza, memoria nel caos della vita come lo dimostra l’installazione con poemi e ossa “birds and poems “ dell’americana Amy Cohen Banker.  Ma esiste anche il viaggio come ricerca interiore per trovare risposte al mistero del mondo, di transitare assieme ad esso, di intrecciarsi in un vasto ed articolato mosaico che si scompone e si ricompone a secondo del vento come nelle “prove di volo” del veneto Nicola Bettale.  O sulla metafora del tempo e dello spazio, come accade nelle opere della svedese Gunilla Oldenburg con “ In transit”, opere realizzate in mix media con alghe del mare di Svezia e memorie del giorno.   

Viaggio nel passato, nelle culture andine, nei rituali e nei totem precolombiani, nelle opere del canadese Bob Craig o nell’architettura totemaitica post-industriale della romana Letizia Marabottini. Il viaggio, qui, è inteso anche come ricerca scientifica che conduce ad una nuova visione del mondo come nelle opere “Being-Earth” del francese Guillaume Liffran, che compone una installazione sulla gravità tra cielo e terra o dell’americano Jonathan Prince con i suoi corpi divisi intesi come ricerca del cambiamento in se stessi.  Infine, un viaggio nella realtà sociale dei più piccoli nel video “Souripolis” del francese  Frederic Glon e nelle incisioni di un dio alieno, sempre opere dell’artista

Catalogo in mostra.

12.05.2008

(fonte: Exibart.com)

dal 22.05 al 25.05 | fiera di bolzano | messe bozen


Da giovedì 22 (vernissage) a domenica 25 maggio (orario 11.00 - 20.00) Bolzano si appresta ad aprire l'entusiasmante quinta edizione della sua bella Fiera dell'arte: 80 gallerie selezionate da oltre 15 Paesi, che proporranno opere da tutto il mondo e per tutte le tasche, con la possibilità di scoprire i più promettenti talenti emergenti del panorama internazionale.
Ricchissimo anche il programma degli eventi collaterali: si contano critici d'arte come Francesco Bonami, e innumerevoli occasioni culturali e di intrattenimento in tutta la città.
Dall'inaugurazione del nuovo e fantascientifico Museion (sabato 24), all'animatissimo Festival dello Speck nel Centro storico di Bolzano. Il programma di dettaglio è consultabile nel sito web ufficiale della kermesse, www.KunStart.it, dove sono recensite tutte le gallerie partecipanti (con segnalazione degli artisti principali) e dove è possibile acquistare online un comodo abbonamento per le tre giornate di svolgimento, che include un prezioso invito per l'esclusivo vernissage notturno.
Appuntamento, questo, che è considerato l'evento mondano per eccellenza della Regione, capace di richiamare il meglio dell'imprenditoria e del collezionismo locale, e che fra le molte personalità avrà quale ospite d'onore il celebre scalatore degli 8.000 (nonché oggi anche attivissimo fondatore di Musei) Reinhold Messner.
Si segnala infine che il vernissage inaugurale avrà quest'anno un curioso parallelo virtuale su Second Life, dove migliaia di "residenti" (così sono chiamati gli avatar dell'affascinante mondo tridimensionale e multi-utente inventato dall'americana Linden Lab) si sono già dati appuntamento per brindare comodamente seduti di fronte al proprio pc. Grazie al complesso progetto realizzato dalla Bizeta Web di Bolzano, utenti reali e utenti virtuali verranno collegati fra loro e potranno interagire attraverso un apposito schermo al plasma posizionato nella piazza centrale della Fiera. KunStart è la prima Fiera d'arte al mondo che approda su Second Life: anche questo un segnale di come a Bolzano siano determinati a proporre una manifestazione sempre più innovativa e ricca di attrazioni a tutto campo. Per informazioni su soggiorni e appuntamenti è disponibile nel sito un elenco di Hotel convenzionati.


 

KunStart - 5a Fiera dell'arte moderna e contemporanea di Bolzano
Fiera Bolzano, dal 22 al 25 maggio 2008
Organizzazione e informazioni:
Fiera Bolzano S.p.A. - P.zza Fiera 1 - 39100 Bolzano (BZ)
T +39 0471 516 210 F +39 0471 516 324
info@KunStart.it
www.KunStart.it
Nella foto: still da KunStart on Second Life

 

scadenza prima sessione: venerdì 23 maggio 2008 | scadenza seconda sessione venerdì 14 novembre 2008


Compie dieci anni Movin'Up, il programma di sostegno rivolto ai giovani creativi tra i 18 e i 35 anni che sono stati ammessi o invitati ufficialmente all'estero da istituzioni culturali, festival o enti per partecipare a concorsi, seminari, workshop, stage o che abbiano in progetto produzioni artistiche o periodi di formazione da realizzare presso centri e istituzioni straniere. Un'iniziativa unica nel suo genere per premiare i giovani talenti italiani dando loro un'opportunità di studio-lavoro coprendo in parte o del tutto le spese dell'esperienza all'estero. I settori artistici coinvolti sono: arti visive, architettura, design, musica, cinema, video, teatro, danza, performance, scrittura.

Il progetto nasce per volontà del GAI - Associazione per il Circuito dei Giovani Artisti Italiani, in collaborazione con PARC - Direzione generale per la qualità e la tutela del paesaggio, l'architettura e l'arte contemporanee, Ministero per i beni e le attività culturali e POGAS - Presidenza del Consiglio dei Ministri, Dipartimento per le Politiche Giovanili e le Attività Sportive. Movin'up nelle prime nove edizioni ha permesso di sostenere 402 su 959 progetti presentati per un totale di 661 artisti! E tra i partecipati a Movin'Up molti hanno potuto realizzare il sogno di farsi conoscere e di concretizzare le proprie aspirazioni diventando oggi artisti affermati. Tra i tanti premiati, dal 1999 ad oggi, si possono citare a titolo esemplificativo tra quelli che proseguono con successo la loro carriera professionale: Luisa Rabbia, Zimmerfrei, Alterazioni Video, Cliostraat vincitori per la sezione arti visive; Stefano Odoardi, Alessandro Nico Savino e Rossella Schillaci per il cinema; Ooffouro, Le-gami, Sara Marasso, Simona Barbera, Debora Petrina, Francesco Guaiana per le discipline teatro - danza - musica.

Per l'anno 2007, la II sessione della nona edizione del concorso si è chiusa con la selezione di 20 progetti artistici su 49 candidature pervenute.
Alessandro De Cristofaro (cinema/napoli) con una co-produzione italo-americana girerà a Chicago un cortometraggio dal titolo "La Morte di Solidarietà"; Ana Ticak (teatro/milano) svolgerà uno stage di alto perfezionamento in campo tecnico presso il Theater Sophiensaele di Berlin; Annalisa Cannito (arti visive/alessandria) parteciperà al progetto "Gmünd 800 minutes future" con un video da realizzare sul confine tra Repubblica Ceca e Austria; Daniela Megna (danza/palermo) presenterà un assolo di teatro danza che trae ispirazione dagli emoticons al 12th International Solo Dance Theatre Festival di Stuttgart; Dario Lazzaretto (arti visive/padova) creerà la soundart installation "Falling in love" per il Digital Media Fest di Valencia; Elena Claudia Givone (fotografia/torino) frequenterà un workshop con successivo progetto fotografico dedicato ai bambini delle favelas di Florianopolis in Brasile; Eleonora Ariolfo (danza/torino) sarà parte del lavoro internazionale "Dance Roads" per una tournée in partnership con professionisti di Slovenia, Canada, Lussemburgo e UK; Gianluca Verlingieri (cuneo/musica) comporrà un nuovo brano per violoncello solista da eseguirsi in prima mondiale a Memphis; Gruppo CQB - Marcella Arnuzzo, Irene Gulli, Roberta Messa, Sara Parisi, Sara Tassara - (danza/genova) parteciperanno al "Progetto di scambio culturale danza e creazione - IV edizione Primavera 2008" in Benin per un lavoro di ricerca, atelier, residenza e creazione con artisti locali che terminerà in uno spettacolo e in un video-documentario; Jacarè - Cristina Renzetti, Casino Papia Rocco, Timothy Trevor Briscoe, Marco Zanotti - (musica/bologna) presenteranno "Il Primo Passo" presso i centri culturali di Rio de Janeiro, San Paulo e Belo Horizonte con collaborazioni e incontri di studio con artisti locali; Lapo Simeoni e Sara Bernabucci (arti visive/roma) saranno protagonisti di un lavoro dal titolo "Vuoti Urbani/Luoghi Mutanti" con opere site specific in un complesso industriale di Pechino e una esposizione in galleria; Letteria Giuffrè Pagano (arti visive/pisa) risiederà per un mese presso il Centro per l'Arte Sanskriti Kendra di New Delhi proseguendo la sua ricerca in campo pittorico e video; Lisa Lazzarini (arti visive/firenze) realizzerà una installazione dal titolo "In Xochitl In Cutcatl: la Palabra Florida" invitata dal Museo Diego Rivera Anahuacalli di Città del Messico; Loic Sturani e Giovanni Di Domenico (video/roma) condurranno una ricerca video musicale in Giappone invitati dal Akiyoshidai International Art Village; Luigi Coppola (performance/torino) parteciperà al San Francisco International Arts Festival per un progetto di ricerca-performance con altri artisti internazionali sul tema dell'invisibilità e il sommerso nella nostra società; Monica Santoro (teatro/forlì) prenderà parte ad un percorso di studio e lavoro presso il teatro Masterskaja P. Fomento di Mosca; Rosaria Lazzetta (performance-fotografia/napoli) con un'opera performativa l'artista introdurrà il suo lavoro fotografico dal titolo "Love Revolution" presso la Soh Gallery di Tokyo; Saba Salvemini andrà ad Oslo per realizzare un progetto complesso dal titolo "Studio K on Travel" con incontri in teatri e meeting con allievi delle relative scuole; Koinè - Serena Loprevite, Flavio Di Maio, Nicola Marrapodi, Rocco Colonnetta - (danza/genova) rappresenteranno a Riga la coreografia "Alla fermata di una Hall" che coinvolgerà danzatori italiani e lettoni in uno scambio professionale; Yuri Ancarani (arti visive/ravenna) produrrà un video d'arte durante una residenza a Tirana coinvolgendo il territorio e l'Istituto di Arte Contemporanea T.I.C.A.

Per il biennio 2008-2009, grazie alla convenzione stipulata il 14 dicembre 2007 fra i tre enti partner nell'ambito del programma DE.MO - sostegno al nuovo design e alla mobilità, il progetto può contare su maggiori risorse finanziarie e intervenire con rinnovata energia offrendo un supporto ancor più significativo all'arte emergente del nostro paese. Movin'Up si propone infatti di favorire la partecipazione di giovani creativi a programmi di formazione e produzione organizzati da istituzioni straniere che offrano loro reali opportunità di crescita artistica e professionale.
L'iniziativa, realizzata attraverso lo stanziamento di un fondo annuale erogato in due sessioni, permette agli artisti di richiedere un sostegno a parziale copertura delle spese di viaggio e/o di soggiorno e/o di produzione nella città straniera ospitante. Il concorso sostiene le occasioni di visibilità per promuovere il lavoro degli artisti italiani in ambito internazionale e offre un supporto della produzione dei progetti più interessanti dal punto di vista dell'innovazione e della multidisciplinarietà.
Una commissione nazionale appositamente costituita vaglierà le domande pervenute individuando gli aventi diritto, stilerà una graduatoria e approverà l'entità del contributo economico.

Il nuovo bando per il 2008 si articola in due diverse sessioni:
la prima sessione - con scadenza venerdì 23 maggio 2008 alle ore 12 - prende in considerazione le domande per le attività all'estero con inizio compreso tra il 1° luglio e il 31 dicembre 2008
la seconda sessione - con scadenza venerdì 14 novembre 2008 alle ore 12 - considera le domande per le attività all'estero con inizio compreso tra il 1° gennaio e il 30 giugno 2009.

Il bando di concorso e la modulistica di partecipazione sono pubblicati sul sito Internet www.giovaniartisti.it.

Nell'ambito del programma DE.MO. e delle nuove iniziative per il sostegno alla mobilità artistica internazionale nate dalla recente convenzione, l'azione Movin'Up si arricchisce di un importante progetto per borse di residenza artistica presso istituzioni internazionali di prestigio, rivolte ad artisti del settore arti visive.

PROGRAMMA RESIDENZE 2008
Progetto DE.MO. / Movin'Up
bando di concorso per programmi di residenza internazionali PLATFORM GARANTI CONTEMPORARY ART CENTER - ISTANBUL RESIDENCY PROGRAM (irp)
&
KÜNSTLERHAUS BETHANIEN - BERLIN - INTERNATIONAL STUDIO PROGRAM

Il bando di concorso è aperto ai giovani creativi attivi sul territorio nazionale tra i 18 e i 35 anni di età che operano con obiettivi professionali nel campo delle arti visive e che sono interessati a trascorrere un periodo di formazione e produzione all'estero.

Per il biennio in corso vengono offerte due borse di partecipazione a programmi di residenza internazionale di Istituzioni partner, con la copertura dei costi di viaggio - soggiorno - residenza artistica e mantenimento nella città straniera ospitante. Nello specifico le opportunità offerte sono così suddivise:

1 BORSA a Istanbul presso Platform Garanti Contemporary Art Center
La durata della residenza è di 3 mesi, dal 1° novembre 2008 al 31 Gennaio 2009.

1 BORSA a Berlino presso Kunstlerhaus Bethanien GmbH
La durata della residenza è di 6 mesi, dal 1° settembre 2008 al 15 febbraio 2009
A fine ottobre 2008 l'artista parteciperà alla mostra annuale con un proprio progetto.

La scadenza per la presentazione delle domande è fissata per le ore 12.00 di martedì 3 giugno 2008.
Trattandosi di una nuova iniziativa messa a bando dagli Enti in convenzione a potenziamento del concorso tradizionale, possono partecipare anche gli artisti che negli anni passati hanno usufruito del contributo Movin'Up per progetti personali.

Bando completo e modulistica su www.giovaniartisti.it


 

Movin'up
Segreteria Nazionale GAI - Associazione per il Circuito dei Giovani Artisti italiani
Via San Francesco da Paola 3, 10123 Torino
n. verde: 800807082 - tel. 0114430020-34 - fax. 0114430021
info@giovaniartisti.it
www.giovaniartisti.it
Orario: da lunedì a giovedì 9.00/17.00, venerdì 9.00/15.00, sabato e domenica chiuso


 

(fonte: Exibart.com)

(fonte: Exibart.com)

(fonte: Exibart.com)

inaugurazione venerdì 9 maggio | ore 18,30 | ideazione gianfranco ciaffi | edarcom europa galleria d'arte contemporanea | roma


La Galleria Edarcom Europa ha ospitato due mostre personali di Cynthia Segato: nel 2002, con Bugie Cosmiche, presentata da Gabriele Simongini, l'artista ha raccontato i temi a Lei più cari attraverso la fusione dei concetti di spazio e di tempo con un linguaggio immaginario, ispirato alle fiabe; nel 2004, con Frammenti d'infinito, presentata da Renato Civello, ha invece reso omaggio alle due più importanti fonti d'ispirazione della Sua pittura, l'astronomia e la poesia, con un ciclo di opere interamente dedicate al poeta più dedito allo studio delle stelle che sia mai vissuto, Giacomo Leopardi.
In questo terzo appuntamento espositivo, intitolato Microcosmi Quotidiani, Cynthia Segato ci porta a spasso per la città mostrandoci, alla Sua maniera, le piccole storie che la compongono. Gli elementi domestici della vita di tutti noi entrano nelle opere ricamate di Cynthia Segato per diventare i soggetti incantati della Sua immaginazione: l'astronoma spazza via la polvere di stelle dal suo studio. il cielo è ricamato da sapienti tessitrici in una sartoria che veste il giorno e la notte. come per un improvviso black out i bambini, si riappropriano dei tetti e del cielo per sbalordire davanti ad una Luna così immensa e luminosa da sembrar loro una superpatata. lo studioso non può far latro che amare le costellazioni d'un amore platonico perchè toccarle gli è impossibile (il matematico platonico). e intanto le ore scorrono in una clessidra segnando per noi l'inizio e la fine del giorno (il teatrino delle ore), ogni luna che sale in cielo la sera è un granello che scende a ricordarci di cercare la straordinarietà della vita anche nell'apparente inseguirsi di momenti dall'aspetto uguali uno all'altro.

La città della Segato non è una superficie ricoperta di edifici, ma uno spazio verticale che parte dai cortili, per poi passare per i piani dei palazzi, per salire fino alle stelle, o almeno per fermarsi sui tetti ad osservare la volta celeste con il naso all'insù.

Cynthia Segato nasce a Roma nel 1958 dove vive e lavora. Diplomata al Liceo Artistico e laureata in Astronomia, ha frequentato la Scuola Libera del Nudo all'Accademia delle Belle Arti di Roma. Nel frattempo ha approfondito l'interesse per la grafica frequentando diversi laboratori di incisione tra cui la Calcografia Nazionale, i corsi all'Accademia delle Belle Arti di Roma.


 

Cynthia Segato. "Microcosmi Quotidiani"
Dal 9 al 24 maggio 2008
Testo in catalogo: Francesco Ciaffi
Edarcom Europa Galleria d'Arte Contemporanea
Via Macedonia, 16 - Roma
Orario: lun - sab 10,30/13,00 - 15,30/19,30 (aperto domenica 11 maggio)
Ingresso: libero
info: 06.7802620
www.edarcom.it

 

(fonte: Exibart.com)

vernissage sabato 10 maggio | ore 20.30 | a cura di art&forte | spazioeventi mondadori | venezia


L'Es (o Id) è, secondo la teoria freudiana, quella istanza intrapsichica che "rappresenta la voce della natura nell'animo dell'uomo". L'Es, infatti contiene quelle spinte pulsionali di carattere erotico (Eros) ed aggressivo ed auto/distruttiva (Thanatos) che sono il modo squisitamente umano, in cui gli istinti si sono evoluti. È la parte più inconscia della nostra mente
Il concetto della mostra parte dall'idea che l'artista, nella raffigurazione della realtà dal proprio punto di vista, rappresenta il reale o il fantastico, ma sempre in una connotazione "al di fuori" di sé: anche quando l'opera non ha un significato esplicito o immediato, l'osservatore esterno va a cercare i perché reconditi della rappresentazione stessa.

Ora si chiede all'artista di mostrare la sua parte più intima, la percezione di se stesso

Si mostra un'opera che diventa metafora dell'Es, dell'Io istintivo che spinge per uscire e che in qualsiasi altra opera noi esterni andiamo a ricercare incessantemente, spesso male interpretando quanto l'artista vuole, o non vuole dire.
L'Io rappresentato è la liberazione del concetto di sé come spinta istintiva.
Che si voglia dire o non si voglia dire, sarà comunque l'artista, che in quel momento si mette in mostra quasi fosse un corpo nudo, esposto all'osservazione di altri occhi.
L'io è una spiegazione impossibile di per se stessa dal punto di vista figurativo in quanto concetto tra i più astratti, e quindi a maggior ragione interessante e accattivante nella ricerca dell'immagine concreta di qualcosa che non può essere spiegato.
Il protagonista assoluto della mostra è l'animo dell'artista, che concretizzando il proprio sentire attraverso il gesto artistico, veicola la propria interiorità verso l'esterno con la rappresentazione del proprio autoritratto. Che questo ritrarsi sia psicologico o che possa volutamente essere privo di significati intrinseci non importa.
L'elemento interessante è poter vedere quello che ogni artista ha da dire di se stesso.

A cura di Roberto Ronca
Direzione Organizzativa Piergiorgio Baroldi

Gli artisti partecipanti:

Benito Aguzzoli, Daniela Baldo, Eleonora Barbiere, Daniele Barbagli, Giovanna Barozzi, Mirella Bastelli, Veronica Cantero Yanez, Isabel Carafi, Cristina Carusi, Patrizia Cau, Francesca Curcetti, Alberto D'Assumpcao, Angelo De Boni, Juan Del Balso, Vanni D'Este, Giuseppe Sebastiano Devoti, Giuseppe Di Canosa, Vincenzo Doronzo, Michele Favaro, Francesco Ferlisi, Amelia Ferrari, Anna Fracassi, Veronica Francione, Freeman, Naomi Fuks-Mishol, Giuliano Galeotti, Fiorella Gallenda, Cristina Gandini, Andrea Giorgi, Pino Giuffrida, Lucio Greco, Michela Ianese, Clelia La Gioia, Rosy Losito, Dario Manco, Teresa Susy Manzo, Nadia Marcuzzi, Giuseppe Mariotti, Paolo Menon, Max Montano, Maria Grazia Oppo, Giulio Orioli, Davide Poggi, Maila Pompei, Matteo Procaccioli, Giordano Rizzardi, Martin Romeo, Marco Salvadori, Silvia Maria Sega, Jelena Stepanova, Giuseppe Tattarletti, Fedele Tocci, Massimo Tomasino, Ivan Toninato, Ramona Vada, Kristel Vendrame, Alessandro Ziveri

VENERDI' 9 MAGGIO, inoltre, nell'ambito della Rassegna INCONTRI CON L'ARTISTA, promossa in collaborazione tra ART & PARK HOTEL UNION LIDO ed Art&fortE, in "rappresentanza" dell'iniziativa ES, si terra' un incontro con MICHELE FAVARO, artista e performer anche presso la Biennale di Venezia, che - tra l'altro - si esibira' in una suggestiva performance.

SABATO 31 MAGGIO sarà la volta dell'artista ANNA FRACASSI, da sempre attenta, nelle sue opere, alla rappresentazione dell'io in chiave metaforica.

La rassegna INCONTRI CON L'ARTISTA ... Art&fortE vedra' fino a settembre una serie di interessanti incontri presso la Conference Hall Union Lido Resort, uno dei maggiori complessi turistico-ricettivi all'aria aperta a livello europeo, a Cavallino-Treporti, Venezia, area situata tra la laguna di Venezia ed il mare, che registra oltre cinque milioni e mezzo di presenze turistiche.

Gli incontri sono aperti a tutti, con la possibilita' di colloquiare direttamente, di approfondire e scoprire piu' da vicino il lavoro di importanti artisti contemporanei, le cui mostre sono in corso nell'area veneziana.

Art&fortE sta progettando il prosieguo di ES a partire da luglio con il Premio Freud, a Lavarone.


 

ES - l'autoritratto psicologico tra realtà e metafora
Dal 10 maggio al 15 giugno 2008
SPAZIOEVENTI MONDADORI
San Marco, 1345 - Venezia
www.arteforte.it
info@arteforte.it
linea diretta su skype: arteforteonline
MSN: roberto@arteforte.it
telefono: 347.6229356 Roberto Ronca
roberto@arteforte.it
http://it.youtube.com/user/ArtefortE

 

(fonte: Exibart.com)

vernice e cerimonia di premiazione venerdì 9 maggio ore 17.00 | esposizione dal 10 al 25 maggio | grande e piccolo miglio castello di brescia


Tutto era nato ".con una provocazione più che una proposta, con un attacco più che un invito." destinatari gli artisti fra i 20 e i 40 anni, provenienti da tutto il mondo, attivi nel campo della pittura, della scultura, della fotografia e chiamati a partecipare al
PRIMO PREMIO ARTEINGENUA 2008 IMPATTO_arte luogo + relazioni
con un montepremi da capogiro: 30.000 euro al primo classificato, 7.000 al secondo, 3.000 al terzo.

Un riconoscimento economico importante, in grado di permettere ai tre artisti vincitori di investire su loro stessi: dall'acquisto dei materiali per "fare arte", alla progettazione di viaggi ed esperienze destinati alla ricerca creativa.

Partiamo dai dati perchè i numeri parlano chiaro e sono davvero sorprendenti, soprattutto se si pensa che questa è la prima edizione del PREMIO ARTEINGENUA, destinato a ripetersi due volte ogni anno con le stesse modalità:

sono state 1.090 le richieste di partecipazione, provenienti da tutto il mondo, che hanno portato ad una prima selezione di 350 opere eseguite da 282 artisti, provenienti da 36 nazioni, dall'Argentina agli U.S.A, dalla Danimarca al Portogallo, dalla Russia all'India, dalla Turchia al Mozambico.

Sarà questa atmosfera cosmopolita che il pubblico potrà respirare visitando la mostra del PREMIO ARTEINGENUA 2008 dal 9 al 25 maggio.
Il 9 maggio vi sarà la grande serata dell' inaugurazione e della cerimonia di premiazione, una serata evento dove il pubblico intervenuto,oltre ad ammirare le opere, potrà assistere a performance e concerti di giovani artisti.

Una mostra il cui IMPATTO ha saputo riversarsi felicemente nel mondo delle Istituzioni, ottenendo il patrocinio del Consiglio Regionale della Lombardia e del Comune di Brescia, ed instaurando una collaborazione feconda con diverse realtà cittadine: la Fondazione BresciaMusei, la Fondazione CAB, UBI Banco di Brescia, la Fondazione ASM e Bresciatourism che, da sempre accomunate dall'entusiasmo per le sfide e dalla volontà di lavorare per il futuro, hanno accolto con grande lungimiranza il progetto, aprendo le porte del Grande e del Piccolo Miglio del Castello di Brescia per l'esposizione delle quaranta opere selezionate dalla Giuria del PREMIO ARTEINGENUA 2008 e la proiezione, in anteprima, del video catalogo di tutte le opere selezionate.

L'impegno nel sostenere i giovani artisti contemporanei, in un mondo in costante trasformazione è testimoniato dalla frequenza con cui ARTEINGENUA promuove e organizzare i propri concorsi: saranno infatti aperte a partire dal 10 maggio le iscrizioni al
SECONDO PREMIO ARTEINGENUA 2008 PLAY THE GAME
mettiti in gioco con l'arte
concorso internazionale di pittura, scultura e fotografia per giovani artisti con un montepremi di 40.000 euro: 30.000 euro al primo classificato, 7.000 al secondo e 3.000 al terzo.


 

MOSTRA PREMIO ARTEINGENUA 2008 IMPATTO_ arte: luogo + relazioni
orari di ingresso: da martedì a domenica 9.30 - 13.00 e 14.30 - 17.00
Grande e Piccolo Miglio Castello di Brescia
Una mostra a cura di ARTEINGENUA
Via Corfù 106 - 25124 Brescia
tel. +39 0302422111
info@arteingenua.it -www.arteingenua.com

 

(fonte: Exibart.com)

inaugurazione martedì 06 maggio 2008 | ore 18 | piero fogliati | claudiobottello contemporary | torino


La galleria Claudio Bottello Contemporary, dopo le mostre che gli ha dedicato negli anni '90, intende ripresentare l'artista Piero Fogliati, con una serie di "disegni \ progetti" della Città Fantastica, e un "liquimofono", opera del 1989; all'esposizione si accompagnerà la proiezione del video relativo alla rassegna "Piero Fogliati il poeta della luce" organizzato dalla Provincia di Torino nel 2003.

Auto Presentazione
Ho ideato il progetto per suonare la terra e udire la sua voce, il dispositivo per ottenere sculture di vento, il produttore di suoni armonici, la proposta di vasca poetica a turbolenza modulata per ottenere la scultura di acqua nell'acqua, il dispositivo per la decorazione dei cieli, che animano la città fantastica, dove la luce arriva senza ripiegamenti, passa attraverso un'apertura sulla sommità e raggiunge invisibile il luogo di definizione, dove spirali palpitanti volteggiano e l'unico valore, l'unica realtà degna di attenzione, o dotata di vita autentica appare l'infinito.
Il pubblico ascolta e tirando le corde appese nei tappi otturatori dei filtri a suo piacimento si creano sorprese, interrompendo il gioco, il soffitto modulatore continua a trasformare il rumore della città. L'ambiente funziona da strumento, il rumore può solo passare attraverso una parete di risuonatori e viene percepito all'interno, modificato, perché un suono non ha gambe su cui reggersi, il mondo brulica: qualsiasi cosa può accadere. Il fascino raccolto nell'osservare e ascoltare gli insetti dei campi, il loro dialogare, i loro movimenti nell'imitazione appassionata di macchine organiche, ciò che il nostro occhio può percepire per un attimo, attraverso i suoi movimenti, sono i segni fioriti di una visione intensa. Il disegno ha una funzione rafforzatrice del mio pensiero, è come conservare le idee, come un diario di bordo. Io col disegno fisso quello che poi voglio fare.
Io sono lo scienziato che tradisce la scienza. vale a dire, prima m'impossesso di tutti quei mezzi che oggi fortunatamente ho a disposizione, oggi siamo nel secolo della tecnologia, e poi la tradisco perché invece di utilizzarla per fare oggetti di consumo, oggetti pratici, io utilizzo tutte le mie conoscenze per indirizzare questi risultati, queste invenzioni, chiamiamole come vogliamo, per ottenere un fatto estetico. Se io sapessi che cos'è la luce, sarebbe una cosa troppo grande. purtroppo utilizzo la luce per i suoi effetti, per l'esperienza che ho fatto con la luce. ma non vado oltre a quanto si dice sulla luce che a mio avviso non è determinante. non è ancora nato il genio che ha scoperto che cosa è la luce.

Autobiografia
Sono nato a Canelli nel 1930, ho vissuto e lavorato prevalentemente a Torino, dove risiedo tuttora. Mi dedico all'arte a partire dagli anni '50 e sperimento come autodidatta l'espressione pittorica sia figurativa sia astratta-informale. La ricerca di una cifra personale e la fiducia nei confronti dell'autonomia del linguaggio artistico si fondono con la mia forte passione per la scienza e la tecnologia, amo esplorare la percezione sensoriale ed i fenomeni naturali (in particolare luce, suono e colore), amo riprodurli attraverso la costruzione di macchine prodigiose dove dirigo l'estetica delle immagini visive e sonore.
Con le mie opere cerco di suscitare la meraviglia di un'apparizione, intendo unire bellezza e percezione all'immaginazione.
Con il progetto della Città Fantastica i suoni, le luci e i corsi d'acqua della città si trasformano per l'abitante in esperienze estetiche e sensoriali una sorta di "sogno globale" che parte dai primi anni '60.
A questo periodo si legano le mie prime personali a Firenze, Roma e Torino. Nel 1978 e nel 1986 partecipo alla Biennale di Venezia, nel 1992 la Cité des Sciences et de l'Industrie di Parigi presenta una mia personale intitolata "Sculpter l'invisible", mi selezionano per la Biennale giapponese ARTEC di Nagoya nel 1997, nel 2006 sono a Karlsruhe e partecipo presso lo ZKM alla mostra FASTER! BIGGER! BETTER! sull'arte contemporanea degli ultimi cinquant'anni. A Torino, nel 2003, mi dedicano una grande antologica intitolata "Piero Fogliati il poeta della luce". Opere di Piero Fogliati sono presenti in importanti musei pubblici nazionali come La Galleria d'Arte Moderna di Torino (GAM) e di Bolzano, la galleria Comunale di Cagliari, ed internazionali come lo ZKM di Karlsruhe, l'AT&T Foundation, la Cité des Sciences et de l'Industrie di Parigi, il Museo Technorama der Schweiz di Winterthur in Svizzera, il Musée de l'énérgie électrique di Mulhouse, la V A F Stiftung di Francoforte sul Meno, nonché in numerose collezioni private tra cui la Fondazione Giuliano Gori a Santomato e la Collezione Panza di Biumo a Lugano.


 

CITTA' FANTASTICA
Piero Fogliati
dal 06 maggio al 02 giugno 2008
claudiobottello contemporary
via bogino 17h torino 10123
ORARIO: dal lunedì al venerdì 16,00-20,00 mercoledì 16,00-22,00
Tel: 0117631050
info@dearte.it
www.claudiobottello.com


 

inaugurazione giovedì 8 maggio 2008 | ore 18 | vecchiato art galleries | padova


Tre appuntamenti con l'arte, incontri di poesia, musica ed istallazioni luminose sono l'anima di "A stretto giro" la mostra che presenta: tre astisti, tre luoghi, tre eventi. Tra gli ospiti del triplice evento Eleonora Brigliadori che reciterà "Madame de Sade"di Mishima.

Tre realtà artistiche contemporanee saranno le protagoniste di altrettanti eventi organizzati nei tre spazi espositivi di Piazzetta San Nicolò, Via Dondi dall'Orologio e Via Alberto da Padova, che diventano parte di un circuito di mostre che vogliono promuovere ed incentivare le continue sinergie tra artisti, pubblico e sedi espositive in un continuum che ha già reso note molte realtà internazionali. Un evento che inizierà la sera di mercoledì 7 per poi vedere l'inaugurazione di tutte e tre le mostre giovedì 8 maggio alle 18. Un'unica regia organizzativa mostrerà le opere di Marco Nereo Rotelli che propone in via Alberto da Padova la sua personale "Oro-Nero", la prima ad aprire il sipario la sera del mercoledì 7 maggio in Piazzetta San Nicolò con una particolare istallazione luminosa, dedicata all'universo poetico accompagnata da una lettura di frammenti tratti da Madame de Sade di Mishima recitata dall'attrice Eleonora Brigliadori. La piazza sarà illuminata d'azzurro, i palazzi inondati da una luce color zaffiro d'oriente ed accompagnati dai versi poetici e la musica dell'Isola di Pasqua, scelta che riconduce ad un importante progetto dell'artista. Gli eventi proseguono giovedì 8 maggio, alle 18, nello spazio espositivo di Via Dondi dall'Orologio, che da tempo si distingue per l'attenzione verso le nuove e giovani tendenze artistiche, dove viene presentata la mostra personale dell'artista Silvio Fiorenzo, un omaggio al lavoro dell'artista con un connubio che raccoglie opere classiche e nuovi eroi dei comics, dalle sacre figure di Raffaello alle immagini di Popeye. La presentazione del circuito artistico si chiude nella galleria di Piazzetta San Nicolò che ospita l'affascinante mostra di Lorenzo Fonda costituita da più di trenta opere tra dipinti e qualche grafica. L'artista crea un'arte "carnale", completamente concentrata sull'esaltazione del corpo e delle sue prodigiose potenzialità. Le tre mostre rimarranno aperte fino il 31 luglio 2008.

MARCO NEREO ROTELLI
Oro-Nero. OPERE 2006-2008
Rotelli persegue da anni una ricerca sulla luce e sulla parola che lo ha visto esporre in importanti musei e gallerie internazionali. Dopo Bunker Poetico voluto da Harald Szeemann alla 49^ Biennale di Venezia (2001), Rotelli ha continuato la sua collaborazione con filosofi, poeti e musicisti con risultati stupefacenti quali l'installazione permanete al Living Theater di New York (2007), le Tende Poetiche sulla Wangfujing (2006) a Pechino, dove è stato presente anche alla Biennale 2003, Isola della poesia (2005) alla 51^ Biennale di Venezia, dove è stato premiato con targa d'argento della Presidenza della Repubblica, Poetry for Peace (2002) al World Cup Park di Seoul, Cava dei poeti (2002), installazione permanente realizzata per l'11° Biennale di Scultura di Carrara e le ripetute mostre a Parigi dove ha avuto l'onore di inaugurare l'Autunno culturale con l'installazione Lux al Petit Palais (2000).
La mostra Oro-Nero è composta da una serie di porte rivestite in foglie d'oro e grandi opere dipinte con trascritti i versi donati a Rotelli da poeti contemporanei. Nella mostra saranno presentate anche le opere realizzate sull'Isola di Pasqua, dove l'artista dirige un progetto internazionale di empowerment culturale che lo ha portato a stringere un profondo legame con la popolazione locale. Le opere sono dedicate ai guerrieri Rapa Nui, scolpiti in legno o dipinti su grandi lastre fotografiche, per riportare tutta la densità e la spiritualità, l'erotismo di questo popolo. In galleria sarà visibile il video No hope, realizzato da Marco Nereo Rotelli con il contributo di Edoardo Sanguineti. La poesia di Sanguineti è protagonista anche dell'installazione urbana, un intervento di grande impatto estetico ed etico in Piazzetta San Nicolò dedicato alla comunicazione e al sapere nella contemporaneità.
In galleria, catalogo Marco Nereo Rotelli - Opere a cura del Centro Italiano per le Arti e la Cultura con testi di Vincenzo Sanfo, Achille Bonito Oliva, Fernanda Pivano, Massimo Cacciari, Edoardo Sanguineti.

FIORENZO
SUPER-EROI
Lo spazio espositivo sito in Via Dondi dall'Orologio (dietro al Teatro Verdi) che da tempo si distingue per l'attenzione verso le nuove e giovani tendenze artistiche, presenta una mostra personale dell'artista Silvio Fiorenzo.
Immediatamente riconoscibile il lavoro di Fiorenzo appare un divertente e colorato connubio tra opere classiche e nuovi eroi dei comics.
Da sempre interessato all'arte dei media, l'artista sviluppa una lunga e proficua collaborazione nel campo della pubblicità e in particolare nella realizzazione di cartelloni pubblicitari ma soprattutto egli interviene attivamente nel settore dei fumetti con interventi nelle più rinomate case editrici del settore come Monelli, Storpio di Euro Editoriale, Lancio Story di Euro Editoriale, Internazionale Ediperiodici, Fumetti d' Arte, Edizioni II e molte altre.
Nel 1990 vive per alcuni mesi a New York, dove approfondisce la tecnica grafica-narrativa dei "comics" statunitensi; due anni dopo ripete l'esperienza in Argentina, dove conosce l'ambiente artistico del fumetto di Buenos Aires e ripercorre i primordi della vita artistica argentina di Hugo Pratt.
Fiorenzo inizia l'attività espositiva nel 1981 con una personale in Sicilia. Nel 1992 lascia l'insegnamento e si trasferisce con la famiglia nella Penisola Iberica. Inizia così un pellegrinaggio artistico-espositivo tra l'Italia, la Spagna e il Portogallo dal quale nascono numerose mostre personali e molte collettive in varie sedi come Lisbona, Porto, Setùbal, Siviglia e Barcellona non tralasciando la terra d'origine e la città che lo ha visto nascere artisticamente.
Questa mostra vuole essere un omaggio al lavoro dell'artista fino a oggi, al suo mondo creativo fatto di frammenti sbiaditi del passato e di moderni e variopinti personaggi dei fumetti, di figure sacre di Raffaello e immagini di Popeye. La barriera temporale, ma anche quella culturale viene abbattuta e ora coesistono in un medesimo spazio simboli classici e icone delle strip; non ci si dovrà stupire allora nel vedere San Girolamo ospitare nel suo studio un ingenuo Snoopie invece del consueto leone.
A fianco delle colorate tele sarà anche possibile ammirare le meno conosciute opere scultoree. Fiorenzo che nasce artisticamente come scultore, crea forme dalla leggerezza inaspettata; pur essendo tridimensionali questi lavori infatti si contraddistinguono per la trasparenza e l'impalpabilità dati dall'insolito materiale: la rete metallica.

FONDA
ATTRAVERSO IL TEMPO
La suggestiva galleria in Piazzetta San Nicolò ospita un'altrettanto affascinante mostra personale di Lorenzo Fonda costituita da più di trenta opere tra dipinti e qualche grafica.
Un'immersione in atmosfere classiche e in un'aura di misticismo che ci fa ricordare i rossi di Tiziano o i volumi plastici di Michelangelo. L'artista, di origini perugine, crea un'arte "carnale" perché completamente concentrata sull'esaltazione del corpo e delle sue prodigiose potenzialità. Membra vibranti e scultoree emergono da fondi teatrali antracite e rendono evidente una costante meditazione sull'Antico; ma al tempo stesso insieme a tale riflessione prende corpo anche una tecnica che non sempre mira alla nitidezza del risultato, ma spesso esalta l'evanescenza di immagini tratte da un tempo che non ci appartiene. Non si tratta di una riproduzione fedele di figure tratte dall'antichità, piuttosto di una riproduzione di immagini della mente caratterizzate da viva e infuocata passionalità.
Fonda, laureatosi in medicina non abbandona mai la sua attività artistica come pittore ed incisore, attività che lo porta al più importante incontro della sua carriera: quello con Alberto Burri. Questo momento segna l'inizio di una lunga amicizia tra i due artisti, tanto che viaggiano e visitano molti luoghi insieme. La lezione del maestro è tangibile in tutto il lavoro esposto: anche Burri è stato un artista fortemente condizionato dall'elemento del Fuoco, e anche se Fonda poi ha percorso una strada diversa e ha maturato una propria dimensione stilistica incomparabile con l'Informale, non si può prescindere dalla contaminazione profonda avvenuta.
Questo confronto inoltre precede il resto di un cammino gremito di soddisfazioni e di importanti incontri con uomini e donne di spettacolo e con eminenti critici e scrittori. Seguono svariate mostre come quella a Washington D.C. o la realizzazione di un grande trittico per la città di Assisi. Disegna diversi manifesti come quello dell' International Festival Umbria Jazz 88, quello per il "Prix Italia" (Festival internazionale della televisione) o il manifesto per " The International Festival of Operetta" di Trieste.
Nel 1990 la regina di Giordania Noor el Hussein, lo invita a creare una serie di dipinti che rappresentassero il suo popolo e la sua terra. Fino a quel momento l'artista aveva visitato la Giordania numerose volte; qui mantenne uno studio, e grazie alla sua dimestichezza con le arti visive, si è occupato di diversi settori dal design del set teatrale, alla fotografia e televisione. Recentemente, nel 2007, in occasione dell'inaugurazione della stagione lirica, ha realizzato il set dell'opera "Salome", composta da Richard Strauss, diretta da Giorgio Albertazzi e ha completato il suo ultimo lavoro per l'altar maggiore della Chiesa di Santa Caterina a San Pietroburgo.


 

A stretto giro
dal 9 maggio al 31 luglio 2008
MARCO NEREO ROTELLI, ORO-NERO
Vecchiato Art Galleries
Via Alberto da Padova, 2
35137 Padova
Tel: 049 8561359
Fax: 049 8710845

SILVIO FIORENZO, SUPER EROI
Via Dondi dall'Orologio, 35
35139 Padova
Tel: 049 665447
Fax: 049 665622

LORENZO FONDA, ATTRAVERSO IL TEMPO
Piazzetta San Nicolò, 1
35139 Padova
Tel: 049 665447
Fax: 049 665622

Orari: Lunedì 15:30-19:30 Martedì-Venerdì 9:30-13:00, 15:30-19:30 - Sabato: 9:30-13:00, 15:30-19:30
info@vecchiatoarte.it
www.vecchiatoarte.it

 

(fonte: Exibart.com)

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25.04.2008

(fonte: Exibart.com )

speednews del 25/4/2008

> Nuovi equilibri, Sotheby's espone a Mosca l'arte contemporanea in asta a New York
> New Unknow Artist, a Roma serata per artisti emergenti nei diversi media
> A Napoli, le chiavi di lettura per comprendere (e degustare) l'arte contemporanea
> Rivedrà la luce il primo graffito di Keith Haring, a Manhattan


 

(fonte: Exibart.com )

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inaugurazione sabato 19 aprile 2008 | ore 18.00 | a cura di susanna ragionieri | casa masaccio | san giovanni valdarno


Continua l'attività espositiva di Casa Masaccio, centro per l'arte contemporanea, con la mostra Around the house, curata da Susanna Ragionieri. L'esposizione presenta i lavori dell'artista irlandese Janet Mullarney.
Around the house, l'esposizione delle opere di Janet Mullarney che si tiene negli spazi di Casa Masaccio dal 20 aprile al 18 maggio 2008, risponde a due necessità.
La prima riguarda la riproposta aggiornata per il pubblico italiano, a dodici anni di distanza dalla personale all'Istituto Francese di Firenze (1996), del lavoro di una fra le più apprezzate e famose scultrici irlandesi, attiva in campo internazionale con personali a Dublino (IMMA, Irish Museum of Modern Art; Hugh Lane, Municipal Gallery of Modern Art), collettive a Pechino (Millenium Art Museum) e Shanghai (Art Museum), nonché importanti collaborazioni con architetti come Adolfo Natalini (edificio nel centro storico di Groningen, Olanda), lo studio O'Donnell-Toumey (costruzione di una Pilot Primary School in un quartiere degradato di Dublino), o con strutture pubbliche come i Royal Victoria Hospitals di Belfast (costruzione del nuovo polo ospedaliero).

La seconda necessità, più intrinseca al lavoro, risponde invece all'opportunità che la mostra offre di osservare da vicino nel luogo stesso della sua genesi -quella campagna di Castelfranco di Sopra dove l'artista ha casa e studio- i vari aspetti del sorprendente, profondo dialogo che sculture e istallazioni stabiliscono con il territorio e la sua complessa trama di memorie. Un'eredità insieme etica ed estetica con la quale da tempo Janet ha avviato un confronto tutto contemporaneo che si impernia su grandi temi esistenziali come il male di vivere, la solitudine, la famiglia, ma che si apre singolarmente anche a spunti di speranza: ed è la metamorfosi inattesa che l'arte sa suscitare quando diventa bisogno disinteressato e gara rivolta principalmente verso se stessi, come racconta il video Cortocircuito, presentato a Casa Masaccio nel 2006, dove uomini massicci si trasformano in cinguettanti uccellini.

Nello snodarsi di un percorso fra ombre e luci, Around the house approfondisce un bisogno e dà forma ad un desiderio: quello di "fare casa" dovunque ci si trovi, per imparare a convivere con i molti noi stessi e con i dubbi destinati a rimanere irrisolti, costruendo con ostinata leggerezza una trama sottile ma flessibile di squilibri contenuti, sorretti dall'unica certezza che non esiste la verità ma le verità, e che chiunque creda in una sola verità reca in sé il germe della pazzia.


 

Around the house
Dal 19 aprile al 18 maggio 2008
Casa Masaccio Centro per l'Arte Contemporanea
Corso Italia, 83
52027 San Giovanni Valdarno
Orari: feriali 16/19 festivi 10/12 - 16/19 lunedì chiuso
ingresso: gratuito
Tel. 055 9126283
www.casamasaccio.it
www.generacomunicazioni.tv

 

(fonte: Exibart.com )

(fonte: Exibart.com )

inaugurazione domenica 20 aprile | ore 12,00 | a cura di cornelia lauf | palazzina dei giardini, galleria civica | modena


La Galleria Civica di Modena è lieta di annunciare la mostra di Heimo Zobernig (1958, Mauthen, Carinzia), prima personale in un museo italiano dell'artista austriaco. Organizzata e prodotta dalla Galleria Civica di Modena e dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Modena, la rassegna inaugura domenica 20 aprile alle ore 12,00, presso la sede espositiva della Palazzina dei Giardini in corso Canalgrande a Modena, ed è curata da Cornelia Lauf, curatrice indipendente ed editor dell'artista.

La mostra Heimo Zobernig è emblematica della poetica dell'artista austriaco, punto di riferimento nel panorama europeo, e ne ripercorre la personale vicenda creativa. Dopo l'esordio artistico nel teatro e nelle arti performative, Zobernig crea, a partire dalla metà degli anni Ottanta, quadri e sculture a carattere geometrico astratto, essenzialmente rivolti a tematizzare il linguaggio figurativo. Il carattere oggettuale delle sue sculture comunica la sua poetica personale volta alla riduzione delle forme e interessata alle potenzialità dell'astrazione. Con una precisione quasi scientifica, Zobernig analizza i presupposti della creazione artistica e porta avanti una propria analisi critica sul potenziale dell'arte figurativa attraverso una pluralità di mezzi espressivi.

A Modena Heimo Zobernig presenta due progetti: uno dei suoi peculiari "blue box", creato espressamente per gli spazi espositivi della Palazzina dei Giardini, e l'installazione di due dei suoi libri d'artista, Atlas e Die Kunst der Enzyklopädie. In mostra anche precedenti video e installazioni dell'artista.

Il "blue box" è un dispositivo impiegato per le produzioni televisive. Crea un effetto ottico attraverso il quale lo sfondo che si intende colmare con un altro contenuto, se pitturato di blu, scompare per poi essere sostituito da altro materiale video in fase di montaggio. In questo modo emerge uno spazio negativo-positivo, l'invisibile si rende visibile.
Il "blue box" presentato a Modena è una struttura costruita con travi d'acciaio, impiegate normalmente nelle impalcature, ricoperta al suo interno da un reticolato blu di fattura industriale, sulla cui parete di fondo è proiettato un video. I materiali della struttura alludono all'impalcatura e al tessuto che recentemente ricoprivano la facciata della Palazzina durante la sua ristrutturazione: l'esterno è quindi proiettato al suo interno, pratica artistica che Zobernig ha da sempre favorito, stabilendo nuove connessioni tra l'oggetto e il suo contesto ed alterando la percezione dello spazio.

Atlas è una serie di 30 collages di immagini tratte da riviste scientifiche e testi di geografia, di figure astratte, di mappe, di carte e di grafici. Il libro rende evidenti problematiche legate al concetto di scala e rapporti dimensionali per porre in discussione la capacità dei simboli e dei segni di indicare la effettiva sostanza del reale.
Die Kunst der Enzyklopädie, ideato in collaborazione con il poeta scrittore austriaco Ferdinand Schmatz, è uno studio quasi scientifico, che interroga in chiave ironica sia il senso di qualsiasi analisi critica, sia la effettiva possibilità di una reale rappresentazione figurativa. Attraverso un'ampia gamma di testi ed illustrazioni, il linguaggio scritto e figurativo sono messi in discussione in quanto medium e ne vengono sondate le reciproche interrelazioni, gli effetti e le rispettive differenze.


 

Heimo Zobernig
Dal 20 aprile al 20 luglio 2008
dal 20 aprile al 1° giugno 2008: da martedì a domenica 10,30-13,00; 16,00-19,30
dal 3 giugno al 20 luglio 2008: da martedì a domenica 17,00-22,00
lunedì chiuso
ingresso gratuito
Palazzina dei Giardini
corso Canalgrande, Modena
Galleria Civica di Modena, c.so Canalgrande 103, 41100 Modena
tel.+ 39 059.2032911/2032940
www.comune.modena.it/galleria

Immagine: Heimo Zobernig, Senza Titolo, 2008, prova digitale

 

(fonte: Exibart.com )

È QUI LA FESTA!
La design week di Milano si apre quest'anno galvanizzata dalla vittoria per l'Expo 2015. Tra smog eco-passizzato, colori, timori nascosti e speranze ostentate, la capitale meneghina si trasforma. Per sei giorni sarà una immensa festa di persone e design. Che mobilitano una quantità impressionante di business e creatività... [leggi]

fino al 27.IV.2008
Jan Saudek
Milano, Pac
Sublime e sanguigno Saudek. Con le sue immagini ci accompagna nell'assurdo dell'esistenza umana. E la vita diventa una poesia convulsa, orchestrata con una lucida messa in scena. Mentre nello stesso edificio va in scena un altro gigante dello scatto, Witkin... [leggi]

fino al 5.V.2008
Art Nouveau onder de laatste tsaren
Amsterdam, Hermitage
Era il gusto della borghesia spregiudicata ed entusiasta del progresso industriale. Ma i virtuosismi sinuosi dell'Art Nouveau affascinarono anche chi borghese non lo era affatto. Il tutto nella sede ancora incompleta dell'Ermitage olandese... [leggi]

fino al 29.IV.2008
Bianco-Valente
Napoli, Alfonso Artiaco
Mappature reali e simboliche. Relazioni che intercorrono tra i piccoli frammenti del nostro essere. Un intero spazio per disegnare la complessità dell'esistenza. Alla ricerca della materia prima insita in ognuno di noi... [leggi]

in fumo_vitamina f
L'Odissea di Tank Girl
La tormentata vita editoriale. Una trasposizione cinematografica censurata per metà. E la rinascita -forse sarebbe meglio definirla sopravvivenza- grazie ai libri. Tank Girl è questo e molto altro... [leggi]

fino al 30.IV.2008
Fabio Paleari
Torino, Guido Costa Projects
La love story estrema e contraddittoria fra Kate Moss e Pete Doherty. Fissata in immagini in bianco e nero. Sullo sfondo, l'East End londinese. Il tutto immortalato dagli scatti dell'imprevedibile Paleari... [leggi]

fino al 30.IV.2008
Giovanni Albanese / Franco Silvestro
Roma, Galleria Il Ponte
Gioco di assemblaggi ironici, mondi fittizi, plasticità surreale. La dimensione ludica sa attrarre a sé due artisti che intercettano in uno spazio la virtù dell'ironia, del sorriso, dell'infanzia. Gli sguardi ingenui si posano... [leggi]

fino al 30.IV.2008
L'Arca
Bari, Marilena Bonomo
Un curioso serraglio, per un caos tutto estetico. Nella pionieristica galleria barese, un gioco-pretesto linguistico diventa spunto tematico. Animali d'ogni specie raccolti in un'Arca contemporanea. Grazie all'apporto di artisti storicizzati ed emergenti... [leggi]


 

(fonte: Exibart.com )

inaugurazione sabato 19 aprile 2008 | ore 17 | a cura di franco batacchi, verena neff, theo schneider | castel pergine | pergine valsugana (tn)


Sabato 19 aprile 2008 inaugurerà la sedicesima esposizione monografica di scultura a Castel Pergine, consueto appuntamento con l'arte contemporanea in un suggestivo ambiente medievale, in una regione - il Trentino Alto Adige - che sempre di più sta diventando protagonista in tal senso.

La mostra, Santorossi-Egologo, è un progetto site specific che raccoglie 40 installazioni inedite dell'artista che andranno ad invadere con forza straniante i luoghi "abituali" dell'arte al Castello per tutta l'estate 2008, sino a novembre. Enormi gigantografie sulle pareti delle torri fanno allusione alla pubblicità onnipresente, stelle metalliche straniano la natura, composizioni geometriche coloratissime cambiano l'orizzonte: una spettacolare messa in scena di un'avventura esistenziale e artistica che corre sul filo della riflessione. Pubblicità, psicoterapia, un cocktail coinvolgente e sorprendente, una caccia al tesoro tra desiderio e morte, ironia e gioco: un dialogo creativo con il visitatore. Santorossi qui è pittore, scultore, designer, regista.È artista poliedrico ed energico al quale più di una definizione si addice.


 

Santorossi-Egologo
Dal 19 aprile al 9 novembre 2008
Castel Pergine, Via al Castello 10, 38057 Pergine Valsugana (TN)
telefono 0461 53 11 58
telefax 0461 53 13 29
www.castelpergine.it
verena@castelpergine.it
Orario di apertura: da martedì a domenica dalle 10 fino alle 22.00; lunedì dalle 17.00 alle 22.00
Ingresso Gratuito
Informazioni: www.santorossi.it
Comunicazione: CULTURALIA www.culturaliart.com


 

(fonte: Exibart.com )

inaugurazione sabato 19 aprile 2008 | ore 18:30 | a cura di alberto zanchetta | dellapinaartecontemporanea | pietrasanta


Paul Valéry: «Niente giustizia senza spettatori. Il massimo della giustizia può esserci dunque solo nella valle di Josaphat, di fronte al massimo possibile di spettatori. È il pubblico che conta, non il processo».

Cristina Campo: «Che la valle di Giosafat, il teatro degli estremi responsi evocato da Gioele, sia in realtà una modesta conca a est di Gerusalemme traversata dal filo delicato del Cedron, ciò non è meno terrificante di quel "rotolo avvolto" al quale, con procedimento inverso, riducendolo al cerchio di dieci dita, Gioele stesso assimila gli inconcepibili cieli nell'ora in cui lo spazio avrà fine».

Secondo il profeta Gioele, la valle di Josaphat/Giosafat - il cui nome significa "Il Signore giudica" - è il luogo dove tutte le genti saranno giudicate.
Connessa al tema della vanitas, la mostra intende stabilire un'equivalenza tra le opere degli artisti e alcuni significativi oggetti di design (nelle nature morte del Seicento i significati allegorici sulla transitorietà delle cose terrene o sulla inevitabilità della morte erano affidati all'uso di oggetti, ai quali era attribuita una connotazione simbolica), creando un'osmosi tra la mania del collezionismo più colto e il nostro quotidiano "attaccamento alle cose". In quest'ottica le opere degli artisti e dei designer potranno farci riflettere sulla fragilità dell'esistenza e sull'intimo rapporto che abbiamo con la realtà.

Associato al carattere effimero e alla vacuità delle cose terrene, il concetto della vanitas ha come emblematico indizio la presenza del teschio, spesso e volentieri messo in relazione con libri o cartigli che racchiudono lo scibile umano (quello della morte è un sapere di cui solo l'uomo è reso partecipe). Or dunque, in un dipinto di Giovanni Manfredini ritroveremo il calco di due mani mentre sorreggono, in atteggiamento votivo, un vecchio libro su cui figura l'effige del teschio, esplicito rimando al memento mori e al "tema della vita" che da sempre intride la ricerca dell'artista. Il vassoio mao mao di Massimiliano e Doriana Fuksas - una sottilissima lamina di acciaio piegata che ricorda il razionalismo del brutal-design e l'austerità della scultura minimalista - farà invece da "plateau" ad un'imminente decapitazione, preambolo alla comparsa del suddetto teschio. Un'ascia, che Nicola Bolla ha incastonata di gioielli Swarovsky, starà a indicare l'arma del boia così come i temporalia che la morte ci porta via. L'esuberante sfavillio della scure, di un bianco cristallino solo in apparenza innocuo/innocente, si pone dunque in antitesi con le forme sobrie e povere del vassoio color rosso sangue, quasi volesse prefigurare l'imminente esecuzione.
Altro elemento caratteristico è il vaso con i fiori, inteso a simboleggiare la brevità e la fragilità dell'esistenza. Il celebre vaso Savoy di Alvar Aalto e la New Wave di Ross Lovegrove (le cui forme topologiche si ispirano rispettivamente al paesaggio dei laghi e alla risacca del mare) fungeranno da monito: privati dell'acqua, e senza la presenza icastica dei fiori, diventeranno oggetti scabri e perturbanti. Un quadro di Luigi Carboni presterà allora le sue forme ai decori della natura con una maglia intricatissima di infiorescenze che restituiscono vitalità e varietà al mondo vegetale, sfarzosità che sarà però confutata dal luttuoso nero-pece che ricopre la superficie del dipinto.
Poiché vacuità e amor proprio sono temi che si corteggiano, non poteva mancare la presenza di uno specchio; la vanità è infatti generalmente raffigurata come una donna ignuda che si pettina davanti a uno specchio. La silhouette della specchiera Milo di Carlo Mollino, ripresa dalla Venere di Milo, è l'esasperazione del guardare e dell'essere guardati, con il corpo ridotto a nudo torso-lo umano, senza braccia e gambe, ma soprattutto (e in contiguità con le precedenti opere) senza testa. Allo stesso modo, Maurizio Cannavacciuolo pone l'accento sulla precarietà delle cose e sulla continua trasformazione della loro identità attraverso le nostre interpretazioni; l'artista magnifica i dettagli che affollano la realtà di tutti i giorni fino a farne motivi decorativi, mettendoli poi alla berlina con un'arguta ironia.
In questa con-fusione tra arte e design, le sculture di Adriano Persiani tendono a dissimulare la foggia dei mobili e dei complementi d'arredo introducendovi dei caratteri sessuali... quell'erotismo che Bataille riteneva essere un tutt'uno con la morte. Sedie e tavoli sono quindi interpretati da Persiani attraverso l'uso di materiali banali, in un surrettizio gioco di rimandi ed allusioni.
La miscellanea di opere e di oggetti volge al termine con il romanzo Der Tod in Venedig di Thomas Mann. L'idea del transeunte è qui incarnata dal giovane Tadzio (nel libro sono stati sottolineati tutti i passi che lo descrivono), "oggetto del desiderio" che induce Gustav Aschenbach a un terribile epilogo. Mors omnia vincit?

NICOLA BOLLA è nato a Saluzzo nel 1963, vive e lavora a Torino
MAURIZIO CANNAVACCIUOLO è nato a Napoli nel 1954, vive e lavora a Cortona
LUIGI CARBONI è nato a Pesaro nel 1957, dove vive e lavora
GIOVANNI MANFREDINI è nato a Pavullo nel 1963, vive e lavora a Bazzano e Milano
ADRIANO PERSIANI è nato a Bologna nel 1972, vive e lavora a Bologna
mao mao, Milo, New Wave, Savoy courtesy collezione deposito arte Alberto Zanchetta


 

Josaphat
NICOLA BOLLA alvar aalto MAURIZIO CANNAVACCIUOLO, massimiliano & doriana fuksas LUIGI CARBONI ross lovegrove, GIOVANNI MANFREDINI carlo mollino ADRIANO PERSIANI + thomas mann
Fino al 31 maggio
Galleria DELLAPINAARTECONTEMPORANEA
Piazza Duomo 11 - Pietrasanta (Lucca)
www.dellapinaarte.com

 

14.04.2008

(fonte: Exibart.com )

venerdì 18 aprile 2008 | anteprima stampa ore 11:00 | inaugurazione ore 18:00 | fondazione prada | milano


La Fondazione Prada è lieta di annunciare la sua prossima mostra, dedicata all'artista Nathalie Djurberg (Lysekil, Svezia, 1978), che si terrà in via Fogazzaro 36 a Milano, dal 19 aprile al 1 giugno 2008.
Il progetto concepito appositamente per gli spazi della Fondazione Prada, consiste in una serie di modelli che ricordano parti del corpo umano o alludono a simboli universali. Alcuni modelli diventano anche padiglioni dove sono proiettati video della celebre artista svedese che rappresentano desideri irresistibili e pensieri erotici di tipo possessivo.
I video della Djurberg, brevi film d'animazione creati con la tecnica dello Stop Motion, si contraddistinguono per la presenza di figure di plastilina che muovendosi creano una narrazione dai toni surreali e spesso grotteschi. Si tratta di storie il cui set è costruito in modo rudimentale ma ingegnoso dall'artista stessa e che grazie ad un gioco di reminescenze sessuali, di richiami al macabro, al violento e al piacere sottile per il crudele e il vagamente depravato, suscitano sensazioni ambigue, di ansia e malessere.
Le opere della Djurberg sono caratterizzate da un ritmo ossessivo e se pure permeate da un gusto per l' ironico e l'umoristico, trasmettono un senso di inquietudine, di nostalgia, di disagio, se non a volte di vera e propria angoscia. Una sensazione rafforzata dalla musica che accompagna tutti i lavori dell'artista ed opera dal giovane compositore svedese Hans Berg.
Nathalie Djurberg vive e lavora a Berlino e si è affermata negli ultimi anni come una delle principali artiste svedesi della nuova generazione, nonché una fra le più attive sulla scena internazionale. Ha partecipato all'ultima edizione di Performa a New York (2007); ha presentato mostre personali al Kunsthalle Wien di Vienna (2007) e alla Färgfabriken di Stoccolma (2006) e suoi video sono stati proiettati, tra gli altri, alla Tate Britain di Londra (2007), al P.S.1 Contemporary Art Center di New York (2006) e alla 4a Biennale di Arte Contemporanea di Berlino (2006).
La mostra sarà accompagnata da un libro a cura di Germano Celant, edito da Progetto Prada Arte.


 

Nathalie Djurberg. Turn into me
Dal 19 Aprile al 1 Giugno 2008
Orario: Martedì - domenica, ore 11 - 20, chiuso lunedì
Ingresso: Libero
Fondazione Prada
Via Fogazzaro 36, Milano
Publicazione: Progetto Prada Arte
Informazioni: Fondazione Prada, tel. +39 02 54670515, fax +39 02 54670258
www.fondazioneprada.org
info@fondazioneprada.org
Ufficio stampa: Fondazione Prada tel.+39 02 54670981, fax +39 02 54670258
press@fondazioneprada.org
International Communication and Press:
Alessandra Bognetti, ph. 0044 (0) 786 7788554
internationalpress@fondazioneprada.org

 

(fonte: Exibart.com)

(fonte: Exibart.com)

fino all'11.V.2008 Brian Eno & Mimmo Paladino Roma, Ara Pacis Dieci anni fa nasceva il connubio Eno-Paladino. Nel sotterraneo della Roundhouse di Londra, il tempio del rock. Ora approda sotto l’antico altare “incapsulato” da Richard Meyer. Tra luci e ombre, installazioni e suoni. Con lo zampino della fotografia...

Opera per l’Ara Pacis è un’opera site specific modellata dal ruolo determinante della luce, in un continuo passaggio dal flusso luminoso, che accarezza e non aggredisce i lavori, all’oscurità. Un viaggio visivo e sonoro attraverso le sperimentazioni di Brian Eno (Woodbridge, 1948) con le sue “scorribande e il nomadismo tra i rumori della vita e la tecnologia” -come afferma Bonito Oliva, uno dei curatori della mostra- e le sculture migranti di Mimmo Paladino (Paduli, 1948; vive a Paduli e Milano). “L’Ara Pacis dovrebbe celebrare la pace dopo la guerra, in realtà qui non c’è stata guerra, ma un felice conflitto tra linguaggi -arte e musica- per approdare ad un armistizio”, continua Bonito Oliva. “Da una parte Paladino con una sorta di O perfetto di Giotto, plastico e tridimensionale, ci avverte che al di sotto c’é un’arte contemporanea sotterranea che fermenta e che dà una funzionalità diversa al passato. Brian Eno ha ben recintato in maniera stereofonica lo spazio in cui avviene l’apparizione dell’opera di Paladino, sviluppando anche un’integrazione con l’opera antica: con un po’ di attenzione potrete ascoltare voci che nominano i fiori che sono scolpiti sui reperti dell’altare”. Un’atmosfera solenne, a tratti cupa ma sempre raffinatissima, pervade lo spazio del seminterrato, dominato dalla grande installazione Treno. La memoria rimanda alle antiche cripte con le loro sepolture, come pure al deposito di un museo archeologico (prendendo in prestito, stavolta, il suggerimento di un altro curatore, James Putnam). Paladino, che per l’Ara Pacis nella nuova versione di Richard Meyer ha ideato il grande mosaico realizzato da Costantino Buccolieri, è da sempre interprete dei materiali poveri che, in questo contesto, si concretizzano nella terracotta, nel legno, nel bronzo, nel ferro con la patina di ruggine. Costruita nel suo studio di Paduli, la struttura metallica di Treno è poi stata trasportata nel laboratorio di ceramica di Faenza. Nel forno, a temperature altissime, l’argilla si fonde con il metallo, dando luogo a un insieme unico, modulato dalla forma dei corpi accoccolati in posizione fetale sparsi tra i residui della civiltà moderna: forme di scarpe, cappelli da uomo, tegole, fucili. Quanto al musicista inglese che, ricordiamo, ha una formazione accademica in pittura, malgrado abbia lavorato al progetto attraverso la mediazione delle fotografie di Ferdinando Scianna -chiamato a documentare iconograficamente l’installazione-, è riuscito perfettamente nell’intento di “animare” la scultura, “liberando qualcosa di profondamente sepolto in essa”, come afferma Putnam. “Eno utilizza il pianoforte preparato e talvolta sovrappone suoni improvvisi e frammenti parlati che sono messi in ‘loop’”, continua il curatore, “e che dissolvono e assolvono, sono rallentati o velocizzati, amplificati o attenuati fino a risultare dei sussurri”. Insomma l’Ara Pacis è un’“Ara Artis”, come spiega in ultima battuta Abo: “Un luogo di coniugazione, armistizio, duello linguistico tra due artisti di confine, un flusso in cui le arti ristabiliscono fra di loro un matrimonio morganatico”. articoli correlati Brian Eno alla grotta di Seiano Mimmo Paladino alla Galleria Civica di Modena manuela de leonardis mostra visitata il 10 marzo 2008   dal 10 marzo all'undici maggio 2008 Mimmo Paladino & Brian Eno - Opera per l'Ara Pacis a cura di Achille Bonito Oliva, James Putnam e Federica Pirani Museo dell’Ara Pacis Lungotevere in Augusta (zona piazza Augusto Imperatore) - 00186 Roma Orario: da martedì a domenica ore 9-19 Ingresso: intero € 6,50; ridotto € 4,50 Catalogo Gli Ori Info: tel. +39 0682059127; info@arapacis.it; http://www.arapacis.it/