(fonte: Exibart.com)

(fonte: Exibart.com)

inaugurazione 10 novembre | dalle ore 18.00 alle 22.00 | zona tortona | milano


Più di 20 location e gallerie tutte insieme con-temporaneamente.
Personali, collettive, installazioni, performance.
Un inedito e innovativo panorama dell'arte oggi.

CON)TEMPORARY ART è il circuito di arte con-temporanea che riunisce due volte all'anno, in novembre e in occasione di MiArt, le location e alcune gallerie del quartiere più creativo di Milano, via Tortona e dintorni, proponendo un ricco calendario di personali, collettive, installazioni, performance, musica live, party, incontri con gli autori, eventi speciali "one shot".

(CON)TEMPORARY ART è la manifestazione che trasforma la zona Tortona, già nota per i grandi eventi di moda e design internazionale, nel quartiere dell'arte temporanea coinvolgendo tutta la cittadinanza in un'esperienza unica, diretta, non codificata o contenuta in spazi canonici.

Dopo il grande successo di pubblico (8000 visitatori, 244 artisti in 28 location), di critica e stampa ottenuto sin dalla prima edizione nella settimana di MiArt 2008, torna a novembre il secondo appuntamento annuale con (CON)TEMPORARY ART.

Una settimana di sperimentazione, di emozione, convivialità e di condivisione che vuole promuovere la giovane arte in modo innovativo, con un'azione di "Temporary Art", inserendo per brevi periodi all'anno in più di 20 location progetti curatoriali (curatori che presentano artisti mediante progetti site specific) che rappresentino nuove espressioni e nuovi sviluppi nell'ambito delle arti visive.

Non solo arte giovane di qualità, ma anche arte accessibile ai nuovi talenti della contemporaneità, ai giovani collezionisti e al grande pubblico con una fitta agenda di mostre ed eventi ad ingresso libero, per un'intera settimana ad orario continuato.

Dal grande Art Point con impatto museale che ospita come special guest Omar Galliani, già celebrato da Biennali internazionali e musei del mondo, alle più piccole location da scoprire nei vecchi cortili delle vie con i loro show di giovani talenti, agli immaginifici spazi dell'art-hotel Nhow con la sua mostra di puro amore ("Pure Love"), al suggestivo Basement, rifugio anteguerra della ex-General Electric, che presenta una successione di mostre diverse, al Teatro Libero che aderisce con uno spettacolo e una mostra fotografica, all'occasione di visitare la Fondazione Pomodoro, per finire (o cominciare) davanti all'art-window temporanea di Coin di Piazza Cantore, (con)TemporaryArt cerca di soddisfare tutte le curiosità, di catturare all'arte nuovi adepti e nuovi collezionisti.

Il progetto prevede il coinvolgimento degli studenti dell'Università Cattolica del Sacro Cuore di Milano, in qualità di art assistant, analogamente a quanto già sperimentato con successo nella prima edizione con gli studenti IED.

(CON)TEMPORARY ART è un progetto di Gisella Borioli | Associazione M.A.T. (Milano Altri Talenti), con il patrocinio e il contributo del Comune di Milano, Cultura e del Comune di Milano Consiglio Di Zona 6.


 

(CON)TEMPORARY ART
dal 10 novembre al 16 novembre 2008
10 novembre, ore 18.00-22.00 vernissage del circuito
11-16 novembre, ore 16.00-20.00
ingresso gratuito
Radio-bus ATM a disposizione dei visitatori di (con)Temporary Art il giorno 10 novembre dalle ore 18 alle 22. Partenza dal piazzale di Superstudio Più, percorso a tappe.
PROGRAMMA COMPLETO SUL SITO www.con-temporaryart.it

Ideatrice del progetto e Direttore Artistico: Gisella Borioli
Direzione organizzativa, Comunicazione e Ufficio stampa (CON)TEMPORARY ART:
Chiara Ferella Falda
tel +39 02422501 fax +39 02475851
cell. 335 1080528
info@con-temporaryart.it
Si ringraziano gli studenti dell'Università Cattolica del Sacro Cuore, Print it! per i totem in esterno che segnalano le singole mostre, ATM per la navetta, Televisionet.tv per la copertura video dell'evento, COIN per le magliette fornite allo staff disegnate dall'artista Ivan Tresoldi, Slide per gli arredi, Hortensia per le composizioni floreali.
 

(fonte: Exibart.com)

inaugurazione del libro e della mostra il 4 novembre | dalle 18.00 | galleria allegretti contemporanea | torino


La Galleria Allegretti Contemporanea propone al pubblico un omaggio a Daniel Spoerri, celebre artista svizzero, nonché membro fondatore della corrente francese del Nouveau Réalisme, presentando un lavoro storico mai esposto prima d'ora nella sua totalità: La catena genetica del mercato delle pulci.
Accrochage di migliaia di oggetti acquistati in trent'anni da Spoerri al Marché aux Puces di Parigi, La catena genetica del mercato delle pulci è un'opera unica, un fregio lungo 100 m, suddiviso in pannelli di 2.5m ciascuno.
40 tableaux-pièges, quadri-trappola, sui quali l'Artista ha assemblato oggetti di qualsiasi genere che, esposti perpendicolarmente alle pareti della Galleria, assumono l'aspetto di un insolito bassorilievo. Seguendo un tema preciso, dal banale all'insolito, Spoerri li sceglie, li accosta, li mischia, in un complesso processo che coniuga arte e vita, per raccontare una storia che lui solo conosce e che ognuno può reinterpretare.
In concomitanza con l'inaugurazione, il 4 novembre alle ore 18.00 sarà presentato il libro di Matteo Rondanelli "Lo Spoerri di Spoerri" , la prima raccolta completa degli scritti di Daniel Spoerri, relativi al suo lavoro e ai momenti importanti della sua vita.
Curato direttamente dall'Artista, rappresenta un documento unico nel suo genere che raccoglie i frammenti di un'anima, descrive un'esistenza, diventando esso stesso un'opera d'arte. Vissuta con dolore, turbamento, ma anche violenta voglia di esistere, è una performance consapevole che unisce Spoerri alla sua arte, dalle opere agli scritti.
La mostra prevede, infine, l'esposizione dei Gioielli di Daniel Spoerri, ideati dall'Artista stesso a Valenza, presso il laboratorio Disegno Emme Jewellers, di Mirco Baroso e Matteo Rondanelli. I gioielli sono stati realizzati in argento e pietre preziose da modelli che Spoerri ha creato ispirandosi alle sue sculture (in mostra dal 4 novembre al 10 gennaio 2009).
Daniel Spoerri, nato a Galati, in Romania, nel 1930, oggi vive e lavora fra Vienna e Seggiano, dove ha sede la Fondazione da lui creata Il Giardino di Daniel Spoerri: Hic Terminus Haeret, un'opera ambientale di grande respiro nella Toscana meridionale, a circa 80 km a sud di Siena, che l'Artista ha cominciato a installare dall'inizio degli anni '90.
Un parco di sculture che attualmente ospita un centinaio di opere di 42 artisti diversi, da scoprire in un terreno di ca. 16 ettari, seguendo un percorso che si snoda senza una precisa definizione fisica, rivelando a mano a mano la presenza delle sculture che, confuse nello spazio naturale o celate nel rigoglio della vegetazione, compaiono e scompaiono in un altalenare di sensazioni fra la sorpresa e l'incantamento.
Visitabile da Pasqua fino al 31 ottobre, al suo interno, oltre a un piccolo ristorante il cui nome Non solo Eat Art si riferisce ai meriti di Daniel Spoerri con la Eat Art, è possibile pernottare affittando uno degli appartamenti messi a disposizione dalla struttura.


 

Daniel Spoerri. La catena genetica del mercato delle pulci
dal 4 novembre al 10 gennaio 2009
4 novembre alle ore 18.00 presentazione del libro "Lo Spoerri di Spoerri"
a cura di Matteo Rondanelli per le Edizioni Mercurio
4 novembre alle ore 19.00 inaugurazione alla presenza dell'Artista
a cura di Guido Curto
In concomitanza con la mostra, l'esposizione dei Gioielli ideati dall'Artista a Valenza presso il laboratorio Disegno Emme Jewellers
a cura di Mirco Baroso e Matteo Rondanelli
Catalogo disponibile in Galleria.
Nel corso della mostra sarà disponibile un video realizzato durante la permanenza dell'Artista in Galleria.

Galleria Allegretti Contemporanea
Apertura: dal martedì al sabato dalle 15-00 alle 19-00
Via San Francesco D'Assisi n. 14 - 10122 Torino
Tel. 011.50.69.646 - Fax. 011.55.38.799
info@allegretticontemporanea.it
www.allegretticontemporanea.it

 

inaugurazione sabato 8 novembre 2008 | dalle ore 20 alle 24 | durante Saturday Night Art Fever | 41artecontemporanea | torino
inaugurazione giovedì 13 novembre 2008 | ore 18,30 | ciocca arte contemporanea | milano


La 41 artecontemporanea e la galleria Ciocca Artecontemporanea sono liete di presentare una doppia personale di Andrea Massaioli. La mostra si articola in due spazi espositivi nei quali l'artista definisce due ambienti, due sguardi complementari che concorrono ad esprimere una visione unitaria intorno ad un universo complesso e multiforme. In entrambi gli spazi il disegno eseguito a pastello sul muro diventa elemento conduttore che ramificandosi unisce tra loro opere eterogenee per tecnica e materiali, quali acquerelli, ceramiche e pitture e ne rivela la comune matrice organica e "mitologica". Il titolo della mostra Primordium identifica il terreno ancestrale in cui prendono corpo forme e figure, è il momento originario nel quale l'artista rintraccia le direzioni delle energie sprigionate dall'incontro degli elementi e dalle loro fusioni, organiche e culturali, sacre e profane, terrene o simboliche.

Primordium . un progetto in due luoghi di Andrea Massaioli
"La grande spirale disegnata da Andrea Massaioli con un pastello rosso sul pavimento della galleria Ciocca e con uno blu sul soffitto della 41 artecontemporanea, collega le due installazioni complementari realizzate a Milano e a Torino. Il rosso e il blu rimandano rispettivamente alla terra e al cielo ed il disegno della spirale si addentra nel tema della forza primordiale della vita, collegando in un sistema più ampio il progetto dell'artista. Simbolo dal fascino universale, testimoniato dal passaggio attraverso diverse culture, la spirale evoca misteriose assonanze alla psiche umana. Forma ricorrente in natura, è probabilmente il primo simbolo sacro scoperto nelle grotte di età preistorica. Nell'iconografia popolare la spirale veniva associata al grembo femminile della Dea Madre, come rappresentazione del flusso ciclico di energia incorporato nel principio del femminile.[.]
Insieme ai vari simboli pagani, nelle nuove opere di Massaioli sono presenti immagini ricorrenti come la Colomba, il Giglio e l'orecchio, che si riferiscono all'iconografia cristiana dell'Annunciazione come veniva rappresentata nei quadri del Medioevo e del Rinascimento.
In particolare è forte il rimando alla nozione del conceptum per aurem, (l'annuncio del concepimento "sovrannaturale" di Cristo, portato dall'angelo Gabriele e sussurrato all'orecchio di Maria) che trova un parallelismo nella storia di Adamo ed Eva contenuta nella Genesi.[.]
La giustapposizione di immagini pagane e cristiane che percorre il progetto di Massaioli crea un forte dialogo tra sacro ed profano.
'Primordium', il titolo di questo progetto, potrebbe alludere alla teoria dell'evoluzione e alle prime fasi di sviluppo delle forme vitali - creature primitive, primordiali, comprese le lumache, i molluschi, i serpenti e i vermi, che Massaioli pone in parallello con il cervello e gli organi sessuali. Essi simbolizzano l'energia originaria e rigenerante della natura - umide, vigorose e fertili. Le sue immagini di forme animali ibride e frammentarie diventano dei totem capaci di suggerire la similitudine fra l'anatomia degli animali e degli esseri umani, come la figura del pene-pesce, oppure di proporre una sorta di istinto parallelo o perfino di coscienza parallela.[.]
La rappresentazione che Massaioli propone delle lumache intrecciate richiama il simbolo sacro del serpente che divora la propria coda, l' oureborus, (dal greco "divoratore di coda"), usato in molte culture antiche e negli studi d'alchimia, per esprimere sia l'unità sia l'infinità. Questa raffigurazione rappresenta la ciclicità e l'eterno ritorno, qualcosa che si ricrea continuamente, come la natura che si rigenera attraverso un processo perpetuo di auto-consumo.
Queste considerazioni rientrano nella nozione di primordiale dell' attuale lavoro di Massaioli: qualcosa che esisteva all'inizio del tempo, o che persiste da allora, con forze o qualità tali da non potersi estinguere. Il suo progetto esprime il concetto della dualità insito nella natura delle cosa e come questi opposti non siano in conflitto fra loro. Illustra inoltre il dialogo tra l'iconografia pagana e quella cristiana e l'idea di un intermediario fra uomo e divinità. Il senso di dualità che pervade l'opera di Massaioli rende ancora più appropriata la scelta delle due installazioni site-specific parallele, nelle gallerie di Milano e Torino; il rosso della terra ed il blu etereo delle spirali disegnate alludono ai movimenti, verso il basso e verso l'alto, della psiche umana . verso l'unirsi del conscio e l'inconscio nella mente.

James Putnam, London, October 2008


 

41 artecontemporanea
31 gennaio 2009
orario dal martedì al sabato dalle 15 alle 19
mattino e lunedì su appuntamento
via mazzini 41, torino
tel/fax +39.0118129544
www.41artecontemporanea.com


 

(fonte: Exibart.com)

(fonte: Exibart.com)

inaugurazione 5 novembre 2008 | ore 18.00 | a cura di emanuela genesio | ikebò | torino


Il poliedrico artista, impegnato nella competizione del Rally dei Faraoni che si è svolto dal 5 all'11 ottobre, ha percorso più di 3.000 chilometri divisi in sette prove speciali con la sua Beta 525, insieme ad altri 200 piloti provenienti da tutto il mondo. La mostra, curata da Emanuela Genesio e inserita nel calendario delle manifestazioni di Contemporary, presenta 20 opere nate concettualmente durante la competizione nel deserto egiziano e una scelta di immagini scattate al termine di ogni tappa del Rally.
Le sculture, realizzate da Maggia al suo ritorno con gli elementi reperiti in loco, sono nate dalla riflessione sulla condizione di limite, inteso come esiguità di materiali che il contesto offre, condizioni psicologiche estreme e tempistiche rigide.
Il tempo trascorso nella solitudine del deserto, le emozioni (l'eccitazione e la paura, l'apprensione e l'entusiasmo, l'instabilità psicologica e la perseveranza dell'impegno), lo sforzo fisico estenuante, l'imprevedibilità degli eventi hanno costituito le basi con cui creare una serie di opere in un contesto non dissimile da una performance continua.

Della rocambolesca competizione rimane traccia nel blog curato da Emanuela Genesio per Exibart e sui siti www.carlomariamaggia.it e www.ikebo.it. Da questo diario quotidiano online citiamo qui di seguito una parte:
Prima di partire, in un vibrante incontro, l'artista ha lasciato trasparire i contrasti che lo abitano da quando ha deciso di sottoporsi a questa prova così impegnativa e importante. Nelle emozioni che trapelavano dai suoi gesti e dalle sue parole, la differenza tra la carica vitale (una sorta di caparbia incoscienza) e l'inquietudine intellettuale, tra l'eccitazione quasi infantile del viaggio e il dubbio chiaro (gli spilli acuti ma assunti di chi sa a cosa va incontro) non c'era differenza. Abbiamo parlato a lungo, una sorta di "backstage critico", nel quale annotavo con la maggior precisione possibile, i termini che comparivano a definire un progetto in cui la linea di separazione tra arte e vita perde di consistenza. Le emozioni sono parte di quel progetto, ne motivano la ragione, così come potrebbero divenire il soggetto unico, ultimo scopo non designabile razionalmente, ma perfettamente coincidente con la vita. Fino al fondo: un pericoloso mettersi in gioco che ha per posta il sopravvivere.
Dice Maggia: "in quelle condizioni, al cospetto del deserto e dei propri limiti, qualsiasi preparazione, premeditazione o allenamento, potrebbe non servire, non portare a nulla". Perciò la sua prima opera, il prologo, si vuole come uno specchio ambivalente, coprente e trasparente, opaco e riflettente. La maschera che copre gli occhi, accessorio indispensabile per poter vedere il cammino anche alla luce accecante o nei venti di sabbia e polvere, diventa metafora perfetta per iniziare un viaggio di cui nulla si può prevedere benché tutto il possibile si sia preparato. Omero era cieco. Dante, salito al bagliori del paradiso dopo la notte dei gironi infernali, rimane folgorato da una visione abbagliante. I poeti di tutti i tempi hanno giocato sulla metafora della visione per approssimarsi all'invisibile. Maggia reitera la riflessione che fu di chi si spinge oltre e pone una radiografia del suo corpo davanti ai suoi occhi. La fatica eccessiva degli allenamenti, gli ha posto problemi fisici; lui li ha accettati e quindi trasformati in creazione programmatica. Nel riconoscimento dei propri limiti, la delusione sarà meno bruciante, così come la soddisfazione, il valico dell'ostacolo prima insormontabile, più brillante.


 

Carlo Maria Maggia. The Pharaons Enduro Art Performance
dal 6 al 30 novembre
IKEBÒ
Piazza Cavour 2, 10123 - Torino, Italia
tel +39 01119700113 fax +39 011.19702589
dal martedì alla domenica 10.00 - 19.30 lunedì chiuso
www.ikebo.it
info@ikebo.it

 

(fonte: Exibart.com )

fino all'11 gennaio 2008 | presentata da FAI - fondo ambiente italiano e il MART, museo di arte moderna e contemporanea di trento e rovereto | scuderie di villa panza | varese


"Osserva con lo sguardo di un uomo che crede, e lo scheletro intimo di quelle cose per noi morte, perché immobili, gli si mostra nel suo aspetto più consolatorio, nel suo aspetto eterno". Così Giorgio de Chirico descriveva Giorgio Morandi nel 1922.

Varese da fine settembre ha organizzato una serie di iniziative per far conoscere le bellezze della città, definita "Città Giardino": tra queste la mostra voluta dal FAI, dal MART e dalla Protezione Civile Nazionale in accordo con la Provincia e il Comune di Varese, per rendere omaggio a uno fra i più importanti protagonisti dell'arte italiana del XX secolo, celebrato in questi giorni anche al Metropolitan Museum di New York.

La mostra rappresenta un'eloquente testimonianza del ruolo centrale che l'opera di Morandi ha esercitato nella storia dell'arte del Novecento e costituisce un'occasione importante per indagare e approfondire il complesso e affascinante mondo del collezionismo morandiano italiano.
L'esposizione intende porre l'accento sulla cerchia di intellettuali che costituirono la fortuna critica di Morandi e che lo sostennero in ogni occasione. Una rete di sodalizi profondi e caratterizzati da grandi affinità: artisti come Carrà, la "Scuola romana" e il gruppo di Corrente, filosofi e poeti tra cui Eugenio Montale e Giuseppe Ungaretti, collezionisti, estimatori e critici come Roberto Longhi, Cesare Brandi, Francesco Arcangeli.
In mostra un significativo gruppo di opere originariamente di proprietà di collezionisti storici, così definiti per aver sostenuto con passione e dedizione, oltre che con oggettiva tempestività, il lavoro del maestro. Il filo rosso che ha guidato la selezione delle opere è stata la definitiva destinazione pubblica di vari nuclei di queste collezioni, espressione di un mecenatismo illuminato grazie al quale alcuni tra i massimi capolavori dell'arte italiana sono divenuti di fruizione pubblica.
Di particolare interesse è la preziosa selezione di dipinti proveniente in origine dalle collezioni Giovanardi e Ferro, confluite poi al MART, di Lamberto Vitali, studioso e amico - autore del catalogo generale di Morandi - i cui principali pezzi, ora conservati nella Pinacoteca di Brera di Milano, sono esposti per l'occasione a Villa Panza. Sono inoltre presenti opere provenienti dalla Raccolta Antonio Boschi e Marieda Di Stefano delle Civiche Raccolte di Milano, dalla Collezione Adriano Olivetti, oggi nella Fondazione Telecom, dalla Raccolta Carlo e Nedda Grassi, conservata nella Galleria d'Arte Moderna di Milano e dipinti da collezioni private appartenuti in origine alle prestigiose collezioni Giuseppe Vismara.

I quadri provenienti dalle varie raccolte sono stati allestiti in una sequenza che accompagna il percorso stilistico dell'artista e nel contempo raggruppa i generi pittorici da lui praticati.
La mostra si apre con il preziosissimo autoritratto del pittore (Autoritratto, 1924) - sono pochissimi quelli realizzati dall'artista - e prosegue con uno dei primi paesaggi dipinti da Morandi nel 1911. L'artista dipinse per tutta la vita due sole vedute: quella urbana, dipinta dalla finestra della casa studio di via Fondazza a Bologna e quella campestre, che vedeva a Grizzana, paese appenninico dove era solito trascorrere le sue vacanze. In mostra il bellissimo dipinto che ritrae proprio il cortile di via Fondazza.

L'esposizione continua con il fondamentale nucleo delle nature morte, tema assai caro all'artista bolognese e definito dalla rivista fiorentina Voce "il dizionario del pittore e la sua grammatica".
Numerose le tele presenti in mostra, quali la Natura morta del 1928 ed altre opere che coprono un arco cronologico dalla fine degli anni Venti agli anni Sessanta. Chiude il ciclo l'ultima natura morta dipinta nel 1964 poco prima della sua morte: semplice e austera, caratterizzata da una pennellata liquida e scarna, a tratti brevi e irregolari, tipica dell'ultimo Morandi.
L'idea e le ragioni di questa mostra hanno fondamento in un progetto pluriennale di collaborazione scientifica ed espositiva tra Villa e Collezione Panza del FAI e il MART di Rovereto. A Villa Panza, che Giuseppe Panza di Biumo ha donato al FAI, la Fondazione ha deciso di perseguire un percorso rivolto allo studio e alla valorizzazione delle raccolte d'arte in particolare si è scelto di esplorare le intricate e affascinanti vicende del collezionismo del XX secolo.

La mostra è stata realizzata grazie al fondamentale contributo della Protezione Civile Nazionale, con il contributo e il patrocinio della Provincia di Varese, con il patrocinio della Regione Lombardia e del Comune di Varese. Grazie a BPU-Fondazione Banche Popolari Unite per Varese e in collaborazione con Varese 2008-UCI Road World ChampionShips. Sponsor tecnici: Arteria, Skira, Marsh e Axa Art.


 

Giorgio Morandi: Collezionisti e amici. 40 capolavori da Raccolte italiane pubbliche e private
Fino all' 11 gennaio 2009
Villa e Collezione Panza, Varese
Orari: 10 -18 (tutti i giorni escluso i lunedì non festivi). Ultimo ingresso ore 17.30
Ingresso (comprendente mostra, Villa e Collezione Permanente): adulti 10 euro, ridotti (bambini 4-12 anni) 5 euro; studenti fino a 25 anni 5 euro
Aderenti FAI: 2 euro. Sono previsti laboratori didattici per le scuole con biglietti da 3 a 5 euro a seconda del percorso scelto
La mostra sarà accompagnata da un catalogo scientifico delle opere edito da Skira, con un contributo di Flavio Fergonzi.

Per informazioni:
FAI Villa e Collezione Panza. Piazza Litta 1- Varese. Tel. 0332/283960 faibiumo@fondoambiente.it
Servizi per il pubblico:
Caffetteria; Bookshop; Visite guidate (su prenotazione); parcheggio interno
Per maggiori informazioni sul FAI consultare il sito www.fondoambiente.it
Ufficio Stampa FAI
Simonetta Biagioni - stampa - tel. 02.467615219; s.biagioni@fondoambiente.it
Novella Mirri - radio e televisione - tel. 06.32652596; ufficiostampa@novellamirri.it

immagine: G.-Morandi,-Autoritratto,-1924,-MART-Collezione-Ferro-C-Archivio-Fotografico-MART

 

dal 3 ottobre 2008 | fondazione arnaldo pomodoro | milano


Nel quarto anno di attività della Fondazione, la grande mostra d'inizio per la stagione artistica 2008-2009 sarà dedicata alle opere di Arnaldo Pomodoro: quindici sculture monumentali, di cui alcune inedite, come il Grande portale dedicato a Edipo e l'Ingresso nel labirinto

Dal 3 ottobre 2008 al 22 marzo 2009 la Fondazione Arnaldo Pomodoro ospita la mostra Arnaldo Pomodoro. Grandi Opere 1972 - 2008 curata da Bruno Corà e allestita da Pierluigi Cerri.

L'esposizione, che coinvolge anche spazi esterni alla Fondazione, offre al pubblico una scelta rappresentativa delle opere monumentali realizzate dagli anni Settanta a oggi, in un percorso che segue l'evoluzione dell'artista nel suo rapporto con le grandi dimensioni, sfida prometeica allo spazio e al tempo: dal Cono Tronco del 1972 e The Pietrarubbia Group del 1975-76, passando per Giroscopio del 1986-87 e Le battaglie del 1995, fino a Punto dello spazio del 2003 e Cuneo con frecce del 2006.

L'elemento centrale della mostra è costituito da tre grandi opere inedite che rappresentano per l'artista un percorso di ricerca in sviluppo, componendo un ciclo in riferimento al mito e alla storia dell'uomo, con tutte le connesse significazioni culturali di memoria e di racconto:
Il Grande portale dedicato a Edipo, qui presente nella nuova versione in bronzo che misura 11,80 metri di altezza e 9,40 di larghezza, originariamente progettato per l'opera "Oedipus Rex" di Igor Stravinsky e di Jean Cocteau, messa in scena nella piazza del Duomo di Siena nel 1988;
L'Obelisco in corten con inserimenti di bronzo alto 14 metri ideato ricordando gli obelischi dell'antico Egitto; Ingresso nel labirinto, un environment dedicato a Gilgamesh, eroe del primo grande testo poetico e allegorico sull'esperienza umana scritto nel 2000 a.C. che rimanda al tema del viaggio e del labirinto come metafora della vita, e insieme vuole essere un omaggio alla scrittura e alla comunicazione. L'opera è collocata nella cavea del piccolo teatro della Fondazione dove resterà permanentemente.

Queste e diverse altre sculture di Arnaldo Pomodoro sono visibili a chi voglia entrare in questa "casa della scultura": opere monumentali solitamente sparse nel mondo per entrare in relazione con ambienti ogni volta diversi per latitudine e cultura, ma ora riunite in un unico luogo, in un unico tempo: quello della Fondazione e dei suoi visitatori.
A testimonianza del coinvolgimento di Arnaldo Pomodoro con quella che è la sua città di adozione, verrà segnalato un itinerario che collega le sculture dell'artista collocate in luoghi pubblici a Milano.
L'esposizione ha ricevuto il cospicuo contributo del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, il contributo ed il patrocinio della Regione Lombardia, Culture, Identità e Autonomie della Lombardia, la partnership di Unicredit Group, il contributo di Saporiti Italia e ATM è accompagnata da un catalogo edito dalla FAP. IGPDecaux, coerente alla sua mission di contribuire al decoro urbano e alle iniziative volte a impreziosire la città, sostiene la comunicazione della mostra "ARNALDO POMODORO. Grandi opere 1972-2008", offrendo diverse facce pubblicitarie sulle pensiline alle fermate degli autobus a Milano.

In contemporanea, allestita negli ambienti dei camminamenti superiori della Fondazione, la mostra UGO MULAS FOTOGRAFA ARNALDO POMODORO con oltre 100 immagini realizzate dal grande fotografo racconta tutto o quasi il lavoro di Pomodoro fino a quando Mulas fu in vita e potè lavorare, dal 1959 al 1972, e testimonia l'intenso rapporto di amicizia e di collaborazione tra i due artisti. Scrive Angela Vettese: "Mulas sapeva leggere l'arte come chi, a partire dall'osservazione dei suoi autori, dei suoi processi, della parte tecnica come da un nucleo di problemi, vi cercasse le linee di forza del proprio tempo e non una scusa compiaciuta per la sua personale pratica di ripresa."
Per l'occasione sarà pubblicato un volume con testo di Angela Vettese, Edizioni Olivares.

Note biografiche
Arnaldo Pomodoro è nato nel Montefeltro nel 1926, ha vissuto l'infanzia e la formazione presso Pesaro. Si trasferisce a Milano nel 1954. Le sue opere del Cinquanta sono altorilievi dove emerge una singolarissima "scrittura" inedita nella scultura. Nei primi anni Sessanta passa al "tuttotondo" e poi alla grande dimensione. Ha avuto molti premi per la scultura: a San Paolo nel 1963, a Venezia nel 1964, a Pittsburgh nel 1967, il Praemium Imperiale a Tokyo nel 1990, il Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture Award nel 2008. Nel 1992 l'Università di Dublino gli conferisce la Laurea honoris causa in Lettere e nel 2001 l'Università di Ancona quella in Ingegneria edile-architettura.
Numerosissime sono le sue esposizioni: alla Rotonda della Besana di Milano nel 1974 e al Forte Belvedere di Firenze nel 1984, fino a quelle di Parigi nei Giardini del Palais-Royal nel 2002, nel centro cittadino di Lugano nel 2004 e lungo la cinta muraria di Paestum nel 2005. Inoltre le esposizioni itineranti nei musei americani, e in Europa, America, Australia e Giappone. Le sue opere sono situate in permanenza in grandi piazze (Milano, Copenaghen, Brisbane, Los Angeles, Darmstadt), al Trinity College a Dublino, nel Cortile della Pigna dei Musei Vaticani, nel piazzale della Farnesina a Roma, nel piazzale delle Nazioni Unite a New York e nelle raccolte pubbliche maggiori. Ha insegnato nei dipartimenti d'arte delle università americane: a Stanford, a Berkeley, al Mills College. Si è dedicato anche alla scenografia con ''macchine spettacolari'' in grandi occasioni teatrali italiane: da ultimo ha realizzato le scene e i costumi per l'opera "Teneke" di Fabio Vacchi, con libretto di Franco Marcoaldi, tratto dall'omonimo racconto di Yashar Kemal, messa in scena in prima assoluta al Teatro alla Scala nel settembre 2007, con la regia di Ermanno Olmi e la direzione di Roberto Abbado.
Nel 1996 ha costituito la Fondazione Arnaldo Pomodoro, che nel 2005 ha iniziato l'attività espositiva nella sua sede di Via Solari a Milano.

Milano, settembre 2008


 

ARNALDO POMODORO
GRANDI OPERE 1972 - 2008
Dal 3 ottobre 2008 al 22 marzo 2009
Milano, Fondazione Arnaldo Pomodoro (Via Andrea Solari 35)
Orari: mercoledì-domenica ore 11-18 (ultimo ingresso ore 17); giovedì ore 11-22 (ultimo ingresso ore 21)
Biglietti: 7/4 euro
Catalogo FAP

Info: Fondazione Arnaldo Pomodoro - tel. 02.89075394
www.fondazionearnaldopomodoro.it
c.montebello@fondazionearnaldopomodoro.it
Ufficio Stampa
CLP Relazioni Pubbiche
Tel. 02.433403 - 02.36571438 - fax 02.4813841
press@clponline.it

Comunicato stampa e immagini su www.clponline.it


 

(fonte: Exibart.com)

IN DREAMS I DANCE WITH YOU.
IN SOGNO BALLO CON TE.
IN M'N DROMEN DANS IK MET JOU.

Dopo i positivi riscontri ottenuti da Viva Club To Club, l'anteprima tenutasi quest'anno tra Milano e Torino, mancano pochi giorni all'avvio di Club To Club 08, l'ottava edizione del Festival Internazionale di Musiche e Arti Elettroniche che non solo si sta sempre più affermando nella mappa dei più prestigiosi festival internazionali, ma con le sue scelte artistiche traccia traiettorie nuove e inedite immaginando una musica che generi meraviglia in contesti non ordinari, e coinvolgendo linguaggi artistici differenti ma convergenti.

Club To Club torna da giovedì 6 a sabato 8 novembre 2008 a Torino, e in contemporanea in Olanda, a Rotterdam, sabato 8 novembre, nei giorni in cui Torino diventa capitale italiana delle arti contemporanee e del design (grazie a Torino - Piemonte Contemporary Arts, ARTissima e Contemporanea-Mente, 2008 Torino World Design Capital, Luci d'Artista e T2 Triennale d'Arte Contemporanea, realtà con le quali il festival ha interagito negli anni e continua a interagire e dialogare con intensità).
Dopo Berlino e Barcellona, il Festival approda per la prima volta a Rotterdam con la sezione del Festival intitolata Club Europa, nel primo club al mondo ecosostenibile (WATT) . Proprio con Rotterdam si realizza l'unione di clubbing ed ecosostenibilità, design e giovani (grazie al progetto Sustainable Dance Club a Rotterdam, con Rotterdam prima European Youth Capital nel 2009, e Casa Design Rotterdam a Torino). Inoltre grazie al programma piemontese Wi-Pie le immagini del festival a Torino e Rotterdam saranno visibili in rete e negli spazi del festival.

Il programma del Festival spazia tra minimalismo e musica sperimentale, post rock ed elettronica old school, dubstep e techno house visionaria, con artisti tra i più importanti e innovativi del suono elettronico contemporaneo, dalle stelle James Holden, Ellen Allien e Magda a musicisti di frontiera come Four Tet e i Pivot, Luomo e Theo Parrish ai nuovi talenti Benga e Skream della Tempa, da personaggi di culto come Byetone e Kangding Ray della Raster Noton al ritrovato Mr. Oizo, e poi Munk, The Mole, 2000 And One, Federico Molinari, gli artisti emergenti della community di PiemonteGroove, e le realtà torinesi Xplosiva.

E oltre alla presenza di artisti come Willoughby Sharp, David Canisius, Francesca Grilli, Dafne Boggeri e Lorenzo Brusci, il cartellone prevede partnership esclusive e speciali che suggeriscono nuove sperimentazioni artistiche, come la contaminazione autentica tra classica ed elettronica (la YellowLounge della prestigiosa etichetta "gialla" Deutsche Grammophon), le arti performative e il teatro di ricerca che flirtano con la musica e il rumore elettronico (festival internazionale Drodesera e progetto Fies Factory One), le arti visive e le esperienze immersive di architettura del suono (IED Milano e Sound and Experience Design con B&C).

Il Lingotto Fiere Padiglione 1, WATT club, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Hiroshima Mon Amour, Supermarket, Pier, Mirafiori Motor Village saranno solo alcune delle sedi del festival.

 

7 - 9 novembre 2008 | lingotto fiere | torino


La miglior finestra sulla contemporaneità e i giovani artisti, l'appuntamento di riferimento con le più importanti gallerie italiane e straniere del contemporaneo: si apre a Torino la nuova edizione di ARTISSIMA Fiera internazionale d'arte contemporanea. Una straordinaria lista di progetti, esposizioni, nuove presenze e i nomi più interessanti del panorama internazionale dell'arte contemporanea per tre giorni di eventi in e fuori fiera.
Uno straordinario network internazionale di curatori è il valore aggiunto di ARTISSIMA, una rete che consente di esplorare nuovi territori e di entrare in contatto con le realtà creative più interessanti: da Shanghai a Los Angeles, da Istanbul a Londra, per individuare i talenti migliori tra i giovani artisti, galleristi, curatori. ARTISSIMA è anche un evento dedicato ai giovani, un modello di fiera come luogo ideale che favorisce la circolazione di idee e crea momenti di incontro per offrire sempre nuovi stimoli, un evento attorno al quale ruota un complesso di manifestazioni culturali differenti che vanno dal cinema alla musica elettronica, dal fumetto alla fotografia, dalla video animazione al design.
128 gallerie provenienti da 19 paesi diversi: MAIN SECTION e NEW ENTRIES, le gallerie più affermate e interessanti in Italia e nel mondo e una selezione delle più giovani, fondate dopo il 2003 e per la prima volta ad Artissima, come osservatorio esclusivo sulla creatività emergente. Alle gallerie di NEW ENTRIES è riservato il Premio Guido Carbone che verrà assegnato durante la Fiera da una giuria composta da Nicolas Bourriad, Heike Munder eMarc-Olivier Wahler.

PRESENT FUTURE 17 giovani artisti, scelti da un comitato di quattro curatori - Cecilia Alemani, Michael Ned Holte, Thibaut Verhoeven, Aurélie Voltz, presentati al pubblico in una mostra che enfatizza il dialogo tra i lavori esposti. Questa speciale sezione punta l'obiettivo sulla ricerca artistica più avanzata, presentando al pubblico e ai critici le tendenze più nuove della scena internazionale. Durante la Fiera una giuria composta da Eva González-Sancho, Gianni Jetzer e Rein Wolfs assegnerà il Premio illy Present Future all'artista più significativo.

CONSTELLATIONS 11 grandi opere di artisti celebri ed emergenti , selezionate tra più di 80 progetti presetati dalla gallerie da due curatrici, Stéphanie Moisdon e Susanne Pfeffer, accoglieranno il pubblico all'ingresso della Fiera : installazioni, sculture e performance in una vera e propria mostra a carattere museale.

ITALIAN WAVE 1481 domande, 7 artisti vincitori: grande successo per il concorso ITALIAN WAVE lanciato quest'anno da ARTISSIMA e dedicato ad artisti italiani under 35 non rappresentati da nessuna galleria. La giuria composta da Sebastian Cichocki, Gail Cochrane, Sofía Hernández Chong Cuy, Alessandro Rabottini, ha selezionato i 7 artisti che avranno l'opportunità unica di esporre il loro lavoro ad ARTISSIMA 15.

L'ÉCOLE DE STÉPHANIE un progetto culturale innovativo, ideato da Stéphanie Moisdon, in alternativa ai tradizionali convegni: vere lezioni, dialoghi, presentazioni di progetti o performance in uno spazio d'artista che si presenta come un'autentica scuola temporanea dove le domande sull'immagine, la rappresentazione e il linguaggio circolano liberamente. I corsi sono previsti il 7,8 e 9 novembre con sei sessioni ogni giorno.

VIDEO LOUNGE uno spazio ad hoc per la proiezione delle creazioni più recenti di video artisti di fama mondiale, selezionati in base a un tema specifico tra i lavori presentati dalle gallerie partecipanti. Il progetto affidato quest'anno a Latitudes (Mariana Cánepa Luna e Max Andrews) presenta: X, Y, etc.! una selezione curatoriale ispirata all'approccio metodologico di Charles Fort, studioso di fenomeni 'paranormali' ante litteram.

ASCOLTA CHI SCRIVE torna per il quarto anno la speciale iniziativa pensata per il grande pubblico, che offre l'opportunità unica di visitare la Fiera con la "guida" di alcuni critici e giornalisti che si occupano di arte, cultura ed economia all'interno di grandi testate nazionali e internazionali. 17 le guide d'eccezione di quest'anno tra cui anche alcuni 3 direttori.

E in città:
ARTISSIMA DESIGN Proseguendo il dialogo con i diversi linguaggi del contemporaneo e in concomitanza con i programmi di Torino World Design Capital, ARTISSIMA propone una nuova iniziativa collaterale con la mostra evento: Paolo Mussat Sartor. Luoghi d'arte e di artisti. 1968-2008. La mostra, che comprende oltre 300 scatti d'epoca e foto realizzate in esclusiva per l'esposizione dal grande fotografo e narratore dell'Arte Povera, è presentata nelle sale di Palazzo Cavour, Torino e resterà aperta sino al 6 gennaio 2009.

ARTISSIMA FUMETTO Bar Miki , una mostra dedicata a Michelangelo Setola, giovane talento italiano del settore. La rassegna è realizzata in collaborazione con il Festival Internazionale Fumetto di Lucerna e comprende tavole, disegni ed illustrazioni, molte delle quali inedite, insieme ad una installazione site specific. Dal 4 al 23 novembre a Palazzo Birago, sede della Camera di commercio di Torino che dal 2007 sostiene il porgetto

ARTISSIMA CINEMA Una rassegna di corti d'animazione realizzati da artisti indonesiani e cinesi: Moving Imagination ovvero L'illusione animata , curata da Davide Quadrio e Agung Kurniawan e Un viaggio indimenticabile , a cura di Defne Ayas. L'evento è realizzato in collaborazione con il Museo del Cinema.

ARTISSIMA VOLUME Prima in Italia nell'ambito di una fiera d'arte, ARTISSIMA dedica questa sezione ad alcuni tra i personaggi più apprezzati del panorama musicale contemporaneo. ARTISSIMA VOLUME 2008 si svilupperà su due direttrici parallele: performance e intrattenimento. I New Humans e Lustfaust con Jamie Shovlin nella spettacolare Rampa del Lingotto e after hour d'autore Circolo Esperia. A cura di NERO Magazine.

L'elenco completo delle gallerie, artisti, istituzioni ed editori partecipanti è disponibile sul sito www.artissima.it


 

Artissima 15
7 - 9 Novembre 2008
Padiglione 3, Lingotto Fiere
Via Nizza 280/294
Ore 11.00 - 20.00 tutti i giorni
Biglietto intero - euro 13.00
Biglietto ridotto - Euro 9.00
Il biglietto di ingresso alla Fiera consente l'ingresso gratuito
alla mostra Paolo Mussat Sartor. Luoghi d'arte e di artisti. 1968-2008
Kit 3 Cataloghi Euro 10 (Artissima 15, Present Future, Collezionare contemporaneo)
Info: tel. 011 19744106 - info@artissima.it - www.artissima.it
ARTISSIMA, un marchio di Regione Piemonte, Provincia di Torino e Città di Torino, è promossa dalla Fondazione Torino Musei.
La quindicesima edizione di ARTISSIMA viene realizzata attraverso il sostegno dei tre Enti proprietari del marchio, congiuntamente a Camera di commercio di Torino, Compagnia di San Paolo e Fondazione CRT.

L'organizzazione di ARTISSIMA è curata da Artissima srl.
Inoltre, la manifestazione si avvale della collaborazione di

Main Sponsor : UniCredit Group - UniCredit Private Banking
Partner: illycaffè
Associate Partners: Nationale Suisse / Vanni / Vhernier
Media Partner :La Stampa
In Kind Partners : Biella the Art of Excellence / Ferrarelle / Ferrero Rocher / Fiat Group / Galliano Habitat con EMU / Gondrand / Plusdesign / Ventana Group Group Barbiz / Robe di kappa


 

(Exibart.com 9

(fonte: Exibart.com)

(fonte: Exibart.com )

inaugurazione martedì 4 novembre | ore 18.30 | a cura di mara ambrozic e stefano coletto | galleria di piazza san marco | venezia


La Fondazione Bevilacqua La Masa rinnova la sua attenzione verso i giovani artisti, nel rispetto della sua missione per la quale, da un secolo, assegna i propri atelier ai più meritevoli.
Di qui nasce OPERA 2008, mostra finale dei sette giovani artisti e dei due gruppi che hanno usufruito degli atelier BLM nel 2007/2008. L'esposizione celebra due ricorrenze importanti: anzitutto il centenario dell'attività espositiva dell'Istituzione, iniziata nel 1908 grazie al primo segretario Nino Barbantini. In secondo luogo quest'anno gli atelier hanno finalmente raggiunto il numero di dodici, come designato nell'atto costitutivo della Fondazione ovvero il testamento della duchessa Felicita Bevilacqua La Masa (1898). Sono infatti stati riaperti gli studi di Palazzo Carminati a San Stae, oggetto negli scorsi anni di un lungo restauro; i sette atelier recuperati si uniscono ora ai cinque studi già attivi nel prestigioso chiostro dei Santi Cosma e Damiano alla Giudecca. Al Carminati sono anche state ottenute due forseterie, grazie alle quali si è subito iniziato un programma di ospitalità internazionale.

A cura di Mara Ambrozic e Stefano Coletto, la mostra OPERA 2008 si dividerà in due sezioni.
Nella prima compaiono le opere e i progetti degli artisti che hanno ottenuto gli atelier dopo aver vinto un concorso e che hanno condiviso quegli spazi per dodici mesi. Ciascuno presenterà un progetto ancora in evoluzione insieme a un lavoro compiuto durante il periodo della residenza. L'intento di questa parte della mostra è suggerire la complessità della ricerca e il desiderio di sperimentazione artistica che animano l'attività degli atelier.

Nella seconda, vengono presentati due progetti speciali. Uno illustra un lavoro di gruppo sviluppato insieme a Moleskine ed esposto nella Biennale Europea Manifesta 7 (Trento, giugno-ottobre 2008).
L'altro progetto mostra le opere di due artisti africani, il pittore Evarist Fabian Chikawe e lo scultore Mambakwedza Mutasa, selezionati per la prima edizione di Art Enclosures - Residenze per artisti internazionali a Venezia. Si tratta di un progetto triennale, ideato e promosso dalla Fondazione di Venezia e realizzato avvalendosi della collaborazione della BLM e di Polymnia Venezia, che vedrà coinvolti diversi artisti internazionali in residenza negli anni a venire presso le nuove foresterie di Palazzo Carminati.

In mostra: Evarist Fabian Chikawe, Vania Comoretti, conceptinprogress (Amparo Ferrari e Sebastian Zabronski), Marina Ferretti, Maddalena Fragnito De Giorgio, Kensuke Koike, Led (Laboratorio ElettroDomestico), Mobeel, Mambakwedza Mutasa, e Alberto Tadiello.

Vania Comoretti presenterà una serie di recenti dipinti che, partendo dal ritratto e dalla raffigurazione del viso, arrivano ad una microscopica, straniante e quasi ossessiva osservazione della pelle umana. Focalizzandosi sulla smaterializzazione dell'oggetto, i conceptinprogress indagheranno lo spazio che collega l'opera con l'osservatore. I lavori in mostra, tra sculture e installazioni, rifletteranno sulla complessità e l'instabilità di questo rapporto, che necessita di essere rimesso continuamente in discussione.
Marina Ferretti, che disegna architetture elementari e tracce di forme naturali dentro fragili schemi, in occasione della mostra realizzerà una trama di nastri di carta che si espanderanno nello spazio espositivo in modo volutamente casuale.
Maddalena Fragnito De Giorgio, al contrario, interverrà con un gessetto nero direttamente sulle pareti della galleria per riassumere in modo ironico la sua concezione dello spazio e le sue riflessioni che, in forma di appunti visivi, illustrano temi di carattere sociale, politico e artistico.
I Led, in genere impegnati nella ricerca video-documentaria, proporranno un'installazione inedita che si focalizzerà sulla relazione tra il vedere e il guardare, sulla connessione tra supporto/contenuto di un'immagine statica e in movimento. Kensuke Koike si confronta da alcuni anni con il tema dell'artificio che separa la realtà dalla finzione; per la mostra l'artista costruirà un'installazione, in cui sia l'oggetto osservato che l'osservatore si trasformano in surreali caricature di loro stessi proiettati all'interno di uno "spazio museale".
Alberto Tadiello, mediante la materializzazione di vecchi circuiti elettrici interpreterà il tema del consumarsi di un congegno meccanico che, alimentato elettricamente, viene abbandonato a se stesso fino al suo cedimento fisico.
Infine, l'associazione culturale Mobeel affiderà il proprio spazio espositivo a diversi artisti e musicisti affinché essi intervengano con performance ed originali allestimenti, che rimandano alle numerose attività svolte nell'atelier dei Mobeel durante lo scorso anno.

Il catalogo prevede inoltre i contributi critici di Augusta Eneiti, Eva Comuzzi, Samuele Menin, Bruno Oliviero, Agnes Kohlmayer e Daniela Zangrando.

L'immagine grafica della copertina e del manifesto di OPERA 2008 è stata ideata e realizzata da Daniele Franzi, vincitore della Borsa di studio assegnata nella 90ma Collettiva BLM.

L'attività degli Atelier 2007/2008 è stata sostenuta dal prezioso contributo di: Fondazione di Venezia, Moleskine, Vega e Distretto dei Beni Culturali.


 

OPERA 2008. Artisti degli atelier Bevilacqua La Masa
dal 5 novembre al 23 novembre 2008
Galleria di piazza San Marco (71/c), Venezia
Apertura: tutti i giorni dalle 10.30 alle 17.30
Info:press@bevilacqualamasa.it
www.bevilacqualamasa.it
T. +39 041.5207797; F +39 041.5208955


 

inaugurazione 5 novembre 2008 | a cura di daniel birnbaum | sedi varie | torino


Gli artisti selezionati
La Triennale d'Arte Contemporanea si articola in due parti.
Una prima parte prevede due mostre dedicate ad artisti già affermati a livello internazionale. Per questa edizione verranno presentati l'artista danese Olafur Eliasson che esporrà al Castello di Rivoli, e il cino-americano Paul Chan presso la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo. La seconda parte della rassegna presenta le opere di quarantotto artisti di tutto il mondo che esporranno lavori e progetti in molti casi inediti e sperimentali.

T - Triennale d'Arte Contemporanea
"T - Triennale d'Arte Contemporanea", giunta alla seconda edizione, è la rassegna triennale d'arte contemporanea internazionale organizzata dal Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea, dalla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo e dalla Fondazione Torino Musei. La seconda edizione di "T" rafforza l'impegno delle istituzioni organizzatrici a lavorare in sinergia a favore dell'arte contemporanea. L'obiettivo di "T" è di creare un dialogo fra le proposte più sperimentali e giovani dell'arte contemporanea e il lavoro di artisti che hanno raggiunto una maturità di linguaggio e un riconoscimento internazionale, altresì di sviluppare ulteriormente lo scambio culturale tra Torino, la Regione Piemonte e il mondo d'oggi.

T2 - 50 lune di Saturno
La seconda edizione della Triennale, T2, si terrà dal 6 novembre 2008 al 1 febbraio 2009 ed è curata da Daniel Birnbaum, critico d'arte e curatore indipendente, attualmente Rettore della Städelschule Art Academy e di Portikus Gallery di Francoforte e Direttore della 53a Biennale di Venezia, sezione Arti Visive.
Intitolata 50 lune di Saturno, la mostra avrà luogo in tre sedi: il Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea, la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo e la Palazzina della Società Promotrice delle Belle Arti. La concentrazione degli spazi espositivi rispetto alla prima edizione, permetterà una maggior chiarezza del progetto, agevolando il percorso e la fruizione del pubblico.

Per T2 il curatore Daniel Birnbaum si è ispirato a Saturno, l'astro della malinconia, creando una nuova geografia del mondo contemporaneo, una costellazione di artisti che lavorano nel segno dell'ambivalenza.


 

T2 - Triennale d'Arte Contemporanea. 50 lune di Saturno
Dal 6 novembre 2008 al 1 febbraio 2009
Sedi espositive e orari
Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea
Piazza Mafalda di Savoia, Rivoli
Orario: da martedì a giovedì 10.00 - 17.00, da venerdì a domenica 10.00 - 21.00
Fondazione Sandretto Re Rebaudengo
Via Modane 16, Torino
Orario: da martedì a domenica 12.00 - 20.00; giovedì 12.00 - 23.00
Palazzina della Società Promotrice delle Belle Arti
Viale Diego Balsamo Crivelli 11, Torino
Orario: da martedì a domenica 10.00 - 19.00

Biglietti
Biglietto unico per tutte le sedi. Le singole sedi possono essere visitate in giorni differenti.
Intero: Euro 15 - Ridotto: Euro 12
Family Ticket (2 adulti + 2 ragazzi under 15): Euro 30
Gruppo adulti (min. 20 persone, prenotazione obbligatoria): Euro 8 cad.
Gruppo studenti (min. 10 persone, prenotazione obbligatoria): Euro 6 cad.
Ingresso gratuito: fino a 12 anni e accompagnatori di invalidi
Su prenotazione sono disponibili visite guidate e attività didattiche

Organizzazione Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea Fondazione Sandretto Re Rebaudengo Fondazione Torino Musei
Enti promotori
Città di Torino, Regione Piemonte, Compagnia di San Paolo, Fondazione CRT, Camera di Commercio Industria Artigianato e Agricoltura di Torino
Sponsor
Fastweb, Smat gruppo, IGPDecaux, GTT Gruppo Torinese Trasporti, SAGAT, TORO Assicurazioni
Media Sponsor: La Stampa

Catalogo: Edizioni Skira. A cura di Daniel Birnbaum
Promozione e prenotazione gruppi
Alessia Giorda, tel. 011.9565246 - promozione@torinotriennale.it
Informazioni per il pubblico www.torinotriennale.it


 

(fonte: Exibart.com )

Territoria #3. Lo spazio del contemporaneo, l'articolato progetto di rete della cultura contemporanea in Provincia di Prato, prosegue nella proposta di mostre ed eventi che fanno parte del ricco calendario di inaugurazioni in programma fino all'8 dicembre. Molti gli appuntamenti che coinvolgono spazi storici, musei, gallerie, piazze e strade del territorio durante tutta la giornata.

Venerdì 31 ottobre alle ore 17.30 presso i Cantieri Culturali di Officina Giovani del Comune di Prato si inaugurano due personali. La mostra Scritte sui muri. Gli anni settanta a Prato: lotte e impegno sociale raccoglie le fotografie scattate da Renato Bencini ai muri della città nel corso degli anni settanta, che divennero una sorta di "giornale" capace di registrare il variare quotidiano degli umori. Facce di Murales. L'arte senza firma è la declinazione del tema operata in tempi più vicini a quelli attuali da Alessandra Mersi, che espone gli scatti che nel corso di alcuni anni ha fatto ai graffiti che hanno riempito gli spazi anonimi della città. Sabato 1 novembre alle ore 18:00 presso il Centro per l'arte contemporanea Luigi Pecci si inaugura nelle sale espositive del CID/Arti Visive la mostra Mauro Staccioli. Pensare la scultura, che raccoglie i disegni, bozzetti e modelli dell'artista che ha formulato una personale concezione ambientale dell'opera scultorea, chiamata ad interagire con lo spazio fisico per cui è destinata e viene ideata. La mostra apre in simultanea con la collettiva 1988: vent'anni prima, vent'anni dopo organizzata in occasione del ventennale di apertura del museo e curata da Marco Bazzini.
Domenica 30 novembre alle ore 10 si presenta il progetto del Comune di Montemurlo a cura del collettivo L'Artelier che propone l'inaugurazione del progetto espositivo La Macchina del Tempo sulla rotonda della nuova strada provinciale Montalese e della mostra Montemurlo, passato, presente, futuro? presentata presso la Sala Banti in Piazza della Libertà. Le opere sono realizzate da Antonio Bruno, Mauro Gazzara, Nadia Neri, Leonardo Taddei.

Il programma di Territoria #3. Lo spazio del contemporaneo è realizzato con il contributo della Regione Toscana e della Provincia di Prato e da questa ideato con i Comuni di Cantagallo, Carmignano, Montemurlo, Prato, Vaiano, il Centro per l'arte contemporanea Luigi Pecci, le Associazioni culturali Dryphoto e Kinkaleri, il Museo del Tessuto.
L'edizione 2008 Territoria #3. Lo spazio del contemporaneo si articola in tre sezioni: spazio pubblico, spazio di contaminazione e spazio di formazione, che definiscono soltanto concettualmente gli ambiti di una ricerca trasversale tra le arti contemporanee.

SPAZIO PUBBLICO
La riflessione sulla specificità dell'opera e del legame che instaura con il luogo per cui viene concepita è stimolata dall'occasione data dall'ultimo atto per la realizzazione dell'opera ambientale permanente Anfiteatro di Giuliano Mauri a Luogomano nel Circuito Artistico Ambientale del Comune di Cantagallo (dal 28 settembre 2008). In altra sede, quella museale del Centro per l'Arte contemporanea Luigi Pecci, si allestisce Mauro Staccioli. Pensare la scultura, una mostra dedicata a uno degli interpreti più attenti alla concezione ambientale dell'opera scultorea, che ha lasciato opere di pregio in tutto il mondo ed un consistente circuito di opere ambi¬entali in Toscana, sua terra di origine (dal 1 novembre 2008 al 11 gennaio 2009).
Di diversa natura l'utilizzo dello spazio esterno come spazio di rappresentazione nel progetto del gruppo Kinkaleri MANIFESTO. Progetto Urlo, che prevede l'affissione in punti nevralgici del tessuto urbano di grandi manifesti raffiguranti soggetti urlanti: un gesto semplice raccolto in strada, cristallizzato in una dirompente fissità. L'interruzione letteralmente rompe il silenzio del consenso e lo spazio urbano si apre alla riflessione, se non altro nel tentativo di mettere le cose a posto e ridare una collocazione e un senso a un messaggio fuori contesto (dal 29 settembre al 13 ottobre 2008). Dryphoto arte contemporanea pensa alla collettività e alle tensioni che l'attraversano proponendo un progetto che più che dei veri e propri punti di arrivo si pone l'obiettivo di innescare dei processi di trasformazione. Lo spazio pubblico diventa spazio di interazione e di crescita culturale. Second Escape è il lancio della pubblicazione, dallo stesso titolo, edita da Gli Ori, della prima estesa monografia sull'opera (dal 1999 al momento attuale) di Robert Pettena, l'artista nato a Pembury in Inghilterra nel 1970 e, fin dai suoi inizi, attivo a Firenze. Si articola in una serie di mostre e di eventi, incentrati su opere dell'artista dal 2001 ad oggi, che avranno luogo in luoghi istituzionali fra i più importanti della città, quali Palazzo Banci Buonamici, il Palazzo della Prefettura, il Teatro Metastasio, Palazzo Vaj, attualmente sede della Monash University Prato Centre, nonché nello spazio espositivo di Dryphoto arte contemporanea che ne è l'ente organizzatore. Il libro, le mostre e gli eventi che accompagnano il suo lancio sono a cura di Pier Luigi Tazzi (dal 12 settembre al 12 ottobre 2008). Il tema dell'intervento nello spazio pubblico è affrontato da una diversa angolazione che privilegia la documentazione di pratiche più radicali e sotterranee divenute oggetto della mostra fotografica Facce di murales. L'arte senza firma dell'artista Alessan¬dra Mersi a cura dell'Archivio Fotografico Toscano dell'Assessorato alla Cultura del Comune di Prato (dal 31 ottobre al 15 novembre 2008). Se lo spazio pubblico per eccellenza è l'agorà, esso contempla anche zone più appartate rispetto al mondo vissuto, luoghi più neutri rispetto a quelli esterni, più intimi e dedicati. E' il caso del nuovo Spazio d'Arte Alberto Moretti, recentemente restau¬rato e fortemente voluto per essere restituito alla collettività come spazio espositivo e di promozione della cultura contemporanea sul territorio. Lì si inaugura Alberto Moretti. La collezione, un nucleo di opere di grandi dipinti a olio su carta e fotografie recentemente acquisite dal Comune di Carmignano, di uno dei più interessanti e stimati inter¬preti dell'arte e della cultura del nostro tempo (dal 20 settembre al 8 dicembre 2008). Alla scoperta e al coinvolgimento totale del fruitore "che fa esperienza di spazi e partecipa alla loro definizione" è dedicata la creazione di Tessuti sonori. Interpretazioni dello spazio museale tra innovazione e sound art, un ambiente tattile sonoro allestito al Museo del Tessuto realizzato dall'artista Lorenzo Brusci Sound Experience Design nell'ambito della mostra in corso Superhuman perfor¬mance. L'opera struttura e trasfigura lo spazio in cui interviene attraverso componenti sonore, illuminotecniche e tattili in grado di ampliare dinamicamente la capacità di trasferire e apprendere significati simbolici (dal 4 al 25 ottobre 2008).

SPAZIO DI CONTAMINAZIONE
L'interesse al recupero di storie e alla rilettura di eventi legati ad un luogo e ad un tempo specifici è alla base delle iniziative che, riflettendo sulla storia attraverso gli strumenti dell'età presente, danno luogo a zone di contaminazione tra passato e presente. Il Comune di Mon¬temurlo affida all'associazione L'Artelier composta dagli artisti Antonio Bruno, Mauro Gazzara, Annalisa Margheri, Nadia Neri, Leonardo Taddei, la realizza¬zione di un opera scultorea strettamente legata all'identità industriale e alla storia del luogo: La macchina del tempo (dal 30 novembre 2008) ed allestisce una collettiva ad essa connessa ed una mostra fotografica dal titolo Montemurlo. Passato, presente, futuro? (dal 30 novembre al 14 dicembre 2008).
Il Comune di Vaiano, all'interno dello spazio della Cartaia e della Villa del Mulinaccio pro¬pone La Fabbrica delle Trasformazioni, serie di attività con la direzione artistica di Giacomo Ciolini, Vania Coveri, Giuseppe Guanci, Massimo Luconi che prevedono un percorso di rilettura della vita e le opere dell'architetto Pier Luigi Nervi nello spazio industriale da lui progettato (dal 11 ottobre al 12 ottobre 2008). Lo sguardo sulla nostra storia recente è anche quello dell'Archivio Fotografico Toscano del Comune di Prato che, all'interno degli spazi dei Cantieri Culturali di Officina Giovani, allestisce la mostra Scritte sui muri. Gli anni settanta a Prato: lotte e impegno sociale, con la raccolta di fotografie scattate da Renato Bencini (dal 31 ottobre al 15 novembre 2008).

SPAZIO DI FORMAZIONE
Il progetto offre la possibilità di addentrarsi in altri spazi: quelli for¬mativi che contemplano attività fondamentali per il radicamento di una sensibilità verso il patrimonio contemporaneo. Di complessa articolazione, Out Museum è il progetto che Dryphoto arte contemporanea dedica alla formazione si sviluppa in un arco temporale di sei mesi in più fasi: formativa, laborato¬riale ed espositiva. Il laboratorio coinvolge giovani artisti e cittadini: Antonio Avellis, Vanni Bassetti, Anna Maria Bonanese, Stella Carbone, Daniele Ercolano, Daniela Frongia, Valentina Lapolla, Carolina López Bohórquez. Sotto la guida dell'artista Robert Pettena accompagneranno le fasi preparatorie della mostra Second Escape e dopo un percorso formativo approderanno alla realizzazione di una mostra conclusiva che sarà piuttosto una piattaforma aperta dove i diversi attori si confronteranno con lo spazio aperto, i luoghi pubblici e con le comunità che li abitano (4 ottobre 2008). Back to School è il titolo del progetto site specific nato dalla collaborazione tra Ericailcane e Davide Zucco. Provenienti entrambi da esperienze di ambito urbano, i due artisti intervengono su una grande parete esterna delle scuole Don Milani, nel cuore del Villaggio Gescal, facendo proprie alcune delle istanze sociali che hanno mosso le prime forme di muralismo nei paesi del Sud America. Il progetto, promosso dal Comune di Prato e curato da Lorenzo Giusti, richiama nel titolo non soltanto il primo giorno di scuola, prossimo alla data di apertura del lavoro, ma anche la recente rivalutazione, all'interno della scena "street", di alcune delle tecniche tradizionali della pittura murale. Da qualche anno Ericailcane e Davide Zucco hanno infatti abbandonato la bomboletta spray per il pennello, riscoprendo il potere evocativo della figurazione rispetto al limitato apparato iconografico - fatto di scritte, marchi, stencil, - della pratica graffitista (dal 4 ottobre 2008).


 

Territoria 3. Lo Spazio del Contemporaneo
Fino all' 8 dicembre 2008
un progetto di Provincia di Prato, Assessorato alla Cultura
Con il contributo di Regione Toscana
Ufficio Stampa: Ku.Ra, Rosi Fontana
Tel. +390509711343 - fax +390509711317
info@rosifontana.it
www.rosifontana.it


 

(fonte: Exibart.com )

(Fonte: Exibart.com )

dal 13 al 16 novembre 2008 | superstudio più | milano


Dopo la prima edizione a Ginevra, debutta in Italia a novembre, al Superstudio Più di Milano, Arte Accessibile Milano, una fiera audace per modernità d'impostazione che vuole essere punto di incontro e mediazione tra collezionisti, galleristi e artisti in un'atmosfera informale e interattiva.

AAM è un evento dal contenuto innovativo, che mira ad abbattere le barriere concettuali e ad avvicinare il pubblico spesso intimorito o esitante ad entrare in una galleria d'arte.
AAM fonda la sua mission sull'idea di "arte accessibile", concetto già noto in ambito internazionale sia a livello di fruizione, con una fitta agenda di mostre ed eventi collaterali interni alla fiera, che a livello di acquisto, con un'interessante selezione di qualità di opere proposte al pubblico a condizione vantaggiose. Tutte le opere in vendita sono infatti offerte ad un prezzo inferiore ai 7000 euro.

4 giorni, dal 13 al 16 novembre, con circa 60 artisti vagliati con attenzione, di diversa provenienza e attivi in tutta Europa. Una ricca schedule con appuntamenti speciali, art show tutte le sere, spettacoli teatrali, performing arts che coinvolgono il pubblico, live painting, installazioni, atelier interattivi, art brunch.

Arte Accessibile Milano si svolge al Superstudio Più, la cittadella della creatività di via Tortona 27 a Milano, il "luogo delle possibilità" dove hanno trovato spazio e sostegno tante manifestazioni ed eventi culturali di arte, danza, teatro, musica.

Gli spazi sono suddivisi per singoli artisti, emergenti o affermati, che propongono direttamente i loro lavori in tante piccole personali, tante mostre nella mostra. Altri spazi ancora sono affidati a giovani gallerie indipendenti.
E ancora ristorante-bar Dada Cafè, Wine Bar, area relax, press area.
AAM è uno degli eventi che partecipano alla art week (Con)Temporary Art / via Tortona e dintorni, il circuito di arte con-temporanea nelle location e gallerie del quartiere più creativo di Milano, patrocinato dal Comune di Milano, dal 10 al 16 novembre. Programma completo su www.con-temporaryart.it

GLI ORGANIZZATORI
Tiziana Manca cresce in ambiente artistico fin dall'infanzia. Con una laurea in psicologia e la passione per l'arte diventa coach, curatore e mentore di numerosi artisti. Dall'idea di una sua galleria a Ginevra, svolta verso la partecipazione e realizzazione di grandi eventi di arte contemporanea internazionale. Fonda a Ginevra ''ARTE'' IPSE DIXIT by Tiziana Manca società che organizza manifestazioni artistiche, saloni, fiere, mostre private e pubbliche, aste e gestione di galleria.


 

AAM
Orari:
Giovedì 13 Novembre: 12.00 - 20.00
(Vernissage: 20.30-22.00)

Venerdì 14 Novembre 12.00 - 22.00

Sabato 15 Novembre 12.00 - 22.00

Domenica 16 Novembre 12.00 - 22.00 (Art Brunch)

Biglietteria
Il biglietto acquistato all'ingresso: 5 EUR
Ingresso gratuito fino a 16 anni.

CONTATTI
Organizzazione: Tiziana Manca / ''ARTE'' IPSE DIXIT
tizianamanca@wanadoo.fr
8, rue Jacques-Grosselin, 1227 Carouge, Geneve Svizzera.

Ufficio Stampa Arte Accessibile Milano - AAM
Chiara Ferella Falda/ AreaArt
tel +39 0242250144/48/61 fax +39 02475851
cell. 3351080528
areart@superstudiopiu.com
Immagine:FRANCESCO CARACCIO, Ritratto di Phil Orwell, olio su cartone (2006)

 

(fonte: Exibart.com )

dal 21 ottobre 2008 | a cura di mario torelli e anna maria moretti | palazzo delle esposizioni | roma


La mostra, organizzata su iniziativa della Regione Lazio - Assessorato alla Cultura Spettacolo e Sport con la diretta partecipazione del Ministero per i Beni e le Attività Culturali - Soprintendenza per i Beni Archeologici dell'Etruria Meridionale, racconta e descrive l'eccellenza della civiltà etrusca del Lazio attraverso lo straordinario sviluppo dei suoi principali centri urbani: Veio, Cerveteri, Vulci, Tarquinia, città che a partire dai più antichi e comuni caratteri, si andarono via via differenziando, non solo rispetto alla produzione artistica, ma anche, più in generale, rispetto agli orientamenti culturali e di culto, agli stili di vita, alle prassi commerciali.
Ai rapporti tra queste antiche metropoli e Roma è dedicata la seconda parte della mostra, che mette in luce la forte influenza esercitata dalla civiltà etrusca sul mondo romano quanto a pratiche religiose e simbologie del potere, illustrando continuità ma anche differenze tra le due culture.
I caratteri delle quattro metropoli dell'Etruria meridionale sono resi evidenti nella loro specificità dalla presentazione delle più importanti testimonianze artistiche locali, molte delle quali presentate al pubblico per la prima volta.

Veio è la città della coroplastica, la produzione in terracotta destinata a decorare i tetti degli edifici e a realizzare ex-voto scultorei. Accanto ai manufatti provenienti dal santuario, nell'ottagono centrale del Palazzo delle Esposizioni la ricostruzione di una parte del Tempio di Apollo rievoca l'imponente effetto scenografico dato dalla sapiente commistione di architettura e scultura, con le statue di Apollo, Latona ed Eracle svettanti alla sommità del tetto.

Cerveteri è caratterizzata principalmente dalla straordinaria architettura funeraria collegata alla celebre necropoli. La ricostruzione di un intero sepolcro, a grandezza naturale, restituisce il fasto dei cerimoniali di epoca arcaica, dove un ruolo rilevante era attribuito al culto degli antenati.

Vulci è rappresentata dalla scultura monumentale in pietra locale e dalle opere del vicino centro di Ischia di Castro che, spesso raffiguranti animali mitici, erano collocate all'ingresso delle tombe. Caere (Cerveteri) e Vulci, a partire dalla fine dell'VIII secolo a.C., erano le mete principali dei grandi flussi commerciali provenienti dal mondo greco, mercati attraverso i quali le pregiate ceramiche figurate di produzione corinzia, greco-orientale, e poi attica raggiungevano diversi centri dell'Etruria. Sono presentati in mostra alcuni grandi vasi, capolavori della pittura greca, che ebbero una profonda influenza sulla cultura figurativa etrusca.

Tarquinia, con le sue cento e più tombe affrescate tra l'età arcaica e quella ellenistica, costituisce la più importante pinacoteca del mondo antico prima di Pompei. In mostra sono esposti alcuni dei reperti più significativi di questa straordinaria produzione pittorica, ancora in parte sconosciuta al grande pubblico. Il rinvenimento agli inizi degli anni Settanta dell'area sacra di Gravisca, porto di Tarquinia, ha costituito una tappa fondamentale per lo studio delle dinamiche economiche che hanno animato i rapporti commerciali nel Tirreno.


 

Etruschi
Le antiche metropoli del Lazio
21 ottobre 2008 - 6 gennaio 2009
a cura di Mario Torelli e Anna Maria Moretti
Palazzo delle Esposizioni
Orari: Domenica, martedì, mercoledì e giovedì: dalle 10.00 alle 20.00
Venerdì e sabato: dalle 10.00 alle 22.30. Lunedì chiuso
L'ingresso è consentito fino a un'ora prima della chiusura
Biglietti: intero 12,50 - ridotto 10,00
Permette di visitare tutte le mostre in corso al Palazzo delle Esposizioni
Call center info e prenotazioni: 06 39967500
www.palazzoesposizioni.it
Acquista il biglietto on line

Le altre mostre in corso al Palazzo delle Esposizioni
Bill Viola. Visioni interiori
21 ottobre 2008 - 6 gennaio 2009

Chromosomes
Cronenberg oltre il cinema
22 ottobre 2008 - 6 gennaio 2009


 

(fonte: Exibart.com )

(Exibart.com )

dal 25 ottobre 2008 | a cura di luca beatrice | palazzo della penna | perugia


La mostra Viva l'Italia. L'arte italiana racconta le città tra nascita, sviluppo, crisi. 1948-2008, ideata da Luca Beatrice, critico d'arte, docente all'Accademia di Belle Arti di Brera di Milano, si svolge a Palazzo della Penna di Perugia dal 25 ottobre 2008 all'11 gennaio 2009. Il tema della mostra, prodotta dall'Assessorato alle Politiche Culturali e Giovanili e dall'Assessorato all'urbanistica del Comune di Perugia, è dedicato alla città, intesa come scenario privilegiato, palcoscenico di eventi e laboratorio d'esperienza, snodo principale di sviluppo e di civilizzazione nel nostro Paese.
Sono passati sessant'anni dalla Biennale di Venezia del 1948, prima edizione del dopoguerra, in parte dedicata al tema della città ricostruita, la volontà di cambiare e lasciare dietro di sé drammi e devastazioni si palesa anche nelle opere d'arte. I pittori del tempo descrivono la città come luogo del molteplice: dal silenzio sospeso di Giorgio de Chirico in Piazza d'Italia, alla Periferia urbana di Mario Sironi, dalla Folla allo stadio di Renato Guttuso alla città come campo di tensioni e forze contrapposte nei dipinti astratto-informali di Emilio Vedova e Afro. Via via la narrazione della mostra si snoda attraverso momenti ed episodi che hanno determinato la storia d'Italia, mantenendo sempre come sfondo le emergenze metropolitane: gli anni Sessanta, ossia il decennio del boom economico, esplicitato nell'enfasi pop dei dipinti di Giosetta Fioroni, nei manifesti strappati di Mimmo Rotella, ma anche delle contestazioni emerse intorno al '68 - opere di quegli anni, il quadro di Mario Schifano Compagni Compagni, lo Specchio di Michelangelo Pistoletto, il ciclo fotografico di Franco Vaccari La città vista a livello di cane - poi culminate nel lungo decennio del terrorismo cui l'arte seppe reagire con intelligenza inserendo le nuove tematiche del post-moderno. E' soprattutto l'architettura (e il design) a preconizzare un inedito volto della città, qui esemplificato dai disegni e dagli schizzi di Aldo Rossi, Ettore Sottsass, e dalla celebre Poltrona Proust di Alessandro Mendini.
Negli anni '80 si può dunque cominciare a parlare di città ritrovata. Così come ritrovato è il gigantesco dipinto di Arduino Cantafora dal titolo La città banale, vero e proprio manifesto del post-moderno, esposto alla prima Biennale d'Architettura di Venezia nel 1980. Nell'arte visiva temi analoghi corrono nella Transavanguardia, l'omaggio a Torino di Nicola De Maria e quello a Roma di Enzo Cucchi, fino all'inizio degli anni '90, quando esordirono giovani "pittori metropolitani" come Bruno Zanichelli e Pierluigi Pusole, primi a contaminare il dipinto con i segni della cultura giovanile.
Si giunge infine al nuovo secolo, caratterizzato dalle contraddizioni di una società moderna e globalizzata, che si esprime in forme d'integrazione sociale e di multiculturalità ma anche in episodi di scontri, di attriti e di contrapposizioni tra realtà diverse; temi quest'ultimi interpretati dall'opera di Andrea Salvino Tutto il resto è noia, 2000, una sorta di rivisitazione vintage degli anni '70 realizzato in un curioso stile divisionista, dal classicismo pittorico mediato nell'utilizzo di materiali anomali (Luca Pignatelli Siracusa, 2007), fino alla visione neo-metafisica della città dall'alto (Grazia Toderi) o al lirismo delle periferie (Botto & Bruno).
La facciata del Palazzo della Penna, sede delle mostre d'arte contemporanea del Comune di Perugia, ospita l'installazione luminosa inedita, Il volto degli altri, realizzata da Marco Lodola.

La mostra è accompagnata da un catalogo di circa 190 pagine edito da Silvana Editoriale, con testi di Luca Beatrice e Daniela Magneti.


 

Viva l'Italia. L'arte italiana racconta le città tra nascita, sviluppo, crisi. 1948-2008
Dal 25 ottobre 2008 all' 11 gennaio 2009
Palazzo della Penna

 

Ci sono momenti nei quali un territorio si sviluppa in maniera unica, tanto da far parlare continuamente di sé. È il caso del Trentino - Alto Adige che negli ultimi anni ha conosciuto un fermento culturale che non ha eguali: grandi musei pubblici, gallerie storiche ed emergenti, università, festival, teatri, strutture avveniristiche, design. Tutto pare muoversi nella direzione giusta, generando continue occasioni di crescita per i residenti e allo stesso tempo un circuito di turismo culturale eccellente, in una regione da sempre attenta ai dettagli e all'accoglienza. Non è un caso che gli organizzatori e i curatori di Manifesta 7 ne abbiano fatto il laboratorio privilegiato dell'identità e della creatività europee.

Perché il Trentino - Alto Adige, che riunisce in sé Italia e area tedesca su immacolati sfondi alpini, è "un concentrato di questa Europa" (come osservato da Andrea Villani e Giacinto di Pietrantonio sull'ultimo Flash Art) "verrebbe da dire di questo Occidente - che sembra così sicura di sé, stereotipo di una civiltà alto-industriale matura, calcificata, remota, quasi fuori dal tempo rispetto ai grandi cambiamenti e alle grandi rivoluzioni contemporanee". In fondo, anche le polemiche suscitate dall'opera di Martin Kippenberger presso il nuovo Museion lo elevano a paradigma delle contraddizioni europee, dove neppure nelle grandi capitali del nord l'arte può dirsi ancora al sicuro. Ma dove i timori delle crisi finanziarie ed economiche in atto non impediscono (ed anzi impongono) di guardare al mercato dell'arte con rinnovato interesse. In uno scenario tanto elettrizzante, ricco di potenziale e oggi così maturo, gli organizzatori di Kunstart hanno deciso di proporre una sesta edizione di Kunstart completamente rinnovata: un progetto che vuole corrispondere all'impegno di musei, istituzioni e operatori del territorio. Ma che al tempo stesso si pone come obiettivo primario quello di fare mercato. E insieme di prestare attenzione alle molte suggestioni che l'arte contemporanea è in grado di offrire ad altri settori come quello del design, della comunicazione e della produzione industriale: per riaffermare la presenza dell'arte nello spazio della vita quotidiana e per rendere ancora più profondo il rapporto tra le comunità locali e gli interventi degli artisti, creando nuove connessioni tra arte, architettura e paesaggio.

Così - grazie al sostegno delle istituzioni locali, di nuovi sponsor, di imprese e di fondazioni - Kunstart 09 si prepara a sorprendere pubblico ed espositori con un programma del tutto nuovo, allineato agli orizzonti culturali che Bolzano è stata capace di comporre negli ultimi anni, ma fortemente improntato allo spirito originario di qualsiasi fiera, che è soprattutto quello di sostenere e stimolare il commercio. Fra le molte novità in cantiere si segnalano "Uncensored", premio dedicato all'arte giovane e volto a vincere gli imbarazzi di chi guarda ancora all'arte contemporanea come a uno specchio che terrorizza chi vi si riflette; "Sold Out", un concorso a sorpresa che regalerà un'opera d'arte ad un fortunato visitatore della Fiera, secondo modalità pensate per avvicinare il pubblico all'opera d'arte vista come affare; e poi un'iniziativa rivolta agli stessi espositori, che si ritroveranno compresi nel prezzo dello stand non solo il tradizionale Hotel Sheraton direttamente in Fiera per il proprio staff, ma anche un Hotel di lusso nel centro storico, dove avranno la possibilità di ospitare per l'intero week-end i propri collezionisti più affezionati.

L'organizzazione - che per la prima volta va dotandosi di un comitato internazionale di gallerie - valuta le candidature per l'edizione 2009 fino al prossimo 28 novembre.


 

KunStart - 6a Fiera dell'arte moderna e contemporanea di Bolzano
Fiera Bolzano, dal 21 al 24 maggio 2009
Per ulteriori informazioni: www.kunstart.it
info@kunstart.it
tel: +39 0471 516 210 (dalle 09.00 alle 18.00)


 

inaugurata sabato 25 ottobre 2008 | chiesa monumentale di san francesco | gualdo tadino, pg


Circa trecento opere del maestro della ceramica Alfredo Santarelli saranno le protagoniste della mostra antologica dedicata all'artista gualdese. L'esposizione, allestita all'interno della chiesa monumentale di san Francesco a Gualdo Tadino sarà inaugurata sabato 25 ottobre, e vuole essere l'occasione per conoscere la produzione artistica di Santarelli e le peculiarità della città di Gualdo Tadino con la sua ricca produzione di ceramica. La mostra fortemente voluta dall'amministrazione comunale è stata resa possibile, grazie anche al contributo economico del Ministero delle attività produttive, degli assessorati alla cultura e allo sviluppo economico della Regione Umbria, della Provincia di Perugia e di molti sponsor privati. "È un sogno che finalmente si realizza - ha ribadito il sindaco Angelo Scassellati -. Fin dall'inizio del mio mandato, quattro anni fa, mi sono proposto di realizzare una mostra su Santarelli, un artista che ha realizzato opere di particolare prestigio e bellezza che non poteva essere onorato in modo adeguato nella sua città natale".
"Figura esemplare di artista e maestro dell'arte ceramica Santarelli fu protagonista di punta della ceramica umbra della prima metà del XX secolo - ha ricordato il curatore Storelli -, tenendo attiva una propria manifattura a Gualdo Tadino dal 1899 al 1954. E noi in questa mostra riproponiamo la migliore produzione del Santarelli, segnata dallo storicismo, ovvero la copia dell'antico, con i suoi modelli del passato: gotici, ispano-moreschi, rinascimentali, ma anche preraffaelliti, di volta in volta riverberati nei toni dai cangianti lustri oro e rubino, fino ad arrivare alle sue opere cosiddette novecentiste".

Alfredo Santarelli nasce a Gualdo Tadino il 27 luglio 1874. Da giovane frequenta il laboratorio ceramico della bottega Rubboli, dove apprende la tecnica del lustro.Inizia la sua attività imprenditoriale nel 1899 nei fondi di un'abitazione in Via Monina e comincia a partecipare a varie rassegne acquisendo i primi riconoscimenti.Francesco Briganti, fondatore del Museo della Ceramica, lo chiama a Deruta per insegnare disegno presso la locale scuola comunale, per ridare impulso ad un'attività primaria per l'economia derutese. Ritornato a Gualdo, riprende con entusiasmo il suo lavoro e nel 1908 partecipa all'Esposizione Agricola e Industriale di Gubbio riportando un notevole successo.Nel 1913 impreziosisce la facciata della chiesa parrocchiale di Santa Maria Maddalena di Pontevalleceppi, nell'immediata periferia di Perugia, con un pannello, posto nel timpano, raffigurante la "Sacra Famiglia", con elementi architettonici nel rosone e con la raffigurazione di "Santa Maria Maddalena", titolare della chiesa, nel portale. Tutto in ceramica a lustri oro-rubino.Dal primo febbraio 1920 sino alla fine di quell'anno insegna disegno e plastica applicata alle arti nella scuola comunale di Gualdo Tadino in sostituzione del Prof. Giuseppe Discepoli deceduto qualche mese prima. La fabbrica Santarelli verso la seconda metà degli anni trenta inizia una produzione di tipo moderno con vasi di forme particolari, molto curati ed elaborati. Questa produzione caratterizzerà tutto il periodo sino al termine della seconda guerra mondiale.Il prof. Alfredo Santarelli, dopo una vita dedicata all'arte, ricca di successi nel campo professionale e in quello civile, si spegne il 19 agosto 1957.


 

Alfredo Santarelli
Dal 25 ottobre al 28 febbraio
Orario: tutti i giorni dalle ore 10.30 alle 12.30, dalle 15.30 alle 18.30, tranne il lunedì mattina
Ingresso: Costo del biglietto è di 3 euro, ad eccezione dei ragazzi al di sotto dei 15 anni, mentre ogni mercoledì l'ingresso è gratuito per i residenti della Città di Gualdo Tadino
Chiesa monumentale di San Francesco
Corso Italia
Gualdo Tadino - Perugia

Comune di Gualdo Tadino
Patrocinio: Ministero Sviluppo Economico
Regione Umbria
Provincia di Perugia
Camera di Commercio di Perugia
Organizzazione. Ass. turistica Pro Tadino

 

(fonte: Exibart.com )

28-29 ottobre 2008 | progetto a cura di valentina valentini | in collaborazione con il dipartimento di arti e scienze dello spettacolo (università di roma, la sapienza) | villa medici | roma


A Villa Medici ( sala cinema) il 28 e 29 ottobre due fitti programmi dedicati ad artisti che utilizzano il video come mezzo espressivo e a opere che sperimentano i dispositivi specifici delle tecnologie elettroniche e digitali, presentati da due dei più significativi studiosi e "creatori" francesi dell'arte video; Jean-Paul Fargier e AnneMArie Duguet.

Dall'arte video al cinema, passando per la televisione è il titolo che lo studioso, critico e regista francese Jean_ Paul Fargier, che insegna video e televisione presso l'università di Paris 8 ( Vincennes/Saint-Denis) ha dato al palinsesto di opere video da lui stesso realizzate dagli anni ottanta a oggi che presenta nella sala cinema di Villa Medici il 28 ottobre a partire dalle 18. Come lui stesso scrive, " Cineasta indipendente negli anni settanta e poi regista di televisione, ho cercato d'importare nel campo televisivo le "sperimentazioni" della video arte" che, secondo la sua formula, "è la coscienza stessa della televisione".
Sono previsti due pomeriggi consecutivi in cui le proiezioni si alternano ai commenti sulle opere , sulle circostanze di produzione, sulle personalià degli artisti di cui ricostruiscono il percorso , compongono il ritratto, fermano gli ultimi giorni di vita, da Nam June Paik a Antoni Munadas, da Michael Snow a Philippe Sollers, da Jean Daniel Pollet a Thierry Kuntzel e Fujiko Nakaya. Si tratta. di opere video, quelle realizzate da Fargier, trasmessi dai canali della televisione francese, una televisione intelligente che coniuga" le potenzialità specifiche, spesso mal esplicitate, della televisione", con tematiche che sembrano tipiche dell'inchiesta televisiva ( la masturbazione, il sesso, Sollers che recita il suo romanzo IL Paradiso) e che di fatto la rovesciano per l'ironia e la spregiudicata invenzione di un nuovo linguaggio audiovisuale.
La collana Anarchive di DVD e DVDRom ideata, curata e realizzata da AnneMArie Duguet, docente di Arte e Tecnologie all'Università di Paris 1, Pantheon-Sorbonne , è un originale esperimento sul concetto di archivio che va oltre l'idea del documento da conservare per esplorare , scrive la studiosa: "l'insieme delle opere di un artista partendo da diversi archivi. Il suo obbiettivo è di far conoscere una parte essenziale delle pratiche artistiche contemporanee : istallazioni, azioni, performance, video, interventi nello spazio pubblico. Opere spesso di natura, effimera che resistono ai mezzi di riproduzione e di documentazione convenzionale, e che non sempre sono oggetto di descrizioni precise, anzi , sono per lo più dimenticate, per cui la costituzione di una banca dati e l'analisi delle opere è anche un modo per costituire la loro memoria"

28 ottobre , opere di Jean-Paul Fargier: Dall'arte video al cinema, passando per la televisione
PLAY IT AGAIN, NAM (26'), Canal plus, Ex Nihilo - 1989
All'inizio, c'è Nam Jun Palk, il fondatore dell'arte video.
L'ho studiato molto, commentato con degli scritti e anche romanzato. Il ritratto di immagini si diverte a trovare delle rime tra le invenzioni di Palk e i principi della televisione al ritmo di un piano in 3D creato per l'occasione. Umorismo, narcisismo e pedagogia.

L'ORIGINE DU MONDE (26'), Arte, Ex Nihilo - 1996
All'inizio c'è il sesso. L'audacia di Courbet di rappresentare, senza veli, il sorriso verticale di una donna (ma quale?) è scrutata in tutte le sue ramificazioni attraverso la storia dei proprietari del quadro, per lungo tempo dissimulato, che tutto il mondo può vedere oggi al Museo di Orsay, Sesso, suspence e rivelazione.

M. la maudite (52', extratits), Arte, Ex Nihilo - 2007
L'inseminamento è al centro dei dibattiti sulla masturbazione. Seme perso che avvilisce l'atto solitario per i suoi censori. Seme senza seguito, esalta alcuni praticanti. Chi tra i preti o i filosofi (dell'Illuminismo) hanno gettato l'ostracismo su questo "pericoloso supplemento" (Rousseau)? Due adolescenti di oggi dibattono la questione con l'umorismo e la serietà dei cibernauti.
Scambiano argomenti artistici, filosofici, storici e sociologici su M. la maudite, grazie al sito internet creato per questo documentario-fiction. Masturbazione, erudizione e liberazione dal senso di colpa.

20h
Dal cinema post televisivo
SOLLERS AU PARADIS (13'), 1980 - 1983 (Centre Pompidou)
Concepito come un telegiornale, dopo l'Apocalisse, questo video riguarda lo scrittore Philippe Sollers, mentre recita il suo testo fiume, "Paradiso", in mezzo al crepitio d'immagini multiple, il cui montaggio si ispira sia all'opera video di John Sanborn e Bob Ashley sia al film "Méditerraneo" di Jean-Daniel Pollet. L'interpretazione dal vivo durava più di un'ora e fu ripetuta in una ventina di città del mondo, compresa Roma nel dicembre del 1981. Poi l'exploit fu ricostruito in studio. Incrostazione, performance e teologia.

JOUR APRES JOUR, un film di Jean-Daniel Pollet, in collaborazione con Françoise Geissler, musiche di Antoine Duhamel, realizzato da Jean-Paul Fargier (65'), 2006, (Ex Nihilo) Un cineasta che sente la sua fine avvicinarsi decide di filmare le sue quattro ultime settimane sulla terra. Ordina un testo a uno dei suoi amici e giorno dopo giorno colleziona le immagini di dove vive (cucina, camera, giardino, casa, libri, animali domestici, compagna). Egli è morto prima di finire il montaggio del film (composto da immagini multiple) che aveva schizzato sul foglio. Il suo amico decise di mettere a confronto tutte le immagini che aveva ricevuto, mese dopo mese e le parole che queste gli avevano ispirato. Ciò dà a sua volta un primo e un ultimo film. Non un film in più, ma un film in meno. Cinema, amicizia e fotografia.


Martedì 29 ottobre ore 18 sala cinema Villa Medici
Anne-Marie Duguet
Anarchive : una collezione di archivi numerici sull'arte contemporanea, sia c reazione che documento, una collezione di DVD, DVDRom, libri e progetti Internet, iniziata nel 1995, che permette di esplorare l'insieme delle opere di un artista partendo da diversi archivi. Il suo obbiettivo è di far conoscere una parte essenziale delle pratiche artistiche contemporanee : istallazioni, azioni, performance, video, interventi nello spazio pubblico, opere spesso effimere per natura, che resistono ai mezzi di riproduzione e di documentazione convenzionale, e che non sempre sono oggetto di descrizioni precise, per lo piùdimenticate, per cui la costituzione di una banca dati e l'analisi delle opere è anche un modo per costituire la loro memoria

18. - 20.
Presentazione generale della collezione "anarchive", dal primo titolo :Muntadas Media Architecture Installations (1999) al quarto titolo pubblicato nel 2007: Jean Otth Autour du Concile de Nicée. Proiezione di un film di Muntadas della serie "On translation" :On translation : Miedo Fear Proiezione di una selezione di video di Jean Otth

21. 23.
Presentazione di interfacce e di strutture di DVD-Roms di Anarchive dedicate a Michel Snow, Nam June Paik (non pubblicato), Thierry Kuntzel e Fujiko Nakaya.
Questa presentazione è accompagnata da una scelta di film e di video di questi artisti o da estratti di opere incluse nei diversi progetti.


 

JEAN-PAUL FARGIER E ANNEMARIE DUGUET
28 e 29 ottobre 2008
Ingresso libero
Accademia di Francia a Roma
Villa Medici
Viale Trinità dei Monti, 1
00187 Roma
www.villamedici.it

 

inaugurazione 27 Ottobre | ore 16:30 | conferenza di apertura sala conferenze della provincia di viterbo | a cura di marco trulli e claudio zecchi | via raniero capocci e sottopassaggio pedonale piazza crispi | viterbo


Spazi Manifesti è i secondo evento della manifestazione "Cantieri d'Arte - VISIONI URBANE CONTEMPORANEE".

Per il secondo anno consecutivo Cantieri d'Arte e Panta CZ presentano Spazi Manifesti, progetto speciale di public art il cui scopo è quello di sviluppare una lettura della città da un punto di vista ottico-percettivo: non un'analisi della città dal punto di vista storico-sociologico bensì una rilettura dello spazio urbanistico e architettonico nella loro accezione contemporanea.

Il progetto, in maniera più articolata rispetto alla passata edizione, accoglierà quest'anno due diverse tipologie di intervento:
(SOTTO)PASSAGGI
All'interno del sottopassaggio pedonale che collega Porta della Verità con Piazza Crispi, vero e proprio punto di giunzione tra la città medievale e la città contemporanea verrà realizzato, da parte del gruppo di artisti siciliani, Laboratorio Saccardi, un lavoro permanente dal titolo "Whispers" lungo tutto il perimetro del soffitto del sottopassaggio medesimo. La location rappresenta un luogo ideale, e metaforicamente e concettualmente, per una lettura dinamica della città: il sottopassaggio, infatti, viene varcato quotidianamente da centinaia di persone.
Il lavoro del Laboratorio Saccardi consisterà in interventi di diversa natura: un'istallazione sonora della durata di circa 60 minuti densa di rumori, bisbigli e segnali che in maniera quasi impercettibile, come una sorta di estensione ambientale, accompagnerà il passaggio quotidiano della gente comune; una serie di manifesti sottoforma di collage digitali che hanno il compito connotare corporalmente un'atmosfera altrimenti irreale e infine un'intervento pittorico nella parte superiore del sottopassaggio, concepito come spazio aperto volto a creare una dinamica dialettica tra artisti e spettatori.
MURATI FUORI!
Murati fuori! è una sezione del progetto che intende evidenziare la discontinuità del tessuto urbano disegnata dalle mura perimetrali della città medioevale. Ciò che s'intende sviluppare, attraverso "l'occupazione" temporanea di impianti di diverso formato, struttura e natura (poster, paline, giugiaro ecc.), che solitamente vengono utilizzati per la promozione pubblicitaria sul territorio, è un'analisi ideale sulla struttura urbanistico-architettonica sorta immediatamente fuori dall'anello perimetrale delle mura cittadine. Grazie all'intervento di Elena Arzuffi, Andrea Mastrovito, Andrea Salvino e dall'artista vincitore del bando "Spazi Manifesti", linguaggi di diversa natura si confrontano immersi nel contesto urbano proponendo letture e visioni altre della città in bilico tra antico e contemporaneo.

Nel corso della conferenza di inaugurazione verrà annunciato il nome del vincitore del concorso Spazi Manifesti prevista per lunedì 27 ottobre alle ore 16:30 presso la Sala Conferenze della Provincia di Viterbo in Via Saffi 39. Contestualmente verranno esposti i lavori partecipanti al bando.


 

Spazi Manifesti
27 ottobre ore 16:30 conferenza di apertura Sala conferenze della Provincia di Viterbo
Via Saffi, 39
Dal 27 Ottobre al 9 Novembre
Via Raniero Capocci e Sottopassaggio pedonale Piazza Crispi
Viterbo

Talk: Laboratorio Saccardi
Martedì 28 Ottobre, Aula 7, ore 11:00
Facoltà di Conservazione dei Beni Culturali, Università degli Studi della Tuscia
Artisti:
Elena Arzuffi
Andrea Mastrovito
Andrea Salvino
Laboratorio Saccardi
Info: www.cantieridarte.org
www.myspace.com/progetto_cantieridarte
info_spatrimonio@yahoo.it


 

(Exibart.com )

Una galleria virtuale, accessibile solo tramite il web, dove è acquistare le migliori istantanee di alcuni tra i più grandi fotografi contemporanei con un solo click. È questo il cuore del progetto ILEX, il sito che mette la migliore fotografia d'autore a disposizione di tutti, è stato presentato il 21 ottobre, con la mostra "One Night of Ilex", presso la 10b Photography Gallery a Roma (Garbatella) in via San Lorenzo da Brinidisi 10b.

ILEX nasce da un'idea di Deanna Richardson, curatrice di libri e di mostre fotografiche, con l'obiettivo di diffondere un nuovo modello di collezionismo per la fotografia: salvaguardare la qualità ma a prezzi accessibili. La missione di ILEX è infatti quella di allargare il bacino di utenti del collezionismo fotografico oltre i confini del circuito abituale del mercato, fino a raggiungere la più ampia fascia degli appassionati della buona fotografia. Per la sua presentazione al pubblico, ILEX ha selezionato una serie d'immagini d'autore che rappresentano la contemporaneità attraverso il linguaggio fotografico. Per questo la scelta è caduta sulle opere d'artisti di fama internazionale come Pep Bonet, Alessandro Cosmelli, Marie Laure de Decker, Stefano De Luigi, Agnes Dherbheys, Jason Eskenazi, Amr Kahdr, Yuri Kozyrev, Suzanne Opton, Angelo Turetta, Munem Wasif, Francesco Zizola.

Le stampe di ILEX sono vendute in due formati: Standard (30x40 cm) o Extra (110x160 cm). Sono stampe Fine Art, numerate, autenticate e certificate e prevedono una tiratura massima di 300 esemplari. Tale scelta permette un prezzo delle opere accessibile, senza compromettere il mercato del collezionismo. E con Art for Work, ILEX propone un'idea studiata appositamente per le aziende.

Le foto che compongono la selezione del progetto ILEX potranno essere visionate e acquistate, oltre che sul web all'indirizzo www.ilexphoto.com, anche eccezionalmente all'interno della 10b Photography Gallery durante la mostra "One Night of Ilex" il 21 ottobre 2008 e per appuntamento fino al 30 ottobre.


 

Per informazioni:
telefono +39 06-0697848038 / +39 366 4470700
info@ilexphoto.com

 

(fonte: Exibart.com )

dal 21 ottobre 2008 | a cura di kira perov | palazzo delle esposizioni | roma


Da oltre 35 anni, Bill Viola crea videotapes, video installazioni, ambienti sonori e performances di video e musica elettronica, realizzati utilizzando tecnologie sofisticate e innovative. Le sue opere -concepite per immergere totalmente il visitatore nell'immagine e nel suono -coniugano una straordinaria sofisticazione tecnica ad un'assoluta essenzialità formale. Pioniere della video arte, internazionalmente riconosciuto come uno dei massimi artisti contemporanei, Bill Viola ha svolto un ruolo fondamentale per la consacrazione di questo genere come forma massimamente vitale all'interno del panorama della creazione contemporanea e ha contribuito in maniera determinante al suo sviluppo in termini di tecnologia adottata e contenuti. Profondamente spirituale, la sua arte esplora il fenomeno della percezione sensoriale come strada maestra per la conoscenza di se stessi; essa si concentra sulle esperienze universali dell'uomo (la nascita, la morte, la natura, la relazione con l'universo) e ha le sue radici nell'arte occidentale e orientale così come nelle diverse tradizioni spirituali, dal buddismo zen, al sufismo islamico, passando per il misticismo cristiano. Riconducendo l'arte alle sue ragioni fondamentali, Viola la ricollega all'esperienza comune di ogni uomo, riuscendo a dargli la consapevolezza diretta della sua natura; il vero luogo in cui l'opera di Viola prende corpo non è infatti uno schermo o la parete di una stanza, ma la mente e il cuore dello spettatore.
La mostra al Palazzo delle Esposizioni, curata da Kira Perov e realizzata in collaborazione con Claudia Zevi & Partners, presenta una selezione di opere comprendente esempi differenziati delle sue ricerche artistiche recenti: installazioni in grande formato tra le più celebri e spettacolari (The Crossing, The Veiling), rivisitazioni video di icone della storia dell'arte (The Greeting, Emergence), immagini su schermo piatto con cui -attraverso sequenze rallentate e silenziose di prodigiosa espressività- l'artista si concentra sul mistero delle emozioni umane (Dolorosa, Anima, Silent Mountain, The Locked Garden).


 

Bill Viola. Visioni interiori
21 ottobre 2008 - 6 gennaio 2009
a cura di Kira Perov
Palazzo delle Esposizioni
Orari: Domenica, martedì, mercoledì e giovedì: dalle 10.00 alle 20.00
Venerdì e sabato: dalle 10.00 alle 22.30. Lunedì chiuso
L'ingresso è consentito fino a un'ora prima della chiusura
Biglietti: intero 12,50 - ridotto 10,00
Permette di visitare tutte le mostre in corso al Palazzo delle Esposizioni
info.pde@palaexpo.it
www.palazzoesposizioni.it

Le altre mostre in corso al Palazzo delle Esposizioni
Etruschi
Le antiche metropoli del Lazio
21 ottobre 2008 - 6 gennaio 2009

Chromosomes
Cronenberg oltre il cinema
22 ottobre 2008 - 6 gennaio 2009


 

ANTICO PRESENTE

NARCISO E IL SUO DOPPIO

25 ottobre – 12 novembre 2008

Si inaugura sabato 25 ottobre alle ore 19:30 nella sala Pinacoteca la mostra personale “Antico Presente” dedicata all’artista francese PAUL-LOUIS REBORA (nato a Rabat in Marocco nel 1927, vive ed opera in Francia) che si avvale della presentazione critica e della cura di Dores Sacquegna. In mostra sarà presente la recente produzione dell’artista, dal gusto neo-informale, e caratterizzata dalla concettualità del “reperto” .

“Nelle sue opere si assiste ad una figurazione che va oltre l’immagine rappresentata e raggiunge traguardi catalizzati nella nostra memoria, in un labirintico e ludico percorso all’indietro, saturo di  immagini e simbologie che richiamano a sedimentazioni arcaiche,    a-temporali…”. “Così dai suoi lavori fuoriescono come fantasmi del passato, paesaggi desolati, emersi da disastrose eruzioni vulcaniche dove la presenza dell’uomo è pressoché inesistente, salvo per alcune opere in cui si avverte il passaggio dell’uomo sulla terra come testimonianza di un passato arcaico, primitivo, simbolico. Sono scritture criptiche, anche zen, codici con cui l’artista riesce a catapultare lo spettatore in un futuro remoto, trasformandolo in una specie di archeologo di un era di là da venire, in attesa di una incerta fine del mondo e di un possibile inizio di una nuova era, che emerga in qualche modo dalle rovine del passato-presente, per un ritorno felice alla natura ed ai suoi cicli e al suo ordine”.

In contemporanea nella Project Room la collettiva “Narciso e il suo doppio” con le opere degli artisti: Silvia De Gennaro(Roma),Cinzia Fresia (Torino), Maria Luisa Imperiali (Milano), Maggy Jacot (Brussel, Belgio), Dario Manco (Lecce), Teresa Olabuenaga (Città del Messico), Giancarlo Rocca & Alejandro Buonpensieri (Torino, Argentina), Gianluca Russo (Lecce).

“Doppio come trasformazione del sé nel concetto di bellezza e di quotidianeità nell’opera “Beauty”di Silvia De Gennaro.

Cinzia Fresia, gioca sul riflesso allo specchio del Narciso (fiore) riecheggiando il mito delle “Metamorfosi di Ovidio”.

Più realistico e pittorico,  legato all’iconografia classica,  il” Narciso” del duo artistico composto da  Giovanni Carlo Rocca e Alejandro Buonpensieri, che negli ultimi anni operano assieme. Due uomini, un’unica opera. Amore e abisso, bene e male.

Ma il tema del doppio offre differenti valenze: non solo vanità, illusione, omosessualità, identità fisica ma anche “Natura dell’Es” e lo dimostra ampiamente l’opera “Es” di Dario Manco. Un’opera anch’essa a metà tra fotografia e pittura, che contraddistingue l’ultima produzione dell’artista pugliese, affascinato dai colori dell’assenza, dai muri scrostati dal tempo e dalle simbologie legate all’” social identity” di oggi. Uno sdoppiamento che emerge anche nell’opera fotografica di Maria Luisa Imperiali in “if you look me I look me” , cioè, se tu mi guardi io mi guardo, mi riconosco. Uno sdoppiamento dovuto più ad una clonazione che ad una riflessione.

E proprio sui cloni e sui gemelli monozigoti, verte da anni oramai la ricerca del pugliese, Gianluca Russo presente con la video-performance” Twins 38, Morso d’amore”. Protagonisti due gemelli monozigoti che interpretano una antica danza legata ai culti orgiastici dedicati a Dionisio; il video documenta, la tradizione del  tarantismo come esorcismo musicale ma anche il luogo ricco di vegetazione mediterranea, lo specchio per contemplare i movimenti, l’acqua per rinfrescarsi durante la lunga danza e una corda appesa dove lasciare oscillare il corpo e la testa per imitare i gesti del ragno. Antico e presente (tradizione e clonazione). Dalla mitologia greca di “Dedalo ed Icaro” attinge l’artista belga Maggy Jacot, che presenta due sculture  in alluminio che si abbracciano sospese nello spazio. Icaro rappresenta col suo volo aereo il sogno dell'adolescente di diventare adulto prima del tempo,  Dedalo, omicida per imprudenza del proprio figlio Icaro, è uno scienziato che per interesse o per vanità è in grado di concorrere alla creazione di mostri disumani, come il Minotauro. Imitazione della realtà e al contempo lirismo plastico ed artistico nelle opere di Teresa Olabuenaga, che gioca sull’identità del doppio. Mani e piedi si stagliano su una sorta di arazzo pittorico, nel quale si intravedono ritagli di identità ripetute all’infinito”. (Dores Sacquegna)

Informazioni

Inaugurazione sabato 25 ottobre ore 19:30

(alla presenza degli artisti)

Cataloghi  in mostra

Date: 25 ottobre – 12 novembre 2008

Giorni & Orari: dal lunedì al sabato dalle ore 17,00 alle 20, 00

Ingresso libero

Sede espositiva e commerciale:

Primo Piano LivinGallery

Arte Contemporanea

Viale G. Marconi 4 Lecce, 73100

Tel/fax:0832 304014

www.primopianogallery.com

(fonte: Exibart.com )

(fonte: Exibart.com )

(fonte: Exibart.com )

(fonte: Exibart.com )

inaugurazione venerdì 17 ottobre | ore 17.30 | accesso gratuito al museo dalle 14.00 fino alle 20.00 | a cura del museo d'arte di lugano | secondo piano di villa ciani | lugano


Il progetto espositivo
Il Museo d'Arte della Città di Lugano dedica all'artista Anita Spinelli una mostra antologica nel quadro delle iniziative rivolte a sottolineare la realtà artistica del territorio. Tale obiettivo infatti è tra i punti qualificanti dell'attività del Polo Culturale della Città.

Presentazione
Fra le rare artiste ticinesi attive nella prima metà del XX secolo, Anita Spinelli è una figura di interesse nel panorama artistico regionale e non solo.
Allieva all'accademia di Brera fra il 1925 e il 1933, anno in cui ottiene il diploma, si forma a contatto con il clima di Novecento e partecipa alla fervida vita artistica della capitale lombarda. Dopo gli studi, indotta a rientrare in Ticino sia dagli avvenimenti politici sia dal matrimonio, interrompe i rapporti con la vicina Italia ed è spinta ad aprirsi a nuove influenze. L'asse delle sue frequentazioni si sposta verso Nord. Dalla metà degli anni trenta partecipa a esposizioni in Ticino e Oltralpe e frequenta nel Mendrisiotto il gruppo de I Solidali. In questi anni, alla matrice lombarda delle sue prime opere si sovrappone una più marcata espressività di ascendenza nordica e, progressivamente, l'artista si apre a innumerevoli suggestioni; ciononostante, pur accostandosi ai più svariati linguaggi, non aderisce a nessuno in particolare.
La sua personale cifra stilistica vede quale principale referente la realtà quotidiana, spesso trasfigurata mediante la sua interiorità. La visionarietà, componente dominante nelle sue tele, si palesa in modo particolare tramite l'accentuazione espressiva del colore e una grande libertà compositiva.

L'esposizione
La rassegna antologica ripercorre l'intera attività dell'artista dal periodo della formazione braidense ai giorni nostri, attraverso un centinaio di oli, opere su carta ed alcune sculture, provenienti da collezioni pubbliche e private.

Accanto a tele stilisticamente improntate al Novecento italiano del periodo milanese - all'interno del quale troviamo ritratti, scene di genere e paesaggi - saranno proposte opere che contraddistinguono gli anni del rientro in Ticino, caratterizzate da un linguaggio maggiormente espressivo. Saranno inoltre presenti dipinti che testimoniano le varie fasi stilistiche attraversate dalla pittrice, che vanno dalla scomposizione cubista all'astrattismo, fino ad arrivare ai lavori recenti: tele contraddistinte da colori luminosi e trasparenti. Fra i soggetti prediletti si annoverano paesaggi vicini e lontani, popolati da uomini e donne immersi nel quotidiano, dove però si muovono anche arlecchini e acrobati, musicisti e personaggi o animali fantastici.

Nell'esposizione sarà visibile il filmato dedicato ad Anita Spinelli realizzato da Matteo Bellinelli e prodotto nel 2008 dalla Televisione Svizzera di lingua italiana.

Il catalogo
L'evento sarà accompagnato da un catalogo edito dalla Città di Lugano in versione italiana e inglese. Nella pubblicazione saranno altresì presenti un contributo introduttivo di Claudio Guarda, un saggio critico di Flaminio Gualdoni, un testo di Kornelia Imesch e un'intervista all'artista di Cristina Brazzola.


 

ANITA SPINELLI
Dal 18 ottobre 2008 al 1 marzo 2009
VILLA CIANI, PARCO CIANI
CH - 6900 LUGANO
TEL: +41 (0)58 866 7214
FAX: +41 (0)58 866 7497
ORARIO: Da martedì a domenica 10-18 (orario continuato).Lunedì chiuso
INGRESSO AL MUSEO: Intero Fr. 12 / € 8. Ridotto, AVS e over 65 anni, gruppi e studenti 17-25 anni. Fr. 8 / € 5. Ragazzi fino a 16 anni Fr. 0 / € 0
VISITE GUIDATE E PROPOSTE DIDATTICHE PER GRUPPI E SCUOLE:
Visita guidata/Atelier in italiano Fr. 150 / € 100
Visita guidata/Atelier in francese, tedesco e inglese Fr. 200 / € 133
Le attività didattiche per le scuole attive sul territorio del Cantone Ticino sono gratuite VISITE GUIDATE PER I SINGOLI VISITATORI ORE 15.00 OGNI PRIMA DOMENICA DEL MESE (2 NOVEMBRE, 7 DICEMBRE, 4 GENNAIO, 1 FEBBRAIO, 1 MARZO 2009):
Ingresso e visita guidata
Per adulti Fr. 17 / € 11
Ridotto AVS e over 65 anni, gruppi e studenti 17-25 anni Fr. 13 / € 9
Ragazzi fino a 16 anni Fr. 5 / € 3
Durata della visita circa 1 ora
Iscrizioni entro le ore 12.00 del venerdì precedente la visita guidata
La visita si terrà solo se si raggiungerà un minimo di 8 partecipanti

INFORMAZIONI Tel. +41 (0)58 866 7214 E PRENOTAZIONI: info.mda@lugano.ch
www.mda.lugano.ch

PROGETTO DELL'ALLESTIMENTO: Museo d'Arte, Lugano
CATALOGO: Titolo: Anita Spinelli
a cura di Cristina Brazzola
Saggi di Claudio Guarda, Flaminio Gualdoni, Kornelia Imesch
Intervista all'artista e apparati a cura di Cristina Brazzola
Bilingue italiano / inglese
24 X 17 cm, 200 pagine, 102 immagini a colori
Edizioni Città di Lugano, Fr. 30 / € 20
CON IL SOSTEGNO DI: Casinò Lugano, Repubblica e Cantone Ticino

 

inaugurazione venerdì 17 ottobre | ore 17:30 | sala degli specchi | a cura di museo d'arte della città di ugano | villa ciani | lugano


Il Museo d'Arte e la Fondazione Aligi Sassu e Helenita Olivares della Città di Lugano presentano a Villa Ciani le opere della serie "Maison Tellier", il ciclo più folto dell'attività creativa dell'artista spesso trascurato dalla critica, ispirato dall'omonima novella scritta da Guy de Maupassant nel 1881.

La mostra, intitolata "Sassu Maison Tellier" si snoda nelle sale al piano terreno di Villa Ciani e offre lo spunto per confrontarsi con un capitolo significativo della produzione di Aligi Sassu, coincidente con un periodo particolarmente fecondo sia dal punto di vista artistico che da quello storico.

Lasciatosi ormai alle spalle gli esordi futuristi, i lavori di matrice primitivista, il fortunato ciclo degli Uomini rossi, la fase realista, le numerose scene di battaglia, i caffè e le opere di impronta sacra, Sassu dimostra in questa serie dedicata alla Maison Tellier una piena maturità artistica, rivelata in tutta la sua concretezza, sia tecnica che espressiva.

La genesi del soggetto postribolare è da ricercare nella serie dei Caffè affrontata nella seconda metà degli anni trenta quando Sassu, influenzato dalla frequentazione di caffè a Parigi e Milano, si dedica alla rappresentazione di luoghi di ritrovo mondani in cui si intrecciano e contrappongono le pose e gli sguardi di artisti, intellettuali, borghesi, eleganti signore e anche furtivi amanti. Il fulcro della produzione del ciclo Maison Tellier si concentra nella seconda metà degli anni quaranta, con una particolare intensità nel triennio 1946-1948; riprese del tema, frammiste a scene di interni di caffè, si ritrovano tuttavia in tutto il decennio successivo.

Sono presenti in mostra una cinquantina di opere, alcune delle quali inedite, provenienti dalla Fondazione Aligi Sassu e Helenita Olivares di Lugano e da collezioni private svizzere e italiane. Accanto alle opere pittoriche - oli, acquerelli, tempere e pastelli - viene posta l'attenzione anche su alcune opere grafiche, sette delle quali vennero realizzate per illustrare una edizione della Maison Tellier che avrebbe dovuto essere pubblicata per le Edizioni La Conchiglia di Milano ma che non ebbe mai luogo; queste ultime testimoniano da vicino la visione di alcune scene del racconto da parte dell'artista. Sono inoltre presenti in mostra alcune formelle in maiolica e tre piatti in ceramica, realizzati dall'artista negli anni quaranta-cinquanta durante i soggiorni presso la bottega di Tullio Mazzotti ad Albisola, attorno a cui gravitavano, nello stesso periodo, artisti quali Karel Appel, Luigi Broggini, Asger Jorn, Wilfred Lam, Lucio Fontana.

Il catalogo in lingua italiana, edito dalla Città di Lugano, contiene saggi critici di Vittorio Fagone e Alessia Giglio Zanetti che analizzano la produzione artistica di Aligi Sassu relativa al ciclo Maison Tellier e al contesto storico-artistico in questione, con particolare riferimento al movimento di Corrente.


 

SASSU MAISON TELLIER
Dal 18 ottobre 2008 al 1 marzo 2009
Villa Ciani, Parco Ciani 5
CH - 6900 Lugano
Tel: +41 (0)58 866 7214
Fax: +41 (0)58 866 7497
ORARIO: Da martedì a domenica 10-18 (orario continuato) Lunedì chiuso
INGRESSO AL MUSEO: Intero Fr. 12 / € 8 Ridotto, AVS e over 65 anni, gruppi e studenti 17-25 anni Fr. 8 / € 5 Ragazzi fino a 16 anni Fr. 0 / € 0

VISITE GUIDATE PER GRUPPI: Visita guidata in italiano Fr. 150 / € 100
Visita guidata in francese, tedesco e inglese Fr. 200 / € 133
VISITE GUIDATE PER I SINGOLI VISITATORI ALLE MOSTRE "ANITA SPINELLI" E "SASSU MAISON TELLIER"
ORE 15.00 OGNI PRIMA DOMENICA DEL MESE
(2 NOVEMBRE, 7 DICEMBRE, 4 GENNAIO, 1 FEBBRAIO, 1 MARZO 2009)
Ingresso e visita guidata Per adulti Fr. 17 / € 11
Ridotto AVS e over 65 anni, gruppi e studenti 17-25 anni Fr. 13 / € 9
Ragazzi fino a 16 anni Fr. 5 / € 3
Durata della visita circa 1 ora
Iscrizioni entro le ore 12.00 del venerdì precedente la visita guidata
La visita si terrà solo se si raggiungerà un minimo di 8 partecipanti

INFORMAZIONI E PRENOTAZIONI: Tel. +41 (0)58 866 7214
info.mda@lugano.ch
www.mda.lugano.ch

CATALOGO: Sassu Maison Tellier
Saggi di Vittorio Fagone e Alessia Giglio Zanetti
Lingua italiana
21 x 15 cm, 108 pagine, 63 immagini a colori
Edizioni Città di Lugano, Fr. 25 / € 17


 

(fonte: Exibart.com )

IN DREAMS I DANCE WITH YOU.
IN SOGNO BALLO CON TE.
IN M'N DROMEN DANS IK MET JOU.

A poco più di un mese dall'avvio, cresce la curiosità attorno a Club To Club 08, l'ottava edizione del Festival Internazionale di Musiche e Arti Elettroniche che non solo si sta sempre più affermando nella mappa dei più prestigiosi festival internazionali, ma con le sue scelte artistiche traccia traiettorie nuove e inedite immaginando una musica che generi meraviglia in contesti non ordinari, e coinvolgendo linguaggi artistici differenti ma convergenti.

Club To Club torna da giovedì 6 a sabato 8 novembre 2008 a Torino, e in contemporanea in Olanda, a Rotterdam, sabato 8 novembre, nei giorni in cui Torino diventa capitale italiana delle arti contemporanee e del design (grazie a Torino - Piemonte Contemporary Arts, ARTissima e Contemporanea-Mente, 2008 Torino World Design Capital, Luci d'Artista e T2 Triennale d'Arte Contemporanea, realtà con le quali il festival ha interagito negli anni e continua a interagire e dialogare con intensità).
Dopo Berlino e Barcellona, il Festival approda per la prima volta a Rotterdam con la sezione del Festival intitolata Club Europa, nel primo club al mondo ecosostenibile (WATT) . Proprio con Rotterdam si realizza l'unione di clubbing ed ecosostenibilità, design e giovani (grazie al progetto Sustainable Dance Club a Rotterdam, con Rotterdam prima European Youth Capital nel 2009, e Casa Design Rotterdam a Torino). Inoltre grazie al programma piemontese Wi-Pie le immagini del festival a Torino e Rotterdam saranno visibili in rete e negli spazi del festival.

Il programma del Festival spazia tra minimalismo e musica sperimentale, post rock ed elettronica old school, dubstep e techno house visionaria, con artisti tra i più importanti e innovativi del suono elettronico contemporaneo, dalle stelle James Holden, Ellen Allien e Magda a musicisti di frontiera come Four Tet e i Pivot, dai leggendari Moritz von Oswald (insieme a Vladislav Delay) e Theo Parrish ai nuovi talenti Benga e Skream della Tempa, da personaggi di culto come Byetone e Kangding Ray della Raster Noton al ritrovato Mr. Oizo, e poi Munk, The Mole, 2000 And One, Federico Molinari, gli artisti emergenti della community di PiemonteGroove, e le realtà torinesi Xplosiva.

E oltre alla presenza di artisti come Willoughby Sharp, David Canisius, Francesca Grilli, Dafne Boggeri e Lorenzo Brusci, il cartellone prevede partnership esclusive e speciali che suggeriscono nuove sperimentazioni artistiche, come la contaminazione autentica tra classica ed elettronica (la YellowLounge della prestigiosa etichetta "gialla" Deutsche Grammophon), le arti performative e il teatro di ricerca che flirtano con la musica e il rumore elettronico (festival internazionale Drodesera e progetto Fies Factory One), le arti visive e le esperienze immersive di architettura del suono (IED Milano e Sound and Experience Design con B&C).

Il Lingotto Fiere Padiglione 1, WATT club, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Hiroshima Mon Amour, Supermarket, Pier, Mirafiori Motor Village saranno solo alcune delle sedi del festival.

Il festival sarà anticipato da un prestigioso evento a Milano, "Viva Club To Club", presentato e offerto da Alfa Romeo MiTo, la vettura compatta più sportiva al mondo, che da quest'anno è Main Partner ufficiale del festival. Viva Club To Club si svolgerà al Teatro di posa dello IED giovedì 23 ottobre con la presenza di Plaid, Sascha Funke (presentato dal Watergate club di Berlino), Sound and Experience Design, Claudio Sinatti, Xplosiva. L'anticipazione del festival proseguirà a Torino il 24 e 25 ottobre, e includerà tra l'altro il concerto di Sébastien Tellier sabato 25 ottobre a Hiroshima Mon Amour.


 

(fonte: Exibart.com )

(fonte: Exibart.com )

inaugurazione 16 Ottobre 2008 | ore 18.30 | a cura di andrea gaspari | fabbrica borroni | bollate


Per il suo primo progetto curatoriale interamente prodotto, Fabbrica Borroni si propone di portare alla ribalta alcuni tra i giovani artisti italiani più interessanti del panorama nazionale: Paolo Cavinato, Barbara DePonti, Diego Mazzaferro.
La mostra, nata e sviluppatasi in mesi di assidui incontri tra curatore ed artisti, si propone come un momento di analisi della pratica artistica, non solo individuale, ma anche del processo speculativo-creativo che è alla base di ogni ricerca, di ogni indagine che, partendo da consapevolezze acquisite, giunga a nuovi significati.
Il fine è quello di far "cum fligere" i singoli elementi (gli artisti), coi loro comportamenti semplici e ben definiti, all'interno del sistema (la mostra), facendo emergere un comportamento globale (l'opera) non previsto dalle singole parti e risultante dalle interazioni, indeterminabili a priori, tra i vari elementi che costituiscono il sistema. L'opera così emersa mantiene una componente aleatoria e legata alla possibilità, configurandosi nel senso delle molteplici alternative possibili.

L'incontro tra l'emotività intima dei lavori di Cavinato, lo stile raffinato e minimale della DePonti e il cromatismo astratto dei simulacri di Mazzaferro, si concretizza in una struttura "complessa" tanto nella realizzazione pratica della mostra, quanto nello sviluppo teorico della stessa.


 

Simmetria personale
Paolo Cavinato, Barbara DePonti, Diego Mazzaferro
conferenza stampa: 15 Ottobre 2008, h. 11.00
Spazio Multicenter Mondadori, Corso Vittorio Emanuele II, Milano
dal 17 Ottobre al 16 Novembre 2008
Orari: Martedì - Venerdì ore 16.00 - 20.00 Sabato e Domenica Ore 11.00 - 20.00
Fabbrica Borroni
Via Matteotti, 19 20021 Bollate
Tel. 02.36507381| 02.36507258 Fax. 02.36507046
www.fabbricaborroni.it
info@fabbricaborroni.it

Assistente curatela Erika Massia
Responsabile comunicazione Chiara Callerio
Patrocinio Comune di Bollate
Con il contributo di Arscolor, Laboratorio per l'immagine professionale, digitale e Fine Art MILANO Studio Matteo Crosera


 

(fonte Exibart.com)

(fonte: Exibart.com )

(fonte: Exibart.com )

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I numerosi Artisti che aderiscono al progetto di Arte da mangiare, ospiti della Società Umanitaria, per la Giornata Mondiale dell'Alimentazione, lanciano un appello a Milano per l'Expo 2015 e di conseguenza a tutta l'Italia attraverso la performance: Orto d'Artista: dalla Semina al Raccolto
Il 16 Ottobre, presso il magico Chiostro dei Glicini dell'Umanitaria a Milano, "SEMINERANNO."
Il gesto della semina vuole contribuire alla comunicazione dell'appello della FAO sostenuto dall'ONU e proposto dal Ministero degli Affari Esteri.
Arte da mangiare si fa carico sino al 2015 per l'Expo di procedere ogni anno nella Giornata Mondiale dell'Alimentazione alla "SEMINA".
Milano così si prepara ad una grande trasformazione.

"Orto d'Artista, un SEME. che negli anni produrrà un raccolto, organico, inorganico, artistico, intellettuale, sociale, sperimentale .. ed altro .. con lo scopo di avvicinare tutti alle problematiche della nostra madre terra.
Il "RACCOLTO"sarà il secondo appuntamento che si terrà dal 13 al 27 aprile 2009 nelle Settimane del Verde e gli artisti raccoglieranno il frutto della propria semina
Orto d'artista sta già emigrando in altre Province, altre Regioni ed è già internazionale
Tutti coloro che desiderano collaborare, presentare progetti, idee possono contattare la commissione di Arte da mangiare commissione.a.ortista@gmail.com

Vi aspettiamo il 16 ottobre 2008 ore 18.00 Società Umanitaria Via San Barnaba, 38
Arte - Chiostro dei Glicini
- Performance d'arte in cui gli artisti, all'interno del Chiostro dei Glicini, "Semineranno" il proprio progetto poetico formando in tal modo un'unica installazione. Questo atto performativo rimarrà come momento storico a testimonianza del progetto che andrà a concludersi, attraverso varie tappe di luogo e di date con l'Expo 2015.
- Mostra di immagini fotografiche del concorso Biolphoto a cura di ICEA (Istituto per la Certificazione Etica e Ambientale)- Chiostro dei Glicini
- Pippa Bacca: Il muro in verde - pensiero all'antesignana del verde
- Videoproiezioni proposte dall'Associazione Arte da mangiare di Damasco (Syria)
- Videoproiezione della manifestazione Arte in verde 2008

Ore 19.00 Momento istituzionale - Salone degli affreschi
Interverranno:
Presidente dell'Umanitaria Dott. Amos Nannini - Presidente di Arte da mangiare Ing. Mario Bedussi - Direttore artistico Arte da mangiare Prof.ssa Ornella Piluso - Consigliere di Arte da mangiare Dott. Vincenzo de Vera - Delegato del Ministero degli Affari Esteri - On. Riccardo Garosci Consigliere Speciale Commissione Europea
- ICEA offre ai presenti degustazione di olio e miele - Salone degli Affreschi

Ore 20.00
- ORTOPHIL® Fertilizzante filosofico Performance della Jam Session filosofica - Salone degli affreschi
In occasione del Festival Internazionale dell'Alimentazione organizzato da Expo Milano 2015 dal 16 al 22 ottobre Arte da mangiare sarà presente con le seguenti installazioni: Corso Como - Progetto giovani fra gli artisti: Silvia Spinetta, Alice Tettamanzi, Vito Romanazzi., Colonne di San Lorenzo - installazione dell'artista Stefano Soddu: "fecondazione", Piazza San Carlo - installazione dell'artista topylabrys: "esplosioni di natura"

17 ottobre 2008 dalle ore 10.00 Giardino della Guastalla
L'installazione della semina verrà collocata all'interno nel Giardino della Guastalla dove i "semi" degli artisti cresceranno sino al 13 aprile 2009 e da quel giorno inizierà il "RACCOLTO" sino al 27 aprile

Tra gli artisti che hanno già aderito:
Elena Amoriello - Marco Anello - Alessandra Angelini - Antonio Antonucci - Giuseppe Bagattoni - Clara Bartolini - Donatella Baruzzi - Giugi Bassani - Erika Battello - Giuliana Bellini - Chiara Belloni - Alice Bertelli - Donatella Bianchi - Carmine Caputo di Roccanova - Massimiliano Cardone - Marilu' Cattaneo - Cristian Ciamporcero - Roberto Contini - Beppe Cremaschi - Carla Crosio - Francesco Cucci - Stefania Dameri - Loredana De Lorenzi - Daniela Dente - Gabriella Di Trani Fausta Dossi - Massimiliano Duroni - Silla Ferradini - Davide Ferraris - Salvatore Fiori - Eliana Frontini - Claudio Gasparini - Genesiart - Hackatao - Svetlana Kuliskova - Ruggero Maggi - Giuliana Maldini - Pier Antonio Manca - Beatrice Marchi - Sandra Marzorati -Antonio Massari - Maria Mesch - Cosetta Muggianu - Museo Teo - Daniela Nasoni - Clara Ornaghi - Gianni Ottaviani -PdF Concept - Marco Pece - Tiziana Pellerano - Flavio Pellerito - Luca Perdomini - Edy Persichelli - Pervinca - Valeria Petrocelli - Roberta Peveri - Patrizia Pompeo - Tiziana Priori - Renzi & Lucia - Vito Romanazzi - Antonio Salamino - Eugenia Scaglioni - Stefano Soddu - Silvia Spinetta - Cristina Stifanic - Vania Elettra Tam - Alice Tettamanzi - topylabrys - Micaela Tornaghi - Franco Vertovez - Maddalena Vidale - Gianni Villa - Monika Wolf - Paola Zan

Con la presenza di:
Agrimercati, AmmA organizzazione eventi, aMAZElab laboratorio culturale, Apogeo Editore, Connecting Cultures, Commissione Food Design ADI, Comune di Calice Ligure, &CO naturally together, Durchblick associazione culturale, 4F Food Culture, Fnac Italia S.p.a., Fondazione D'Ars, Galleria Scoglio di Quarto, Wannabee Gallery, ICEA Istituto per la Certificazione Etica e Ambientale, Il giardino degli aromi, Istituto Uomo e Ambiente, Marketing Informatico, Pervinca, PhotoAid, Puzzle 4 Peace Project progetto di scart-italia Onlus, Quanta Agenzia per il Lavoro, ricerca e selezione, formazione, Quanta Sport Village, Slide, Società Umanitaria, Ufficio a Milano del Parlamento Europeo, Università degli Studi di Milano Facoltà di Agraria.

Con il patrocinio di: Regione Lombardia Assessorato all'Agricoltura e Assessorato alla Qualità dell'Ambiente, Provincia di Milano ufficio Presidenza, Comune di Milano Assessorato Arredo, Decoro Urbano e Verde


 

Progetto di: Ornella Piluso
Critica a cura di: Rolando Bellini e Matteo Galbiati
Foto e Video a cura di: PhotoAid

Segreteria operativa: Arte da mangiare
Via Daverio, 7 - 20122 Milano
Tel. +39 02 54122521 - Fax +39 02 54122521
Alice Tettamanzi +39 348 9238149
Silvia Spinetta +39 349 5342491
info@artedamangiare.it
Ufficio Stampa : Equipe Milano srl
Olivia Spatola
Via Canova 19/a Tel +39 02 34538354 - Fax +39 02 34538355
Cel. +39 335 6463636
Olivia.spatola@equipemilano.com


 

vernissage 11 ottobre | alle 18:00 | auditorium la tinaia, parco corsini | fucecchio


Fucecchio, città situata nel cuore della Toscana, anche per quest'anno si riconferma centro di rilievo per l'arte della fotografia nell'accogliere la quarta edizione del FOFU phot'art.
Una manifestazione creata nel 2005 dal FotoClub Fucecchio con il patrocinio e il contributo del comune e della Banca Toscana, che si è inserita in modo deciso tra i più importanti nuovi foto festival della nazione. La ricerca degli artisti più all'avanguardia, le moderne installazioni sapientemente inserite in una suggestiva location medievale e la varietà di linguaggi espressivi presenti, sono le prerogative di questo successo. Il Fucecchio Foto Festival è dedicato ad un pubblico non solo di esperti, ma a tutti coloro che curiosamente vogliono guardare il mondo da diverse prospettive, attraverso gli occhi di chi con una fotografia va ben al di là di una semplice riproduzione della realtà.
L'evento 2008 sarà caratterizzato da una forte impronta internazionale, con ben 4 autori stranieri, tutti molto giovani e con un curriculum di tutto rispetto.
L'organizzazione del FOFU 2008 spetta al Foto Club Fucecchio così come la direzione artistica, sotto la guida di Luca Palatresi con Fabio Montanelli.
Il Foto Club Fucecchio è un'associazione culturale attiva sul territorio dal 1995. Da sempre volta a la libera espressione si propone di aggregare coloro che vogliono vivere attivamente l'arte fotografica. Da segnalare il corso fotografico annuale che il FCF organizza dal 1998 con un grande successo e che quest'anno si terrà a partire da novembre per una durata di circa 30 ore.

Gli Autori:
Mitya Kushelevich, eclettico fotografo di origine russa, proveniente dalle riviste patinate, si propone con uno stile tutto suo, volto a creare nuove realtà con un grado di astrazione simile al mondo dei sogni e per questo usa la fotografia al fine di tradire l'occhio umano che osserva l'immagine dinnanzi a sé. Uno stile sorprendente in cui si colloca sul limite della dissociazione dalla realtà e la fotografia in sé. Egli si presenta con due differenti progetti.
"Happy days" , rappresenta un'esagerata parodia del linguaggio visivo nel settore pubblicitario. Una serie di ritratti di dimensioni giganti saranno l'introduzione agli spazi espositivi, tramite un'installazione in esterno di poster affissi su pannelli di legno alla stregua delle affissioni pubblicitarie.
"I Would" è dedicato ai supereroi. Ovvero al supereroe che ognuno di noi vorrebbe essere. Da questa ricerca sono nati dei ritratti molto intensi, sofisticati, cromaticamente desaturi...insomma diametralmente opposti al progetto Happy Days.

Dalla Danimarca approda invece David Hogsholt con "Las Vegas Dreams" (reportage by Getty Images), un reportage a colori di grande effetto, che evidenzia il volto caricaturale e le atmosfere dai forti contrasti del più grande Paese dei Balocchi d'occidente. Laureatosi con il massimo dei voti alla Scuola Danese di Giornalismo nel 2005, è stato collaboratore del quotidiano danese Ekstra Bladet prima di dedicarsi al reportage ed attualmente lavora come freelance. Vincitore di due World Press Photo (2005 e 2006) e della borsa di studio Ian Parry (2004), ha ottenuto subito un grande prestigio internazionale. David è stato anche vincitore di prestigiosi premi della fotografia cui tre awards in Pictures of the Year (POY) e tre in Best of Photojournalism (BOP/NPPA). Fa inoltre parte del PDN30's list, la classifica dei migliori talenti internazionali. Attualmente vive a Bangkok e lavora per la Getty Images Reportage. Il suo lavoro è apparso su riviste note a livello mondiale cui Sunday Times Magazine, GQ, Liberation, COLORS NEWSWEEK e TIME Magazine.

Julia Christe, ex studentessa del Bernhard Prinz, si è aggiudicata numerosi premi d'arte. Con "White Sands", una delle sue prime opere completamente all'aperto, si allontana dalla fotografia pubblicitaria per addentrarsi in un mondo avvolto dalle candide dune di sabbia del Nuovo Messico in cui viaggiatori solitari e bizzarri personaggi si sono persi nel sole e proseguono il loro cammino scomparendo nella luce. Pochi tratti di colore separano il bianco assoluto da queste immagini surreali che sembrano svanire ad ogni sguardo.

Dal nord Europa arriva invece Mark Rader. Nato nel 1966 a Bochum (Germania) e residente a Berlino. Studia presso il College of Design a Munster, poi presso la Scuola Folkwang di Essen (communication design) fino al 1997. Nel 1993 studia alla California College of Arts and Crafts negli Stati Uniti dove dà avvio a uno dei suoi lavori più importanti, una serie di immagini che riguardano lo sviluppo di realtà suburbane del nord america. Il fil rouge è la sua inconfondibile tecnica: l'utilizzo del banco ottico con un sorprendente uso del fuoco selettivo. Presente al FoFu con "Mallorca Island in progress", una ricerca di oltre 4 anni sulla trasformazione architettonica e paesaggistica di un paradiso del Mediterraneo nell'era del mercato globale. Questo lavoro gli è valso la pubblicazione dell'omonimo libro e dopo essere stato esposto in quattro continenti è stato inserito nella collezione del MoMa di New York.

Giovanni Marrozzini si presenta con "Hotel Argentina" con il quale ha vinto Epson Portfolio Italia 2006. Come fotografo freelance ha realizzato reportage in Africa (Zambia, Kenya, Tanzania, Etiopia) per diverse assiciazioni di volontariato. Nel 2006 pubblica un lavoro sulla condizione della donna nel Wolayta (Etiopia), affrontando anche il delicato tema delle mutilazioni genitali femminili, da cui nascerà il libro EVE (Damiani Editore-2006); nel 2007 è vincitore asssoluto ad Orvieto Fotografia Professional Award. Nel 2008 vince il XI Premio internazionale di fotografia umanitaria Luis Valtuena. Attualmente si trova in Palestina per un progetto sulla salute fisica e mentale della popolazione palestinese per conto delle Nazioni Unite (OMS).

All'immagine di una società in costante evoluzione si contrappone quella di Antoine, un ragazzo che lavora in una cava del Burkina Faso, i cui pensieri ci vengono narrati attraverso gli scatti di Rocco Rorandelli. Fotografo solitamente impegnato su tematiche di forte impatto sociale cui lo sfruttamento e il lavoro minorile ma anche l'immigrazione e la transazione capitalistica delle economie emergenti, i suoi lavori sono stati pubblicati da testate nazionali ed estere (Time, D di Repubblica, Vanity Fair, Io Donna, Corriere della Sera Magazine) e i suoi reportage sono stati utilizzati per le campagne promozionali e di sensibilizzazione di organizzazioni ed ONG quali Terre des hommes, Amnesty International, Development Gateway Foundation, UniCOOP.

Il Videospace, sarà allestito in una saletta dedicata, dove verranno proiettati ininterrottamente dei video fotografici realizzati da una selezione di autori internazionali. Musica e centinaia di immagini si combineranno in una linea continua, dando vita ad una sorta di film rudimentale .


 

FOFU phot'art 2008
dall'11 ottobre al 2 novembre 2008
aperto al pubblico dal mercoledì al venerdì dalle 21,00 alle 24,00, il sabato e la domenica dalle 10,30 alle 13,00 e dalle 17,00 alle 24,00.
L'ingresso al Fucecchio Foto Festival è gratuito
Auditorium La Tinaia, c/o Parco Corsini, Fucecchio (FI)
Per raggiungere il Parco Corsini di Fucecchio: Uscita San Miniato della s.g.c. Firenze-Pisa-Livorno, seguire le indicazioni per il centro di Fucecchio (entrata del parcheggio da Piazza La Vergine).

Catalogo: edito da Vanzi Editrice in vendita presso la mostra, oltre 60 pagine a colori, prezzo 10€
Evento Patrocinato dal Comune di Fucecchio
Ufficio stampa a cura del Fotoclub Fucecchio
Curatore: Foto club Fucecchio
Per ulteriori informazioni: www.fofu.it
info@fofu.it

Direttivo:
Luca Palatresi_Presidente 339 8767671
Fabio Montanelli_Vicepresidente 3488261695
Luca Federici_Segretario 339 8880503

 

(fonte: Exibart.com )

inaugurazione sabato 11 ottobre 2008 - opening Saturday 11th October 2008 | ore 18,30 - from 6,30 pm onwards | perugi artecontemporanea | padova


La Perugi artecontemporanea è orgogliosa di presentare la prima personale europea del giovane artista americano Michael Williams ( a seguire una personale in Danimarca presso la galleria Christine Wilson di Copenaghen).

Williams è indicato dalla critica americana come uno dei capostipiti del New Folk. Il New Yorker poi ha scritto di lui, definendolo come una sorta di neo impressionista proiettato verso il futuro (con aspetti anche un poco allucinogeni). In realtà Williams si dimostra completamente avulso da una qualsiasi etichetta preconfezionata. La sua ironia, le sue immagini volutamente sporche, i suoi colori acidi e le sue ambientazioni a metà tra l'assurdo e l'incubo da "scorpacciata di funghi allucinogeni" ne fanno un caso a se.
La mostra da Perugi, dal titolo "Wood", si differenza dalle precedenti in quanto vengono presentate opere connotate da una totale assenza dell'elemento umano. In passato infatti Williams esprimeva una visione non radical della vita mischiando elementi "naturali" (grande amore per l'habitat delle caverne) a contaminazioni e icone di oggi (come lattine di birra in ambiti preistorici o un ripetuto uso dell'immagine di computers). La mostra sarà composta da due grandi lavori e alcune tele di media dimensione.
Michael Williams, nato nel 1979, vive e lavora a Providence ma il suo percoso artistico è essenzialmente legato a New York (lavora con la galleria Canada). Pittore ma anche artista a tutto tondo. Famose le sue performance nella Deitch Project e al Moma di NY (2007) o i suoi strampalati ed ironici video.


Perugi artecontemporanea is proud to present the first European solo show of the young American artist Michael Williams (to be followed by a solo show in Denmark later in the year at the Christine Wilson gallery in Copenhagen).

Williams has been celebrated in the American press as one of the key figures of New Folk. The New Yorker described him as a kind of neo impressionist reaching for the future (with aspects which are also a little hallucinogenic). Williams himself is reluctant to accept any pre-determined label. His irony, his deliberately dirty images, his acidic colours and his settings somewhere between the absurd and the nightmare of "too many magic mushrooms" are all quite unique.
"Wood", the show at Perugi, is different from previous exhibitions. Here none of the works contain any trace of the human element. In the past Williams expressed a non-radical vision of life, mixing "natural" elements (a great love for cave habitats) with the juxtaposition of modern icons (like beer cans in prehistoric environments or a repeated use of the image of computers). The exhibition consists of two large-scale canvases and a number of medium sized works.
Michael Williams was born in 1979 and lives and works in Providence, but his artistic career is intimately tied to New York (he works with the Canada gallery). He is a painter, but has also worked in other media, and he is well remembered for his performances at Deitch Project and Moma in NY (2007) and his outlandish and ironic videos.



 

Michael Williams. Wood
Fino al 10 dicembre 2008 (until 10th December 2008)
Orario: da lunedì a sabato ore 17.30 - 20.30 Mattina e festivi per appuntamento
Perugi artecontemporanea
via Giordano Bruno 24 b - 35124
Tel. e Fax +39 (0) 49.8809.507
perugiartecontemp@libero.it
www.perugiartecontemporanea.com


 

(fonte: Exibart.com )

inaugurazione venerdì 10 ottobre | ore 19 | a cura di luca molinari, marinella paderni e pier luigi sacco | spazio gerra | reggio emilia


We have a dream. Per un realismo visionario è un progetto espositivo multicuratoriale che indaga un aspetto nuovo e radicale della contemporaneità, l'emergere in anni recenti di un realismo visionario con modelli di pensiero e pratiche alternative di sostenibilità del mondo a fronte di una globalizzazione indifferenziata e di sistemi di vita culturali, economici e ambientali che stanno mostrando la loro insostenibilità.
Le utopie del Movimento Moderno si sono infrante, le città e gli spazi del vivere vanno ripensati, adattati, come pure i sistemi di vita delle comunità. Il vuoto lasciato è stato sostituito da realtà periferiche, da pratiche urbane spontanee e da collettivi collaterali alla cultura ufficiale che sperimentano forme alternative, che offrono modelli convertibili dal locale al globale, quali architetture spontanee e flessibili, piccole economie informali, sistemi d'agricoltura urbana, dismissioni creative.

Condividendo uno stesso realismo visionario nei confronti del presente e di scenari futuri, i tre curatori - lo storico d'architettura contemporanea Luca Molinari, il critico d'arte Marinella Paderni e l'economista della cultura Pier Luigi Sacco - hanno ideato un progetto espositivo dove arte, architettura, economia e riflessione critica danno espressione a nuove pratiche insorgenti e a una dimensione utopico-visionaria come risorsa di sviluppo locale e globale.

Per cogliere adeguatamente i contesti esistenti, oggi si fa necessaria la capacità di anticipare nuovi scenari, di rappresentare questo slancio visionario - come quando si ha un sogno da realizzare, ma un sogno non più personale bensì un sogno collettivo, plurale e estremamente vicino ai bisogni effettivi del nostro imminente futuro. We have a dream coglie questa capacità di aprirsi ad una realtà visionaria in grado di disegnare visioni in cui l'immaginazione e l'inventiva trovino il loro radicamento nella realtà sociale, instaurando pratiche di rinnovamento creativo dei comportamenti sociali all'altezza di accogliere insieme sia l'anima dei luoghi sia le nuove esigenze dell'umanità quali la flessibilità, il nomadismo, la smaterializzazione dei "corpi solidi" in forme e architetture leggere, partecipative più sensoriali e meno rigide, più umane e meno coercitive.

La mostra, promossa dal Comune di Reggio Emilia Assessorato Cultura, aperta nello spazio Gerra dall' 11 ottobre al 30 novembre 2008 ( inaugurazione venerdì 10 ottobre ore 19) si compone dell'intervento site-specific degli artisti Marjetica Potrč e Tomas Saraceno. L'artista slovena Marjetica Potrč per lo Spazio Gerra presenterà per la prima volta in Italia il progetto "Florestania", nato da un suo soggiorno di due mesi nel territorio di Acre in Amazzonia nel 2006, durante il quale l'artista ha conosciuto e studiato il modello alternativo di sostenibilità realizzato dalla comunità locale della regione Acre.
L'artista incontrerà il pubblico sabato 11 ottobre alle ore 17 nello Spazio Gerra.
L'argentino Tomas Saraceno proporrà una scultura aerostatica inedita (prodotta dal Gerra) e una selezione del suo lavoro recente, composto da una scultura aerostatica di palloni trasparenti, da un wall-drawing raffigurante un paesaggio urbano abitato da alcune unità mobili sospese in cielo e dalla serie di fotografie in bianco e nero "Hoy" sulle similitudini tra natura e antropizzazione.

Lo spazio architettura sarà organizzato come un vero e proprio laboratorio in cui il visitatore potrà incontrare ogni settimana "menù" di video e pubblicazioni differenti che lo aiutino a costruire una personale geografia delle esperienze in corso d'opera tra realtà e visione sugli scenari internazionali contemporanei.

Lo spazio economia della cultura presenterà una panoramica di materiali e di esperienze che possono essere considerati espressioni di un nuovo realismo visionario nell'approccio allo sviluppo locale fondato sulla cultura, tra cui alcuni festival che si propongono come esempi di iniziative fondate sul coinvolgimento integrale della comunità locale in eventi culturali di portata internazionale.
Sono previsti lungo l'arco della mostra tre workshop con autori e personaggi che lavorano sui confini tra architettura, geografia, arte, suono per verificare direttamente la complessità di un tema che sta cambiando il nostro modo di progettare e guardare alla realtà.


 

WE HAVE A DREAM. Per un realismo visionario
arte: progetti site specific Marjetica Potrč, Tomas Saraceno
architettura: mediateca in progress e workshop
economia della cultura: distretti culturali evoluti e dismissioni creative

Dall' 11 ottobre al 30 novembre 2008
da martedì a venerdì ore 18-23, sabato e domenica ore 10-23 ( lunedì chiuso)
SPAZIO GERRA
Fotografia e immagine contemporanea
Piazza XXV aprile 2 - Reggio Emilia
Info: tel 0522 455716 / 456635
roberta.conforti@municipio.re.it
www.musei.re.it

Ufficio stampa Comune di Reggio Emilia - Assessorato alla Cultura
Patrizia Paterlini cell. 348 8080539
tel. 0522 456532 fax 0522 433266 patrizia.paterlini@municipio.re.it


 

(fonte: Exibart.com )

dal 19 settembre 2008 | presentata da FAI - fondo ambiente italiano e il MART, museo di arte moderna e contemporanea di trento e rovereto | scuderie di villa panza | varese


"Osserva con lo sguardo di un uomo che crede, e lo scheletro intimo di quelle cose per noi morte, perché immobili, gli si mostra nel suo aspetto più consolatorio, nel suo aspetto eterno". Così Giorgio de Chirico descriveva Giorgio Morandi nel 1922.

Varese a fine settembre sarà una città in festa in occasione dei mondiali di ciclismo su strada 2008, che rappresentano un'opportunità unica anche per comunicare come la città lombarda sia ricca di beni artistici e paesaggistici. Non solo sport quindi ma anche una serie di iniziative che contribuiranno a far conoscere le bellezze di Varese, definita "Città Giardino": tra queste la mostra voluta dal FAI, dal MART e dalla Protezione Civile Nazionale in accordo con la Provincia e il Comune di Varese, per rendere omaggio a uno fra i più importanti protagonisti dell'arte italiana del XX secolo, celebrato in questi giorni anche al Metropolitan Museum di New York.

La mostra rappresenta un'eloquente testimonianza del ruolo centrale che l'opera di Morandi ha esercitato nella storia dell'arte del Novecento e costituisce un'occasione importante per indagare e approfondire il complesso e affascinante mondo del collezionismo morandiano italiano.
L'esposizione intende porre l'accento sulla cerchia di intellettuali che costituirono la fortuna critica di Morandi e che lo sostennero in ogni occasione. Una rete di sodalizi profondi e caratterizzati da grandi affinità: artisti come Carrà, la "Scuola romana" e il gruppo di Corrente, filosofi e poeti tra cui Eugenio Montale e Giuseppe Ungaretti, collezionisti, estimatori e critici come Roberto Longhi, Cesare Brandi, Francesco Arcangeli.
In mostra un significativo gruppo di opere originariamente di proprietà di collezionisti storici, così definiti per aver sostenuto con passione e dedizione, oltre che con oggettiva tempestività, il lavoro del maestro. Il filo rosso che ha guidato la selezione delle opere è stata la definitiva destinazione pubblica di vari nuclei di queste collezioni, espressione di un mecenatismo illuminato grazie al quale alcuni tra i massimi capolavori dell'arte italiana sono divenuti di fruizione pubblica.
Di particolare interesse è la preziosa selezione di dipinti proveniente in origine dalle collezioni Giovanardi e Ferro, confluite poi al MART, di Lamberto Vitali, studioso e amico - autore del catalogo generale di Morandi - i cui principali pezzi, ora conservati nella Pinacoteca di Brera di Milano, sono esposti per l'occasione a Villa Panza. Sono inoltre presenti opere provenienti dalla Raccolta Antonio Boschi e Marieda Di Stefano delle Civiche Raccolte di Milano, dalla Collezione Adriano Olivetti, oggi nella Fondazione Telecom, dalla Raccolta Carlo e Nedda Grassi, conservata nella Galleria d'Arte Moderna di Milano e dipinti da collezioni private appartenuti in origine alle prestigiose collezioni Giuseppe Vismara.

I quadri provenienti dalle varie raccolte sono stati allestiti in una sequenza che accompagna il percorso stilistico dell'artista e nel contempo raggruppa i generi pittorici da lui praticati.
La mostra si apre con il preziosissimo autoritratto del pittore (Autoritratto, 1924) - sono pochissimi quelli realizzati dall'artista - e prosegue con uno dei primi paesaggi dipinti da Morandi nel 1911. L'artista dipinse per tutta la vita due sole vedute: quella urbana, dipinta dalla finestra della casa studio di via Fondazza a Bologna e quella campestre, che vedeva a Grizzana, paese appenninico dove era solito trascorrere le sue vacanze. In mostra il bellissimo dipinto che ritrae proprio il cortile di via Fondazza.

L'esposizione continua con il fondamentale nucleo delle nature morte, tema assai caro all'artista bolognese e definito dalla rivista fiorentina Voce "il dizionario del pittore e la sua grammatica".
Numerose le tele presenti in mostra, quali la Natura morta del 1928 ed altre opere che coprono un arco cronologico dalla fine degli anni Venti agli anni Sessanta. Chiude il ciclo l'ultima natura morta dipinta nel 1964 poco prima della sua morte: semplice e austera, caratterizzata da una pennellata liquida e scarna, a tratti brevi e irregolari, tipica dell'ultimo Morandi.
L'idea e le ragioni di questa mostra hanno fondamento in un progetto pluriennale di collaborazione scientifica ed espositiva tra Villa e Collezione Panza del FAI e il MART di Rovereto. A Villa Panza, che Giuseppe Panza di Biumo ha donato al FAI, la Fondazione ha deciso di perseguire un percorso rivolto allo studio e alla valorizzazione delle raccolte d'arte in particolare si è scelto di esplorare le intricate e affascinanti vicende del collezionismo del XX secolo.

La mostra è stata realizzata grazie al fondamentale contributo della Protezione Civile Nazionale, con il contributo e il patrocinio della Provincia di Varese, con il patrocinio della Regione Lombardia e del Comune di Varese. Grazie a BPU-Fondazione Banche Popolari Unite per Varese e in collaborazione con Varese 2008-UCI Road World ChampionShips. Sponsor tecnici: Arteria, Skira, Marsh e Axa Art.


 

Giorgio Morandi: Collezionisti e amici. 40 capolavori da Raccolte italiane pubbliche e private
Dal 19 settembre 2008 all' 11 gennaio 2009
Villa e Collezione Panza, Varese
Orari: 10 -18 (tutti i giorni escluso i lunedì non festivi). Ultimo ingresso ore 17.30
Ingresso (comprendente mostra, Villa e Collezione Permanente): adulti 10 euro, ridotti (bambini 4-12 anni) 5 euro; studenti fino a 25 anni 5 euro
Aderenti FAI: 2 euro. Sono previsti laboratori didattici per le scuole con biglietti da 3 a 5 euro a seconda del percorso scelto
La mostra sarà accompagnata da un catalogo scientifico delle opere edito da Skira, con un contributo di Flavio Fergonzi.

Per informazioni:
FAI Villa e Collezione Panza. Piazza Litta 1- Varese. Tel. 0332/283960 faibiumo@fondoambiente.it
Servizi per il pubblico:
Caffetteria; Bookshop; Visite guidate (su prenotazione); parcheggio interno
Per maggiori informazioni sul FAI consultare il sito www.fondoambiente.it
Ufficio Stampa FAI
Simonetta Biagioni - stampa - tel. 02.467615219; s.biagioni@fondoambiente.it
Novella Mirri - radio e televisione - tel. 06.32652596; ufficiostampa@novellamirri.it

immagine: G.-Morandi,-Autoritratto,-1924,-MART-Collezione-Ferro-C-Archivio-Fotografico-MART

 

dal 4 ottobre 2008 | curata da bruno corà | fondazione arnaldo pomodoro | milano


Alla Fondazione Arnaldo Pomodoro, un percorso con quindici sculture monumentali, di cui alcune inedite, come il Grande portale dedicato a Edipo e l'Ingresso nel labirinto. Le sue creazioni plastiche dialogheranno idealmente con le cento immagini che compongono la mostra UGO MULAS FOTOGRAFA ARNALDO POMODORO allestita nei camminamenti.

L'esposizione, che coinvolge anche spazi esterni alla Fondazione per un suggestivo percorso cittadino, offre al pubblico una scelta rappresentativa delle opere monumentali realizzate dagli anni Settanta a oggi, in un itinerario che segue l'evoluzione dell'artista nel suo rapporto con le grandi dimensioni: dal Cono Tronco del 1972 e The Pietrarubbia Group del 1975-76, passando per Giroscopio del 1986-87 e Le battaglie del 1995, fino a Punto dello spazio del 2003 e Cuneo con frecce del 2006.

L'elemento centrale della mostra è costituito da tre grandi opere inedite che rappresentano per Pomodoro un percorso di ricerca in sviluppo, componendo un ciclo in riferimento al mito e alla storia dell'uomo, con tutte le connesse significazioni culturali di memoria e di racconto: Il Grande portale dedicato a Edipo, qui presente nella nuova versione in bronzo che misura 11,80 metri di altezza e 9,40 di larghezza, originariamente progettato per l'opera "Oedipus Rex" di Igor Stravinsky e di Jean Cocteau, messa in scena nella piazza del Duomo di Siena nel 1988; L'Obelisco in corten con inserimenti in bronzo alto 14 metri ideato ricordando gli obelischi dell'antico Egitto; Ingresso nel labirinto, un environment dedicato a Gilgamesh, eroe del primo grande testo poetico e allegorico sull'esperienza umana scritto nel 2000 a.C. che rimanda al tema del viaggio e del labirinto come metafora della vita, e insieme vuole essere un omaggio alla scrittura e alla comunicazione. L'opera è collocata nella cavea del piccolo teatro della Fondazione dove resterà permanentemente.

"Iniziata a ridosso della lezione dei grandi protagonisti dell'arte d'avanguardia d'inizio secolo, tra i quali Pomodoro indica Brancusi e Klee come poli di riferimento ai suoi esordi, - sottolinea Bruno Corà - proseguita a fianco di artisti come Fontana, la sua arte ha tracciato un cammino originale, prendendo coscienza della diversità di senso venutasi a determinare nell'arte dopo il secondo conflitto mondiale. Con l'avvento della società tecnologicamente avanzata il suo lavoro si è perciò definito sino all'attualità aprendosi a una crescente drammaticità visualizzata dal suo lessico contenutistico e formale. I suoi ermetici alfabeti hanno occupato in eguale misura tanto le sue sculture quanto l'immaginario popolare divenendo, proprio con le opere "grandi", lingua popolare".
"Nel 1967 con la mia Sfera grande (tre metri e mezzo di diametro) per l'Expo di Montreal ora a Roma di fronte alla Farnesina, ho affrontato la grande dimensione -afferma Arnaldo Pomodoro -: sono seguite molte sculture monumentali: Per me, infatti, la massima aspirazione è quella di ambientare le mie opere all'aperto, tra la gente, nelle piazze e nel verde, cercando un'interazione profonda fra lo spazio dell'architettura e del paesaggio e quello della scultura. A volte mi sono riferito al mito con l'intento di mostrare nell'opera, attraverso il mio linguaggio di espressionismo astratto, l'universo dell'uomo e dei suoi simboli, nel rapporto con la terra e la durata della sua testimonianza".
L'iniziativa consente di rendere fruibili al pubblico opere monumentali solitamente sparse nel mondo che per la prima volta sono ora riunite in un unico luogo, in un unico tempo: quello della Fondazione e dei suoi visitatori. A testimonianza del coinvolgimento di Arnaldo Pomodoro con quella che è la sua città di adozione, alla mostra è collegato un itinerario che collega le sculture dell'artista collocate in luoghi pubblici a Milano.

L'esposizione ha ricevuto il cospicuo contributo del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, il contributo e il patrocinio della Regione Lombardia, Culture, Identità e Autonomie della Lombardia, la partnership di Unicredit Group, il contributo di Saporiti Italia e ATM, ed è accompagnata da un catalogo edito dalla FAP.
IGPDecaux , coerente alla sua mission di contribuire al decoro urbano e alle iniziative volte a impreziosire la città, sostiene la comunicazione della mostra "ARNALDO POMODORO. Grandi opere 1972-2008", offrendo diverse facce pubblicitarie sulle pensiline alle fermate degli autobus a Milano.

Mentre la mostra delle "Grandi Opere" si sviluppa al piano terra degli ambienti della Fondazione, a cui si aggiungono l'Obelisco e il Labirinto, rispettivamente nell'area antistante l'ingresso di via Solari e nella zona ipogeica del teatro, ai piani superiori, accanto ai "modelli architetturali", di molta storia dell'opera di Arnaldo Pomodoro dà conto una straordinaria mostra di fotografie di Ugo Mulas a cura di Angela Vettese dal titolo significativo UGO MULAS FOTOGRAFA ARNALDO POMODORO. Più di un centinaio di opere del fotografo milanese, testimone dell'esordio e dello sviluppo dell'arte di Pomodoro, raccontano il sodalizio tra i due artisti durato dal 1958 al 1972, giungendo alla soglia del Cono tronco, che cronologicamente apre la mostra e che Mulas non riuscì però a vedere. Per l'occasione viene pubblicato un volume con testo di Angela Vettese, Edizioni Olivares.

Note biografiche
Arnaldo Pomodoro è nato nel Montefeltro nel 1926, ha vissuto l'infanzia e la formazione presso Pesaro. Si trasferisce a Milano nel 1954. Le sue opere del Cinquanta sono altorilievi dove emerge una singolarissima "scrittura" inedita nella scultura. Nei primi anni Sessanta passa al "tuttotondo" e poi alla grande dimensione. Ha avuto molti premi per la scultura: a San Paolo nel 1963, a Venezia nel 1964, a Pittsburgh nel 1967, il Praemium Imperiale a Tokyo nel 1990, il Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture Award nel 2008. Nel 1992 l'Università di Dublino gli conferisce la Laurea honoris causa in Lettere e nel 2001 l'Università di Ancona quella in Ingegneria edile-architettura.
Numerosissime sono le sue esposizioni: alla Rotonda della Besana di Milano nel 1974 e al Forte Belvedere di Firenze nel 1984, fino a quelle di Parigi nei Giardini del Palais-Royal nel 2002, nel centro cittadino di Lugano nel 2004 e lungo la cinta muraria di Paestum nel 2005. Inoltre le esposizioni itineranti nei musei americani, e in Europa, America, Australia e Giappone. Le sue opere sono situate in permanenza in grandi piazze (Milano, Copenaghen, Brisbane, Los Angeles, Darmstadt), al Trinity College a Dublino, nel Cortile della Pigna dei Musei Vaticani, nel piazzale della Farnesina a Roma, nel piazzale delle Nazioni Unite a New York e nelle raccolte pubbliche maggiori. Ha insegnato nei dipartimenti d'arte delle università americane: a Stanford, a Berkeley, al Mills College. Si è dedicato anche alla scenografia con ''macchine spettacolari'' in grandi occasioni teatrali italiane: da ultimo ha realizzato le scene e i costumi per l'opera "Teneke" di Fabio Vacchi, con libretto di Franco Marcoaldi, tratto dall'omonimo racconto di Yashar Kemal, messa in scena in prima assoluta al Teatro alla Scala nel settembre 2007, con la regia di Ermanno Olmi e la direzione di Roberto Abbado.
Nel 1996 ha costituito la Fondazione Arnaldo Pomodoro, che nel 2005 ha iniziato l'attività espositiva nella sua sede di Via Solari a Milano.


 

ARNALDO POMODORO. GRANDI OPERE 1972 - 2008
Dal 4 ottobre 2008 al 22 marzo 2009
Fondazione Arnaldo Pomodoro
Via Andrea Solari 35
Orari: mercoledì-domenica ore 11-18 (ultimo ingresso ore 17); giovedì ore 11-22 (ultimo ingresso ore 21)
Biglietti: 7/4 euro
Catalogo FAP

Info:
Fondazione Arnaldo Pomodoro - tel. 02.89075394
www.fondazionearnaldopomodoro.it
c.montebello@fondazionearnaldopomodoro.it


 

(fonte: Exibart.com )

COMUNICATO STAMPA

IL CAOS E LA SUA RAPPRESENTAZIONE

04  - 22 ottobre 2008

In occasione della 4 Giornata del Contemporaneo, promossa da AMACI ((Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani) con il sostegno della DARC – Direzione Generale per la qualità e la tutela del Paesaggio, l’Architettura e l’Arte Contemporanee - del Ministero per i Beni e le Attività Culturali) si inaugura sabato 04 ottobre alle ore 19:30 la mostra collettiva d’arte contemporanea “Il caos e la sua rappresentazione”  cura di Dores Sacquegna.

La mostra invita ad una riflessione su alcune delle teorie scientifiche relative  all’Universo.                    La scienza del secolo scorso afferma che in cosmologia, la teoria scientifica dell’universo è la teoria del Big Bang. Una teoria che si basa sull’osservazione delle galassie e sulla relatività generale dell’universo primordiale, sui fenomeni e le fluttuazioni atmosferiche, sulle turbolenze del moto fluido o le dinamiche bio-evolutive che originano le mutazioni.

Albert Einstein, comprese nelle sue ricerche che nessuna particella dotata di massa avrebbe potuto viaggiare al di sopra della velocità della luce. Comprese inoltre, il concetto di Newton circa lo spazio e il tempo tentando di individuare la variabile nascosta del Caos.

Energia e  Materia, ordine e disordine, tempo e caos, è la ricerca degli artisti invitati in mostra: Efrath Bouana (Francia); Mirta De Simoni (Italia), Stefan Havadi-Nagy(Germania), Juanca, nome d’arte di Juliette Casanova (Francia), Nata Marcillac (Francia); Annalisa Silingardi (Italia) e Ines Reingold-Tali che vive ed opera tra la Finlandia e l’Estonia.

Informazioni ARTISTI:

Efrath Bouana. Laureato in Filosofia alla Sorbonne di Parigi, ha vissuto sei mesi in India, ha fatto teatro e contemporaneamente arte. Tra le sue ultime mostre la partecipazione alla mostra tenuta al Gran Palais a Parigi.

Mirta De Simoni. Dal 1980 ha esposto in numerose personali e collettive in Italia, Europa, America, Asia. Ha soggiornato alla Kunstlerhaus  e seguito corsi all’Accademia Internazionale di Salisburgo. Nel 1993 presenta la sua ricerca alla Galleria Civica di Arte Contemporanea di Trento, al Seminario “Prospettive e sperimentazione dell’Arte contemporanea in Trentino” a cura di Danilo Eccher. Nel 2004 è invitata dalla Städtische Galerie di Brema a presentare la personale  “Mutamenti”  presso il Kunstzentrum Villa Ichon.   In seguito, con il patrocinio del  Mart  la mostra è stata allestita nello Spazio Klien di Borgo Valsugana.

Stefan Havadi-Nagy. Nato in Romania, vive ed opera da anni a Colonia in Germania. Le sue fotografie spaziano dal reportage ai landscapes ma anche a concepì legati alla natura e allo spazio cosmico. Ha esposto in buona parte dell’Europa e in diverse mostre alla Primo piano LivinGallery.

Nata Marcillac. Giovane artista francese, opera con la pittura e la tecnica mista. Ha all’attivo diverse mostre in Francia e in Italia ha preso parte alla Biennale di Firenze del 2007.

Annalisa Silingardi. Artista italiana, opera con la pittura, la fotografia e il video. Ha partecipato a numerose mostre in Italia e rassegne di video arte assieme ad artisti di fama internazionale nelle rassegne alla Primo Piano LivinGallery.

Ines Reingold-Tali. Artista, compositrice e performer, è Laureata dall’Accademia di Musica e Teatro della Estonia. Le sue opere sono esposte in tutto il mondo. Ha partecipato in importanti e internazionali conferenze sulla musicologia e l’arte tra cui: Biennale Internazionale dell'Arte Contemporanea di Firenze 2007, LACDA International Juried Competition Winners Show (Premio); al  Los Angeles Center For Digital Art in U.S.A. 2007, 30e Festival International des Musiques Synthèse 2000 ed altre.

INFORMAZIONI MOSTRA

Inaugurazione sabato 04 ottobre ore 19:30 Catalogo in mostra

Date: 04 - 22 ottobre 2008

Giorni & Orari: dal lunedì al sabato dalle ore 17,00 alle 20, 00

Ingresso libero

Primo Piano LivinGallery

Arte Contemporanea

Viale G. Marconi 4 Lecce, 73100

Tel/fax:0832 304014

www.primopianogallery.com

3.10.2008

(fonte: Exibart.com )

Territoria #3. Lo spazio del contemporaneo, l'articolato progetto di rete della cultura contemporanea in Provincia di Prato, sabato 4 ottobre aderisce alla IV Giornata del Contemporaneo promossa dall'Associazione Musei d'Arte Contemporanea Italiani AMACI, proseguendo nella proposta di mostre ed eventi che fanno parte del ricco calendario di inaugurazioni in programma fino all'8 dicembre. Molti gli appuntamenti che coinvolgono spazi storici, musei, gallerie, piazze e strade del territorio durante tutta la giornata.

Sabato 4 ottobre alle ore 15:00 nel cuore del Villaggio Gescal si presenta il progetto promosso dal Comune di Prato e curato da Lorenzo Giusti di Spaziorazmataz intitolato Back to School, un'opera murale realizzata da Ericailcane e Davide Zucco sulla grande parete esterna delle scuole Don Milani. Per l'occasione gli artisti condurranno un workshop con alcuni studenti della scuola, che, sperimentando direttamente la tecnica del murales, saranno guidati nella realizzazione di una loro opera. Alle ore 16:30 invece presso Dryphoto arte contemporanea2 si presenta Out Museum, mostra/piattaforma di giovani artisti partecipanti al laboratorio condotto da Robert Pettena che ha accompagnato la realizzazione della mostra Second Escape, allestita in luoghi e palazzi della vita pubblica tra cui il Palazzo Banci Buonamici, sede della Provincia di Prato, aperto specialmente per l'occasione dalle ore 16:00 alle 19:00. Segue l'appuntamento proposto dal Comune di Montemurlo che alle ore 17:30 presso la Confartigianato inaugura la mostra realizzata da L'Artelier una collettiva di pittura e scultura con assemblaggi di elementi industriali tessili dismessi. E' poi la volta della presentazione di MANIFESTO. Progetto Urlo il lavoro istallativo del gruppo Kinkaleri che sarà presentato alle ore 18:00 presso lo Spazio K. Fa seguito alle ore 19:00 l'appuntamento presso il Museo del Tessuto dove si inaugura Tessuti sonori. Interpretazioni dello spazio museale tra innovazione e sound art, istallazione site specific realizzata dall'artista Lorenzo Brusci Sound and Experience Design nell'ambito della mostra in corso Superhuman perfor¬mance. L'evoluzione del tessuto. Nello stesso giorno anche il Centro per l'arte contemporanea Luigi Pecci partecipa all'evento con la presentazione alle ore 11:00 del catalogo della mostra Paolo Parisi, Observatorium (Museum) . Il testo, che documenta l'esposizione dell'artista è introdotto da una presentazione del curatore Stefano Pezzato, include un vasto repertorio iconografico di opere, installazioni e mostre realizzate da Parisi, incentrate sul tema dell'osservazione ed è accompagnato da un intervento critico di Saretto Cincinelli e da una speciale "lettera" all'artista di Salvatore Lacagnina.

L'evento Territoria #3. Lo spazio del contemporaneo è realizzato con il contributo della Regione Toscana e della Provincia di Prato e da questa ideato con i Comuni di Cantagallo, Carmignano, Montemurlo, Prato, Vaiano, il Centro per l'arte contemporanea Luigi Pecci, le Associazioni culturali Dryphoto e Kinkaleri, il Museo del Tessuto.

L'edizione 2008 Territoria #3. Lo spazio del contemporaneo prevede un programma suddiviso in tre sezioni: spazio pubblico, spazio di contaminazione e spazio di formazione, che definiscono soltanto concettualmente gli ambiti di una ricerca del tutto trasversale tra le arti contemporanee.

SPAZIO PUBBLICO
La rifles¬sione sulla specificità dell'opera e del legame che instaura con il luogo per cui viene concepita è stimolata dall'occasione data dall'ultimo atto per la realizzazione dell'opera ambientale permanente Anfiteatro di Giuliano Mauri a Luogomano nel Circuito Artistico Ambientale del Comune di Cantagallo (dal 28 settembre 2008). In altra sede, quella museale del Centro per l'Arte contemporanea Luigi Pecci, si allestisce Mauro Staccioli. Pensare la scultura, una mostra dedicata a uno degli interpreti più attenti alla concezione ambientale dell'opera scultorea, che ha lasciato opere di pregio in tutto il mondo ed un consistente circuito di opere ambi¬entali in Toscana, sua terra di origine (dal 1 novembre 2008 al 11 gennaio 2009).
Di diversa natura l'utilizzo dello spazio esterno come spazio di rappresentazione nel progetto del gruppo Kinkaleri MANIFESTO. Progetto Urlo, che prevede l'affissione in punti nevralgici del tessuto urbano di grandi manifesti raffiguranti soggetti urlanti: un gesto semplice raccolto in strada, cristallizzato in una dirompente fissità. L'interruzione letteralmente rompe il silenzio del consenso e lo spazio urbano si apre alla riflessione, se non altro nel tentativo di mettere le cose a posto e ridare una collocazione e un senso a un messaggio fuori contesto (dal 29 settembre al 13 ottobre 2008). Dryphoto arte contemporanea pensa alla collettività e alle tensioni che l'attraversano proponendo un progetto che più che dei veri e propri punti di arrivo si pone l'obiettivo di innescare dei processi di trasformazione. Lo spazio pubblico diventa spazio di interazione e di crescita culturale. Second Escape è il lancio della pubblicazione, dallo stesso titolo, edita da Gli Ori, della prima estesa monografia sull'opera (dal 1999 al momento attuale) di Robert Pettena, l'artista nato a Pembury in Inghilterra nel 1970 e, fin dai suoi inizi, attivo a Firenze. Si articola in una serie di mostre e di eventi, incentrati su opere dell'artista dal 2001 ad oggi, che avranno luogo in luoghi istituzionali fra i più importanti della città, quali Palazzo Banci Buonamici, il Palazzo della Prefettura, il Teatro Metastasio, Palazzo Vaj, attualmente sede della Monash University Prato Centre, nonché nello spazio espositivo di Dryphoto arte contemporanea che ne è l'ente organizzatore. Il libro, le mostre e gli eventi che accompagnano il suo lancio sono a cura di Pier Luigi Tazzi (dal 12 settembre al 12 ottobre 2008). Il tema dell'intervento nello spazio pubblico è affrontato da una diversa angolazione che privilegia la documentazione di pratiche più radicali e sotterranee divenute oggetto della mostra fotografica Facce di murales. L'arte senza firma dell'artista Alessan¬dra Mersi a cura dell'Archivio Fotografico Toscano dell'Assessorato alla Cultura del Comune di Prato (dal 31 ottobre al 15 novembre 2008). Se lo spazio pubblico per eccellenza è l'agorà, esso contempla anche zone più appartate rispetto al mondo vissuto, luoghi più neutri rispetto a quelli esterni, più intimi e dedicati. E' il caso del nuovo Spazio d'Arte Alberto Moretti, recentemente restau¬rato e fortemente voluto per essere restituito alla collettività come spazio espositivo e di promozione della cultura contemporanea sul territorio. Lì si inaugura Alberto Moretti. La collezione, un nucleo di opere di grandi dipinti a olio su carta e fotografie recentemente acquisite dal Comune di Carmignano, di uno dei più interessanti e stimati inter¬preti dell'arte e della cultura del nostro tempo (dal 20 settembre al 8 dicembre 2008). Alla scoperta e al coinvolgimento totale del fruitore "che fa esperienza di spazi e partecipa alla loro definizione" è dedicata la creazione di Tessuti sonori. Interpretazioni dello spazio museale tra innovazione e sound art, un ambiente tattile sonoro allestito al Museo del Tessuto realizzato dall'artista Lorenzo Brusci Sound Experience Design nell'ambito della mostra in corso Superhuman perfor¬mance. L'opera struttura e trasfigura lo spazio in cui interviene attraverso componenti sonore, illuminotecniche e tattili in grado di ampliare dinamicamente la capacità di trasferire e apprendere significati simbolici (dal 4 al 25 ottobre 2008).

SPAZIO DI CONTAMINAZIONE
L'interesse al recupero di storie e alla rilettura di eventi legati ad un luogo e ad un tempo specifici è alla base delle iniziative che, riflettendo sulla storia attraverso gli strumenti dell'età presente, danno luogo a zone di contaminazione tra passato e presente. Il Comune di Mon¬temurlo affida all'associazione L'Artelier composta dagli artisti Antonio Bruno, Mauro Gazzara, Annalisa Margheri, Nadia Neri, Leonardo Taddei, la realizza¬zione di un opera scultorea strettamente legata all'identità industriale e alla storia del luogo: La macchina del tempo (dal 30 novembre 2008) ed allestisce una collettiva ad essa connessa ed una mostra fotografica dal titolo Montemurlo. Passato, presente, futuro? (dal 30 novembre al 14 dicembre 2008).
Il Comune di Vaiano, all'interno dello spazio della Cartaia e della Villa del Mulinaccio pro¬pone La Fabbrica delle Trasformazioni, serie di attività con la direzione artistica di Giacomo Ciolini, Vania Coveri, Giuseppe Guanci, Massimo Luconi che prevedono un percorso di rilettura della vita e le opere dell'architetto Pier Luigi Nervi nello spazio industriale da lui progettato (dal 11 ottobre al 12 ottobre 2008). Lo sguardo sulla nostra storia recente è anche quello dell'Archivio Fotografico Toscano del Comune di Prato che, all'interno degli spazi dei Cantieri Culturali di Officina Giovani, allestisce la mostra Scritte sui muri. Gli anni settanta a Prato: lotte e impegno sociale, con la raccolta di fotografie scattate da Renato Bencini (dal 31 ottobre al 15 novembre 2008).

SPAZIO DI FORMAZIONE Il progetto offre la possibilità di addentrarsi in altri spazi: quelli for¬mativi che contemplano attività fondamentali per il radicamento di una sensibilità verso il patrimonio contemporaneo. Di complessa articolazione, Out Museum è il progetto che Dryphoto arte contemporanea dedica alla formazione si sviluppa in un arco temporale di sei mesi in più fasi: formativa, laborato¬riale ed espositiva. Il laboratorio coinvolge giovani artisti e cittadini: Antonio Avellis, Vanni Bassetti, Anna Maria Bonanese, Stella Carbone, Daniele Ercolano, Daniela Frongia, Valentina Lapolla, Carolina López Bohórquez. Sotto la guida dell'artista Robert Pettena accompagneranno le fasi preparatorie della mostra Second Escape e dopo un percorso formativo approderanno alla realizzazione di una mostra conclusiva che sarà piuttosto una piattaforma aperta dove i diversi attori si confronteranno con lo spazio aperto, i luoghi pubblici e con le comunità che li abitano (4 ottobre 2008). Back to School è il titolo del progetto site specific nato dalla collaborazione tra Ericailcane e Davide Zucco. Provenienti entrambi da esperienze di ambito urbano, i due artisti intervengono su una grande parete esterna delle scuole Don Milani, nel cuore del Villaggio Gescal, facendo proprie alcune delle istanze sociali che hanno mosso le prime forme di muralismo nei paesi del Sud America. Il progetto, promosso dal Comune di Prato e curato da Lorenzo Giusti, richiama nel titolo non soltanto il primo giorno di scuola, prossimo alla data di apertura del lavoro, ma anche la recente rivalutazione, all'interno della scena "street", di alcune delle tecniche tradizionali della pittura murale. Da qualche anno Ericailcane e Davide Zucco hanno infatti abbandonato la bomboletta spray per il pennello, riscoprendo il potere evocativo della figurazione rispetto al limitato apparato iconografico - fatto di scritte, marchi, stencil, - della pratica graffitista (dal 4 ottobre 2008).



 

Territoria 3. Lo Spazio del Contemporaneo
Fino all' 8 dicembre 2008
un progetto di Provincia di Prato, Assessorato alla Cultura
Con il contributo di Regione Toscana
Ufficio Stampa: Ku.Ra, Rosi Fontana
Tel. +390509711343 - fax +390509711317
info@rosifontana.it
www.rosifontana.it


 

inaugurazione sabato 4 ottobre | ore 17.00 sala conferenze | accesso gratuito al museo dalle 14.00 fino alle 20.00 | museo d'arte | lugano


Dal 5 ottobre 2008 all'11 gennaio 2009 il Museo d'Arte della Città di Lugano ospita una mostra sulla fotografia del ventesimo secolo nella quale sono presentate al pubblico opere originali dei grandi fotografi internazionali, provenienti da una collezione privata.

La mostra, intitolata Photo20esimo, occupa i tre piani di Villa Malpensata, e si articola in otto sezioni i cui confini, come appare chiaro al visitatore, sono agili e interscambiabili: è il confronto con le opere a offrire il maggior stimolo di libera associazione.
Dalle Avanguardie storiche alla moda, dal reportage sociale al cinema, dalla natura morta alla pubblicità, dal ritratto allo studio del nudo, numerose sono le influenze reciproche tra questi ambiti di ricerca ed espressione dei più grandi fotografi del Novecento.

La fotografia, nata a metà del diciannovesimo secolo, nel ventesimo secolo diventa una delle discipline protagoniste non solo delle arti visive bensì di tutta la cosiddetta "civiltà delle immagini", testimoniandone le trasformazioni culturali. La fotografia dunque, costituendo per lungo tempo un'imprescindibile fonte di informazione, occupando ogni strumento di essa, si apre progressivamente a indagini più profonde sui significati ultimi dei mutamenti in atto, diventando a pieno titolo, con una consapevolezza e concretezza che le è propria, ricerca artistica tout court.

Photo20esimo, con un'accurata scelta critica, offre un caleidoscopio di esempi significativi divenuti fortemente emblematici capace di stimolare il pubblico a vari livelli.

Tra le quasi trecento opere sono presenti scatti di Diane Arbus, Richard Avedon, Gabriele Basilico, Brassaï, Robert Capa, Robert Doisneau, Walker Evans, Robert Frank, Mario Giacomelli, Nan Goldin, Mimmo Jodice, László Moholy-Nagy Helmut Newton, Robert Mapplethorpe, Irving Penn, Man Ray, Bettina Rheims, Alexander Rodchenko, Thomas Ruff, Andres Serrano, Cindy Sherman, Edward Steichen e altri.

Accanto all'importante repertorio di opere che provengono da collezioni private sono esposti in mostra anche alcuni apparecchi fotografici appartenuti a protagonisti della fotografia quali Manuel Alvarez Bravo, Luigi Ghirri, Ugo Mulas e altri, nonché libri fotografici d'autore che costituiscono un capitolo importante della storia delle immagini e della cultura.

Per la circostanza è edito da Silvana Editoriale un catalogo bilingue che raccoglie saggi e contributi di Marco Antonetto, Bruno Corà (curatori della mostra), Daniela Palazzoli, Heinz Liesbrock e altri autori.


 

Photo20esimo. Maestri della fotografia del XX secolo
Dal 5 ottobre 2008 all' 11 gennaio 2009
Orario: Da martedì a domenica e festivi 10-18 (orario continuato). Lunedì chiuso
Ingresso: Intero Fr. 12 / € 8 Ridotto, AVS e over 65 anni, gruppi e studenti 17-25 anni Fr. 8 / € 5 Ragazzi fino a 16 anni Fr. 0 / € 0
Museo d'Arte, Lugano
Riva Caccia 5
CH - 6900 Lugano
Informazioni e prenotazioni:
info.mda@lugano.ch
Tel:+41 (0)58 866 7214
Fax: +41 (0)58 866 7497
www.mda.lugano.ch
Catalogo: Silvana Editoriale


 

(fonte: Exibart.com)

70 luoghi dell'arte, gallerie, musei, istituti di cultura aperti sino alle 24.00 del 10 e 11 Ottobre e l'occasione unica di visitare i cantieri dei musei MACRO e MAXXI.

Un'iniziativa realizzata dagli organizzatori della fiera ROMA - The Road to Contemporary Art in collaborazione con Umberto Croppi, Assessore alle Politiche Culturali e della Comunicazione del Comune di Roma.

Partecipano a ROMA ART WEEKEND:

1/9 Unosunove arte contemporanea / Altri lavori in corso / Galleria André / IngressoPericoloso - Artsinergy / Atelier Laboratorio d'Arte / Brancolini Grimaldi Arte Contemporanea / Studio d'Arte Campaiola / C.A.O.S. Cultural Artists Open Space Contemporary Art / Changing Role / Galleria Augusto Consorti / Galleria Maria Grazia Del Prete / Edicola Notte / EDIEUROPA / e x t r a s p a z i o / Fidia Arte Moderna / Galleria 196 / Gallerja / The Gallery Apart / Gagosian Gallery / Galleria Gallerati / Hofficina d'Arte / LipanjePuntin artecontemporanea / Lorcan O'Neill Roma / Magazzino / Mandeep- Photography and Beyond / Galleria Maniero / Galleria d'Arte Marchetti / MARTE Galleria / Galleria d'Arte Michelangelo / Studio Stefania Miscetti / Galleria Valentina Moncada / Monitor / Monocromo Art Gallery / Motelsalieri / Nextdoor... ArtGalleria / La Nuvola Arte / One Piece Contemporary Art / Oredaria Arti Contemporanee / Piomonti artecontemporanea / Il Polittico / Galleria Il Ponte Contemporanea / Ricerca d'Arte / Romberg Artecontemporanea / Galleria Fabrizio Russo / Galleria S.A.L.E.S. / Secondome / SMAC - Segni Mutanti Arte Contemporanea / Studio - S / studio.ra contemporanea / Galleria Tartaglia Arte / Ermanno Tedeschi Gallery / Galleria Traghetto / Studio Trisorio / Z2o galleria - Sara Zanin.E inoltre: MAXXI - MACRO - Museo dell'Ara Pacis - Museo Carlo Bilotti - Museo di Roma in Trastevere - Fondazione Guastalla - Incontri Internazionali d' Arte - Instituto Cervantes di Roma - Istituto Svizzero di Roma - Nomas Foundation - Temple University - Wunderkammer

Un servizio gratuito di navette collegherà i diversi spazi che aderiscono all'iniziativa dalle 16.30 alle 24.30 del 10 e 11 Ottobre.

Sul sito www.romacontemporary.it il programma dettagliato di tutte le mostre in corso nelle gallerie, musei e istituti di cultura che aderiscono a ROMA ART WEEKEND e le indicazioni per prenotare le visite ai cantieri dei musei MACRO e MAXXI


 

Roma - Art Weekend
Dal 10 al 12 ottobre 2008
Roma
Per ulteriori informazioni
Ph +39 06 69380709
Fax +39 06 69208012
info@romacontemporary.it

Ufficio Stampa
EQUA
Ph +39 06.3236254
Fax +39 06.32110090
info@equa.it

 

dal 4 ottobre 2008 | acquario e civica stazione idrobiologica | milano


Giunta alla sua seconda edizione, l'esposizione 'in open air' presenterà le opere di 18 artisti contemporanei: Alex Bombardieri, Andrea Cereda, Alfredo Cordella Matacotta, Luisa Del Mestre, Francesca di Robilant, Ximena Hernandez & Rugile Norkute, Alejandro Fernandez, LUFER, Fukushi Ito, Maria Teresa Gonzalez Ramirez, Guido Lodigiani, Flavio Lucchini, Ricardo Macias, Daniele Nitti Sotres, Daniela Novello, Aldo Pavan, Luca Pozzi, Isabella Ramondini.

Nata da un'idea di Luisa Del Mestre, curata da Anna Lucia Maria Fraschetti in collaborazione con Simona Nava, organizzata dall'Associazione culturale senza scopo di lucro "Avvenirismo 3535 - making Life an Art", in collaborazione con l'Acquario e Civica Stazione Idrobiologica di Milano e l'Assessorato alla Cultura del Comune di Milano, col patrocinio del Corpo Consolare di Milano e il contributo della Fondazione Cariplo, della Provincia di Milano e Noesis Comunicazione, l'esposizione si propone di promuovere la cooperazione internazionale in campo artistico e culturale e la sperimentazione artistica, scientifica e tecnologica, attraverso l'interazione fra il secolare Museo dell'Acquario e l'Arte di domani.
L'appuntamento all'Acquario è il secondo momento di un progetto inaugurato l'anno scorso con una mostra allestita nei suggestivi spazi dell'Orto Botanico di Brera, che a giugno hanno fatto da sfondo alal presentazione nell'evento 2008, che prosegue oggi in un contenitore particolarmente attraente dove il dialogo tra arte contemporanea e luoghi insoliti per questo tipo di manifestazioni, trova una valenza unica.
"Il nostro è un disegno - spiega Anna Lucia Maria Fraschetti - che compone una "geometria avveniristica" tracciando linee immaginarie tra i creatori dell'arte di oggi e luoghi ricchi di storia: un intreccio di relazioni che offre infinite possibilità di lettura da parte del pubblico, uno strumento misterioso portatore di immagini e di segni innovativi".
Contribuiscono al disegno Avveniristico, dal ritratto all'astronave, opere di artisti quali Alex Bombardieri, Andrea Cereda, Alfredo Cordella Matacotta, Luisa Del Mestre, Francesca di Robilant, Ximena Hernandez & Rugile Norkute, Alejandro Fernandez, LUFER, Fukushi Ito, Maria Teresa Gonzalez Ramirez, Guido Lodigiani, Flavio Lucchini, Ricardo Macias, Daniele Nitti Sotres, Daniela Novello, Aldo Pavan, Luca Pozzi, Isabella Ramondini.
La sperimentazione tecnologica e' curata e supportata da d & d elettronica, sistemi di illuminazione tecnica e da energy saving, pannelli fotovoltaici.
Accompagna la mostra il catalogo "MAKING LIFE AN ART" di Silvana Editoriale, della collana "AVVENIRISMO 3535".


 

"AVVENIRISMO 3535 - MAKING LIFE AN ART"
4 ottobre - 10 novembre 2008
Milano, Acquario e Civica Stazione idrobiologica (v.le Gadio,2)
Orari da martedì a domenica giovedì 9.00-13.00 14.00-17.30
lunedì chiuso
Ingresso gratuito
Catalogo Silvana Editoriale
Per informazioni: tel.02 88465754
www.clponline.it
Ufficio Stampa: CLP Relazioni Pubbliche
Tel. 02 433403 - 02 36571438
Fax 02 4813841
press@clponline.it
ufficiostampa@clponline.it


 

(fonte: Exibart.com )

da giovedì 16 a lunedì 20 ottobre 2008 | quartiere fieristico | verona


Il più ampio panorama delle gallerie italiane di maggior livello. Le opere di oltre mille artisti moderni e contemporanei. E un dispiegarsi di mostre, premi, performance, eventi, che fanno di ArtVerona una manifestazione di respiro culturale, che indaga e si sofferma sulle varie forme e modalità dell'arte.
Molte le personalità di fama e di competenza che hanno curato o dato il loro contributo ai vari collaterals, quali Renato Barilli, Gabriella Belli, Camilla Bertoni, Fabio Cavallucci, Aurora Fonda, Mario Gorni, Paola Marini, Mara Ambrozič, Camilla Seibezzi, Gabi Scardi, Maria Rosa Sossai, Roberta Valtorta, Angela Vettese.
Ad apertura del tutto, il Forum 08 sulle tendenze evolutive del mercato d'arte moderna e contemporanea. Vi si presenta l'indagine Nomisma "sul commercio di opere d'arte moderna e contemporanea 2008-2009", cui segue la tavola rotonda condotta da Massimiliano Tonelli con la partecipazione di Massimo Di Carlo, Alberto Fiz, Anna Mattirolo, Stefano Moreni e Pierluigi Salvatore.
ArtVerona quest'anno dialoga anche con la sua bella ed attrattiva città, attraverso nuove, stimolanti iniziative, programmate in collaborazione con istituzioni, musei, fondazioni.


 

ArtVerona
da giovedì 16 a lunedì 20 ottobre 2008
preview: giovedì 16 ottobre ore 14.00 (solo su invito)br> apertura pubblico: giovedì 16: dalle 16.00 alle 20.00
da venerdì 17 a domenica 19: dalle 10.30 alle 20.00
lunedì 20: dalle 10.30 alle 15.00
Quartiere fieristico di Verona
padiglioni 6 e 7
ingresso: porta Cangrande (da Viale del Lavoro)
uscita consigliata autostrada: Verona Sud
Biglietti: biglietto ordinario: € 15 - biglietto ridotto: € 5 - abbonamento 5 giorni: € 20

aree espositive: padiglione 6: arte moderna - grafica e multipli - bookshop 1 - editoria padiglione 7: arte contemporanea - bookshop 2 - editoria
guida alla visita e catalogo: gratuiti a tutti i visitatori

informazioni: segreteria organizzativa
tel. +39 045 8039204
fax +39 045 8015004
www.artverona.it
staff@artverona.it


 

dal 15 settembre 2008 | palazzo baldeschi al corso | perugia


Dal 15 settembre 2008 al 18 gennaio 2009, la Fondazione Cassa di Risparmio di Perugia propone, nella propria sede espositiva di Palazzo Baldeschi al Corso, un affascinante confronto tra due "gusti collezionistici", l'uno quello degli americani Duncan e Elisa Phillips "Da Corot a Picasso", l'altro del nobile piacentino Giuseppe Ricci Oddi "Da Fattori a De Pisis".

Dagli Stati Uniti arriverà, infatti, una selezione di opere dei maggiori maestri dell'impressionismo e delle avanguardie europee del Novecento, tra cui Corot, Courbet, Manet, Monet, Bonnard, Van Gogh, Cezanne, Modigliani, Kandinsky, Braque, Picasso.
Nella mostra, presentata da Vittorio Sgarbi, questi grandi maestri saranno posti a confronto con i protagonisti dell'arte italiana tra Ottocento e Novecento tra cui Fattori, Sartorio, Carrà, Casorati, Campigli, De Pisis.

Con questa iniziativa la Fondazione celebra il Centenario della costituzione della Cassa di Risparmio di Perugia, di cui ha ereditato l'impegno sul versante sociale e del mecenatismo culturale.


 

Da Corot a Picasso, da Fattori a De Pisis
Dal 15 settembre 2008 al 18 gennaio 2009
Palazzo Baldeschi al Corso (corso Vannucci, 66)
Perugia
Orario: 10:00 - 18:00 (la biglietteria chiude alle ore 17:00)
ingresso: interi 8€, ridotti 6€, scuole 3€
Mostra promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Perugia.
Organizzazione Civita
Catalogo Silvana Editoriale.
Informazioni e prenotazioni:
www.fondazionecrpg.it
199 199 111 servizi@civita.it
Ufficio Stampa:
Studio ESSECI - Sergio Campagnolo, Padova
tel. 049.663499 info@studioesseci.net


 

(fonte: Exibart.com )

dal 3 ottobre 2008 | a cura di gabi scardi e bartolomeo pietromarchi | spazio oberdan | hangar bicocca | milano


La mostra di Alfredo Jaar It Is Difficult è un'ampia antologica, promossa da Provincia di Milano e Fondazione Hangar Bicocca con il contributo di Regione Lombardia, di intenso significato politico e sociale e di forte impatto visivo ed emotivo dedicata all'artista cileno.

Artista, architetto di formazione e film-maker, Alfredo Jaar nasce nel 1956 in Cile e si forma durante la dittatura militare di Pinochet, producendo diversi lavori esplicitamente critici rispetto al regime. Si trasferisce nel 1982 a New York. Nei vent'anni successivi partecipa alle maggiori mostre e rassegne internazionali.
Nell'arco del suo percorso Alfredo Jaar instancabilmente si interroga su come l'arte possa interagire con il contesto sociale e politico più vasto; affronta temi di assoluta rilevanza, legati in molti casi a situazioni di urgenza umanitaria, di oppressione politica e di emarginazione sociale, di scarsa considerazione dei diritti umani e civili. Si concentra in particolare su situazioni che la nostra coscienza tende a rimuovere e sulla retorica attraverso la quale i media manipolano e trasmettono le informazioni. Con le vicende che tratta, l'artista si confronta direttamente dando voce e volto alle vittime e ai testimoni.
Jaar crede in una correlazione tra etica ed estetica, attribuisce fondamentale importanza a un ruolo attivo e socialmente responsabile della cultura e insiste sulla necessità di ribadire, attraverso l'energia creativa dell'arte, posizioni etiche, anche fortemente critiche, di fronte a temi difficili e a fatti gravi come ingiustizie, genocidi, emergenze umanitarie.
Nelle sue opere, sempre improntate a estrema perfezione formale, adotta linguaggi e strumenti diversi, dalla scultura all'installazione, dal video alla fotografia, al lightbox fino a opere di dimensioni ambientali.
La mostra, realizzata in stretta collaborazione con l'artista, rappresenta un percorso attraverso le sue opere più importanti, rappresentative di oltre vent'anni di lavoro.
Una mostra importante, che farà riflettere, discutere, e consentirà al pubblico di conoscere l'opera di un grande maestro contemporaneo.
Le vicende e l'immagine dell'Africa e le sue relazioni con il mondo occidentale costituiscono il filo conduttore della sezione di mostra allestita allo Spazio Oberdan. Jaar ha infatti dedicato diverse delle sue serie più importanti alla situazione di paesi africani come il Ruanda, l'Angola, la Nigeria. Vero e proprio punto di svolta nel suo percorso è The Rwanda Project: ventuno lavori eseguiti tra il 1994 e il 2000 in cui Jaar dà voce e volto alle vittime e ai testimoni del genocidio di massa avvenuto in Ruanda.
Di questo ciclo saranno presenti allo Spazio Oberdan cinque opere: The Eyes of Gutete Emerita (1996), Embrace (1996), Field, Road, Cloud (1997),Epilogue (1998), Untitled (Newsweek (1994).
The Eyes of Gutete Emerita: opera cardine della serie; innumerevoli diapositive accumulate su un tavolo luminoso presentano un'unica immagine, gli occhi di una donna che ha assistito al massacro della propria famiglia. Embrace: video in cui due ragazzini visti di spalle si danno forza stringendosi in un abbraccio mentre assistono a un episodio precluso alla nostra vista.
Field, Road, Cloud: tre lightbox con fotografie di splendidi paesaggi africani cui sono abbinate piccole mappe disegnate e annotate a mano; la natura lussureggiante stride con gli appunti di Jaar sugli efferati massacri avvenuti nei luoghi medesimi.
Epilogue: la labile immagine proiettata del volto dolente di una anziana donna ruandese si ritrae e riaffiora continuamente evocando i meccanismi della memoria, inalienabile e inafferrabile al contempo.
Segue, sempre allo Spazio Oberdan, una serie di opere dedicate alla retorica dei media, i media works: Untitled (Newsweek) (1994), From Time to Time (2006), Searching for Africa in LIFE (1996), Greed (2007). Sono lavori che testimoniano come i media più importanti decisero di ignorare, per lunghi mesi, la strage di esseri umani che nel frattempo si compiva in Africa.
Untitled (Newsweek: ancora parte di The Rwanda Project, presenta diciassette copertine dell'omonimo settimanale pubblicate dal 6 aprile al 1° agosto 1994: il tempo occorso a Newsweek per decidere di dedicare spazio al massacro del Ruanda, cento giorni circa durante i quali, complice la paralisi delle forze internazionali, morì un milione di Tutsi. From Time to Time: nove copertine di TIME Magazine presentano immagini legate al cliché occidentale che tende a considerare l'Africa solo dal punto di vista paesaggistico, con animali selvaggi e catastrofi naturali; solo l'ultima delle copertine presenta la situazione reale della Somalia.
Searching for Africa in LIFE: copertine di sessanta annate della celebre rivista, nelle quali il soggetto "Africa" viene preso in considerazione raramente, ed è sempre trattato in modo esotico.
Greed: sulla copertina di Business Week l'avidità e lo sfruttamento che riducono la popolazione africana in una situazione drammatica sono rappresentati attraverso l'immagine di un leone feroce. Titolo emblematico del servizio è "Può l'ingordigia salvare l'Africa?" In mostra allo Spazio Oberdan anche Geography = War (1991): sei lightbox con mappe segnate da traiettorie sul fronte e immagini dell'Italia e della Nigeria nascoste sul retro; una serie di specchi sul muro retrostante riflette le immagini e racconta i drammatici effetti del trasporto illegale di rifiuti tossici dall'Italia ai paesi del Terzo Mondo.
An Atlas of Clouds (2006) è composto da sei fotografie di nuvole che imperturbabili attraversano i cieli di altrettanti paesi africani in cui Jaar ha lavorato.
Nel film Muxima (2005), che chiude la mostra, Jaar raccontata con poetica dolcezza come l'umanità continui sempre, anche nelle più ardue situazioni, a vivere e a sentire. Girato in una Angola che cerca di riprendersi dalla guerra, Muxima - significa cuore - è una sorta di poema visivo e sonoro: la musica, sei versioni di un canto popolare locale, alterna momenti malinconici a ritmi più vivaci, accompagnando immagini che rivelano a un tempo la ricchezza del paese, le tracce della storia passata e il presente di speranza.

All'Hangar Bicocca saranno visibili opere di forte impatto e di grande dimensione. Si comincia con A Logo for America, un progetto del 1987 di parole e immagini sul significato della geografia, realizzato per un edificio di Times Square a New York: Jaar ha prodotto un intervento animato proiettato ogni sei minuti, circondato dalle consuete pubblicità di prodotti, creando una sorta di aritmia nelle insistenti pulsazioni della cultura commerciale. Segue una delle installazioni più importanti di Jaar, The Sound of Silence del 2006: una grande scatola al cui interno c'è uno schermo e all'esterno una parete di neon. Per entrarvi occorre attendere che l'apposito segnale rosso diventi verde. Si assiste quindi a un video di otto minuti dove su schermo nero scorrono delle frasi in bianco con la storia del fotografo sudafricano Kevin Carter, autore di una foto scioccante realizzata in Sudan nel 1993, dove una bambina denutrita e prossima alla morte arranca a quattro zampe, scortata da un avvoltoio che attende la sua fine. Carter vince il Premio Pulitzer per questa immagine che ha fatto il giro del mondo, ma pochi mesi dopo si toglie la vita, oppresso dalle accuse di aver preferito realizzare la sua foto, piuttosto che aiutare la bambina a sopravvivere. Un momento prima che compaia la foto si viene accecati da due potenti flash. "I media sono diventati un business come un altro" - dice Jaar - facendoci riflettere sulla nostra responsabilità di consumatori.
L'opera seguente Untitled (Water) del 1990 presenta sei lightbox con scorci di mare nella baia di Hong Kong, dove, durante gli anni Ottanta, approdavano gli esuli vietnamiti alla ricerca di un'esistenza migliore e che venivano invece arrestati e imprigionati. Di fronte a questi scorci marini, trenta specchi riflettono i volti di questi esuli disperati.
Segue un'altra installazione di grande impatto: Lament of the Images I, presentata nel 2002 a Documenta 11 (Kassel) che denuncia, con la lettura di tre testi seguiti dall'esperienza di una luce accecante emessa da un grande schermo bianco, una cecità metaforica ovvero "l'impossibilità di vedere la realtà al di fuori dei media", l'indisponibilità delle immagini, il loro sequestro e la loro completa gestione da parte dei poteri pubblici e privati.
Geography = War è invece una installazione del 1991 che fa anch'essa riferimento al traffico dei rifiuti tossici tra Italia e Nigeria, con vari bidoni neri contenenti del liquido scuro su cui si affacciano scatole luminose da cui ci guardano volti di bambini e contadini africani, a testimonianza dell'emergenza umanitaria che l'azione illegale italiana provocò. Introduction to a Distant World è un video del 1985 che presenta due tipi di documenti contrastanti: da un lato una alternanza di primi piani sui volti dei minatori, i loro gesti, i loro passi cadenzati e di piani allargati sul lavoro in miniera, dall'altro inserti muti con l'indicazione del prezzo dell'oro nelle diverse sedi delle borse di tutto il mondo. Out of Balance è una installazione del 1989 che riguarda il mondo dei minatori in Brasile: sei lightbox oblunghi sono appoggiati a diverse altezze sui quattro muri di una sala, su ciascuna di queste "finestre" appare il viso sporco di fango di un minatore. Ogni ritratto è come confinato in un angolo del fondale luminoso bianco che occupa la maggior parte dello spazio: ogni volto emerge dalla luce come segnale e ci allontana dalla abituale visione senza sforzo, aiutandoci invece a cogliere il reale significato di ciò che vediamo.
E infine nel Cubo dell'Hangar Bicocca, uno straordinario spazio quadrato con una cupola circolare da cui passa la luce solare, sarà posata l'installazione Emergencia del 1998, una sorta di piscina nera e liquida, da cui a poco a poco emerge la forma inconfondibile dell'Africa, per tornare a riflettere - e soprattutto ad agire - sull'emergenza sociale e umanitaria del continente nero.

La mostra di Alfredo Jaar It Is Difficult sarà affiancata dal progetto pubblico Questions Questions ideato per l'occasione, calibrato sulla città di Milano e sull'area circostante, che si avvale della collaborazione di IGPDecaux e di MBA Group. Tra i maggiori rappresentanti di una pratica dell'arte critica, legata alle possibilità di una trasformazione responsabile della società, Jaar si interroga sull'impegno dell'arte e della cultura, sulla loro prontezza nell'interagire con il contesto sociale e politico più vasto e nel rispondere alle istanze fondamentali della contemporaneità.

Il progetto pubblico prende la forma variegata di uno spazio collettivo di confronto a più voci sul senso del fare cultura sentendosi parte di un'epoca e di una collettività. In particolare si articolerà in un'affissione pubblica che, adottando modalità e supporti della pubblicità, insinuerà invece nella città una serie di domande su "cos'è la cultura". Domande relative al ruolo della cultura nella società attuale verranno inoltre proposte al pubblico tramite altri mezzi di comunicazione mediatica e saranno alla base di una serie di incontri pubblici nonché di un convegno internazionale (il 21 gennaio 2009 al Teatro Litta) che riunirà figure autorevoli di studiosi e di esperti in campi diversi del sapere. Partendo dal presupposto che l'arte coltivi sensibilità critica e rapporto con la politica, l'artista mira dunque ad attivare un dibattito sul ruolo della cultura sia in quanto espressione del tempo che viviamo in tutte le sue complessità, le sue diversità, e le sue urgenze, sia come vero e proprio agente di trasformazione e motore di sviluppo sociale.

Il 4 ottobre alle ore 11 presso lo Spazio Oberdan, in occasione della Giornata del Contemporaneo promossa da AMACI, si terrà un incontro con Alfredo Jaar sul tema "Arte e politica".


 

Alfredo Jaar. It Is Difficult
dal 3 ottobre 2008 al 25 gennaio 2009
Spazio Oberdan, viale Vittorio Veneto 2, Milano
dal 3 ottobre 2008 all'11 gennaio 2009
Hangar Bicocca, via Chiese 2, Milano
orari: tutti i giorni 10-19, martedì e giovedì fino alle 22, chiuso il lunedì
Biglietto Spazio Oberdan o Hangar Bicocca: intero €4, ridotto €2,50
Biglietto unico: intero € 6, ridotto € 3
Catalogo: Edizioni Corraini

All'Hangar Bicocca sono previste visite guidate gratuite per le scuole (info: lab@hangarbicocca.it).
Allo Spazio Oberdan si terranno visite guidate per le scuole (prenotazioni a didattica@provincia.milano.it) e visite guidate per tutti ad orario fisso (il martedì e giovedì alle 19, il sabato alle 17 e la domenica alle 11) al solo costo del biglietto d'ingresso.
Si ricorda inoltre che il primo martedì di ogni mese l'ingresso allo Spazio Oberdan è gratuito.
La mostra è accompagnata da un catalogoEdizioni Corraini, con saggi di Gabi Scardi, Bartolomeo Pietromarchi, Paul Gilroy, Paolo Fabbri, schede a cura di Nicole Schweizer.

La mostra di Alfredo Jaar It Is Difficult è realizzata con la collaborazione tecnica di:
Gemmo, per la realizzazione delle opere The Sound of Silence e Lament of the Images
Informazioni al pubblico:
Spazio Oberdan, tel. 02 77406300/6302; www.provincia.milano.it/cultura
Hangar Bicocca, tel. 02 853531764; www.hangarbicocca.it


 

(fonte: Exibart.com )

dal 30 settembre 2008 | a cura di mauro lucco e giovanni c.f. villa | scuderie del quirinale | roma


La grande mostra monografica "Giovanni Bellini" alle Scuderie del Quirinale, curata da Mauro Lucco e Giovanni C.F. Villa, viene riproposta a quasi sessant'anni dall'unica esposizione sul grande maestro veneto a Palazzo Ducale di Venezia nel 1949. Per la mostra sono stati portati a Roma oltre sessanta dipinti, ovvero circa i tre quarti della sua produzione certa, che giungono dai più grandi musei del mondo: da Firenze a Milano a Venezia, da Parigi a Londra a Madrid, da Washington a New York a Ottawa e San Paolo del Brasile. Accanto alle grandi pale d'altare, fra cui la tavola di oltre quattro metri del Battesimo di Cristo eseguita per la chiesa di Santa Corona a Vicenza e la stupefacente Pala di Pesaro, si avrà modo di ammirare le opere a tema sacro come le serie complete dei Crocifissi e le Pietà, oltre alla vasta produzione di Madonne e Ritratti. Ma anche le meno conosciute e sorprendenti allegorie e mitologie, con capolavori quali la Continenza di Scipione, un fregio di oltre tre metri che simula il marmo, mai uscito prima dalla National Gallery di Washington.

Se la lunga carriera di Giovanni Bellini è relativamente ben documentata nella parte finale, dopo il 1500 circa, lo è molto meno per le fasi iniziali. La prima parte dell'attività del pittore - figura cardine dello sviluppo della pittura del nord Italia nella seconda metà del Quattrocento - verrà ricostruita nel percorso espositivo a partire dalla più antica opera datata rimastaci, la Madonna degli Alberetti, segnata 1487 e ora alle Gallerie dell'Accademia di Venezia, quando l'artista era ormai ultracinquantenne, fino all'estenuata Ebbrezza di Noè di Besançon che sembra costituire una sorta di testamento spirituale del pittore veneziano.

Per questa esposizione, frutto di molti anni di lavoro, è stata effettuata una approfondita ricerca negli archivi veneziani e una vasta campagna di indagini scientifiche dai risultati sorprendenti che, oltre a svelare gli splendidi disegni sottostanti le opere di Giovanni Bellini, ha anche offerto concreti aiuti per una riequilibratura cronologica dell'intera opera del maestro, come puntualmente testimonia il catalogo.


 

Giovanni Bellini
Dal 30 settembre 2008 all' 11 gennaio 2009
Scuderie del Quirinale
Via XXIV Maggio 16 - 00187 Roma
orario: da domenica a giovedì 10.00-20.00; venerdì e sabato 10.00-22.30
L'ingresso è consentito fino a un'ora prima della chiusura
biglietti: Intero: € 10 - Ridotto: € 7.50
Catalogo: Silvana
Info: +39 0639967500 - +39 06696271
info@scuderiequirinale.it
www.scuderiequirinale.it


 

(fonte: Exibart.com )

(fonte: Exibart.com )

(fonte: Exibart.com )

inaugurazione 30 settembre | ore 18.00 | a cura di barbara bottacin, kristina herrmann fiore e elisabetta zatti | centro trevi | bolzano


Protagonisti di questo innovativo progetto sono "La dama con il liocorno" uno dei capolavori di Raffaello Sanzio, cui l'Ufficio Cultura italiana della Provincia autonoma di Bolzano ha dedicato una mostra monografica alcuni anni fa grazie al prestito concesso dalla Galleria Borghese di Roma, e "La conversione di San Paolo", una delle più significative opere del pittore del Rinascimento ferrarese Benvenuto Tisi, detto il Garofalo.
Nato nel 1481 a Ferrara, Benvenuto Tisi detto il Garofalo, fu uno dei pittori di spicco del rinascimento ferrarese. Fondamentale per la sua formazione artistica fu la frequentazione di Raffaello a Roma attorno al 1512: "gentilissimo e non ingrato, Raffaello insegnò molte cose, aiutò e favorì sempre Benvenuto." così ci racconta Giorgio Vasari, il primo grande storico dell'arte, che visse nel XVI secolo. A più di 500 anni di distanza, è stata proprio un'opera di Raffaello Sanzio a donare nuova vita alla Pala d'altare del suo amico / allievo Garofalo, nell'ambito di un'iniziativa innovativa promossa dall'Ufficio Cultura Italiana in stretta sinergia con la Soprintendenza per il polo museale romano e la Galleria Borghese. Una collaborazione che è culminata con il prestito da parte dell'Istituzione romana della "Dama con il liocorno" dipinta da Raffaello attorno al 1506, in cambio del restauro di un altro capolavoro della collezione della Galleria: la pala d'altare raffigurante la "Conversione di San Paolo", realizzata dal Garofalo nel 1545.
A tre anni dall'inizio del restauro dell'opera, la pala del pittore ferrarese ha ritrovato il suo antico splendore ed è pronta per essere esposta a Bolzano, in una mostra che illustrerà in maniera chiara e dettagliata, grazie a immagini, fotografie e riproduzioni grafiche, tutte le fasi che compongono le operazioni di restauro di dipinto antico. Il percorso didattico che si snoderà negli spazi del Centro Trevi, e il catalogo della mostra sono curati da Barbara Bottacin, Kristina Herrmann Fiore e Elisabetta Zatti.
"Un Garofalo per la Dama" è l'esito finale di una di una nuova tipologia di collaborazione tra istituzioni promossa dalla Provincia Autonoma di Bolzano: una vera e propria sinergia, che ha permesso a Galleria Borghese di restaurare un'opera significativa della sua collezione, grazie al finanziamento dell'ente provinciale e ha portato a Bolzano la preziosissima "Dama col liocorno" di Raffaello, nel corso dell'iniziativa Incontro Reale 3.


 

Un Garofalo per la Dama. Il restauro della conversione di San Paolo
fino al 30 ottobre 2008
Provincia autonoma di Bolzano - Alto Adige Ufficio Cultura italiana
ingresso libero
Orario: visitabile per tutto il mese di ottobre dalle 10.00 alle 12.30 e dalle 14.00 alle 18.30; il giovedì dalle 10.00 alle 20.00; chiuso la domenica e il lunedì mattina
Centro Trevi (Bolzano, via Cappuccini 28)
Info: 0471300980
centrotrevi@provincia.bz.it
www.provincia.bz.it/garofalo
Il percorso didattico che si snoderà negli spazi del Centro Trevi è curato da Barbara Bottacin, Kristina Herrmann Fiore e Elisabetta Zatti.


 

inaugurazione sabato 27 settembre | ore 19 | a cura di adriana rispoli e eugenio viola | supervisione artistica di julia draganovic | pan, palazzo delle arti napoli


27.09. - 17.11.2008
Betty Bee, Bianco-Valente + Mass, Sebastiano Deva, Donatella Di Cicco, Maurizio Elettrico, Piero Golia, Iabo, Francesco Jodice, Giovanni Calemma/Mariangela Levita, Mara M, Antonello Matarazzo, Moio & Sivelli, Raffaella Nappo, Pasquale Pennacchio & Marisa Argentato, Giulia Piscitelli, Franco Scognamiglio, Lorenzo Scotto di Luzio, Marinella Senatore, Vedovamazzei

24.11. - 8. 12.2008
Guido Acampa: Ramp

Diverse, negli anni passati, le mostre organizzate a Napoli sugli artisti o più in generale sul sistema dell'arte che ruota intorno alla città. Camera con vista è tuttavia la prima occasione espositiva, in uno spazio pubblico cittadino, che ha per protagonisti artisti napoletani e/o operanti a Napoli, incentrata sull'utilizzo di un medium specifico: il video.

Camera con vista nasce come una ricognizione, uno sguardo più che una indagine, senza pretesa di esaustività, sugli artisti napoletani che utilizzano il video sia come medium privilegiato che come una delle possibili vie di elaborazione in termini estetici della realtà.

Estremamente duttile e variamente declinato per contenuti e tecniche, il video oggi non può essere più considerato un linguaggio d'avanguardia, ma la naturale evoluzione dei media tradizionali. Lo sviluppo dell'elettronica applicata al video ha causato negli ultimi dieci anni notevoli cambiamenti, portando materiali e supporti a sconfinamenti necessari ed evidenti da un campo di applicazione all'altro. Questo punto di vista ha influenzato la scelta dei materiali selezionati, che includono lavori sia di artisti già inseriti nel circuito nazionale e internazionale che emergenti.

Camera con vista adotta la logica espositiva della sala cinematografica, proponendo l'esperienza di una visione concentrata, di un approccio esperito per "immersione". Il titolo, preso in prestito dal celebre film di James Ivory, se da un lato allude alle potenzialità immaginifiche dello schermo, dall'altro sottolinea la volontà del PAN di osmosi con la città e annuncia l'apertura di una "finestra" sull'esterno: una "camera con vista tecnologica" che con un ironico voyeurismo si apre sulla rassegna che si svolge all'interno della struttura.

Camera con vista inaugura le attività della nuova video-room del PAN Palazzo delle Arti Napoli.

La mostra sarà accompagnata da un catalogo bilingue -italiano / inglese, ed.Electa, con testi, di Julia Draganovic, Direttore Artistico del PAN, di Marina Vergiani, Curatore Capo Centro di Documentazione del PAN e dei due curatori Adriana Rispoli e Eugenio Viola.


 

Camera con vista. Uno sguardo sulla videoarte a Napoli
Dal 27 settembre al 8 dicembre
PAN | Palazzo delle Arti Napoli
Palazzo Roccella | Via dei Mille 60 80121 Napoli
Orari di apertura 9.30-19.30
Festivi 9.30-14.00 | CHIUSO MARTEDÌ
info: +39 081 7958600
info@palazzoartenapoli.net
www.palazzoartinapoli.net


 

(fonte: Exibart.com )

preview stampa: 25 settembre 2008 | inaugurazione (a invito): 26 settembre | apertura al pubblico dal 27 settembre | a cura di andrea emiliani e daniela scaglietti kelescian | pinacoteca nazionale | bologna


L'arte visionaria ed espressionista di uno dei più eccentrici pittori del Cinquecento. Unico nella sua capacità di fondere il classicismo dominante in Italia con la tradizione nordica tedesca e fiamminga.

Nel bicentenario della Pinacoteca Nazionale, Bologna dedicherà una grande mostra, la prima monografica, al pittore Amico Aspertini (1474-1552), che segnò profondamente l'arte bolognese ed europea del suo tempo per originalità e singolarità di espressione..

Uomo capriccioso e di bizzarro cervello, come lo definisce Giorgio Vasari, Aspertini è una delle figure più amate dalla critica d'Arte (Longhi, Arcangeli) e dal pubblico che rimane sempre affascinato di fronte alle sue bizzarrie, alle sue figure fortemente espressive, ai suoi paesaggi fra naturalismo e classicismo e al forte carattere onirico e materico della sua opera.

Grande disegnatore ambidestro, era infatti capace di dipingere utilizzando entrambe le mani simultaneamente. In pittura era il più ricercato nella Bologna della prima metà del Cinquecento, tanto da intrecciare rapporti con le famiglie più illustri della città che gli commissionarono opere importanti destinate a essere considerate le più 'moderne' del tempo. Pittore, scultore, frescante e disegnatore, Aspertini si mostra come intellettuale profondamente aggiornato sia sulla cultura figurativa nordica sia sul mondo antico, che ebbe modo di visionare di persona durante diversi soggiorni a Roma e che interpreterà in modo personalissimo.

Roma, Firenze, Venezia: Aspertini fu grande viaggiatore per motivi artistici, per indole e anche per motivi contingenti (quando, cacciata da Bologna la famiglia che lo proteggeva, i Bentivoglio, si trasferì a Lucca dove affrescò la cappella di Sant'Agostino nella chiesa di San Frediano). Durante i suoi viaggi riproduceva ogni cosa che lo colpiva su alcuni taccuini di disegni, le così dette vacchette: vi si trovano opere di altri artisti, architetture, luoghi e persone. Le vacchette sono una vera miniera storico-artistica, ricercate già allora da pittori e studiosi (il Guercino ne possedeva una) come inestimabile fonte creativa.
Molte delle opere di Amico Aspertini sono andate perdute, e soprattutto gran parte delle decorazioni che ornavano i palazzi signorili bolognesi all'esterno da lui completamente affrescati. Molto significativo doveva essere anche il suo intervento nella decorazione dell'arco trionfale allestito di fronte al Palazzo Pubblico in occasione dell'incoronazione dell'imperatore Carlo V, avvenuta a Bologna nel 1529. Ma anche di quest'opera, ricordata da tutte le fonti bolognesi, fra cui C.C. Malvasia nella Felsina Pittrice del 1678, non resta traccia.

La mostra
La mostra sarà costituita da oltre un centinaio di opere tra dipinti, disegni, codici miniati, libri e ceramiche. Accanto alle opere di Amico, quasi tutte presenti in mostra, saranno esposte una quarantina di opere di artisti coevi con cui Aspertini si confrontò artisticamente, come Dürer, che venne a studiare prospettiva a Bologna nel 1504, o Filippino Lippi o Raffaello.
Il percorso espositivo avrà una importante sezione in esterni, che potrà essere fruita seguendo un itinerario di cui faranno parte, fra gli altri, i cicli di affreschi nella chiesa di Santa Cecilia e di San Giacomo, e le sculture sulla facciata della chiesa di San Petronio a Bologna. Fuori regione, invece, si segnalano i cicli di affreschi nella Rocca di Gradara (Pesaro) e nella chiesa di San Frediano a Lucca.
Di particolare rilievo la sezione dedicata agli affreschi nella Rocca Isolani di Minerbio (Bologna) . Restaurati in occasione della mostra, gli affreschi nella Sala di Marte, insieme a quelli già noti delle sale di Ercole e dell'Astronomia, costituiscono un importante ciclo decorativo di soggetto mitologico. Le sale affrescate saranno aperte e visibili al pubblico solo in occasione dell'esposizione.
La mostra rappresenta così una irripetibile occasione per ammirare uno dei rari esempi di decorazione a monocromo con figure di soggetto profano.

CHI HA VOLUTO IL PROGETTO
Sotto l'Alto Patronato del Presidente della Repubblica Italiana, la mostra vede come promotori la Soprintendenza B.S.A.E. di Bologna e il Comune di Bologna- Cultura e Rapporti con l'Università, con il sostegno della Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna e della Fondazione del Monte di Bologna e Ravenna. La mostra, fortemente voluta dalle istituzioni cittadine, prevede anche un significativo apporto da parte delle principali realtà economiche del territorio, delle associazioni e delle imprese che in essa agiscono, per sostenere e amplificare ai massimi livelli il potenziale ritorno culturale, turistico ed economico originato dalla mostra a livello nazionale e internazionale. La mostra è resa possibile grazie alla Società di Santa Cecilia - Amici della Pinacoteca, che ne segue la gestione. Il progetto di comunicazione è a cura di Laboratorio delle Idee di Bologna e il catalogo è edito e distribuito da Silvana Editoriale.

IL COMITATO SCIENTIFICO
La cura della mostra è di Andrea Emiliani e Daniela Scaglietti Kelescian.
Il comitato scientifico è formato da Heinrich Schultze Altcappenberg, Daniele Benati, Jadranka Bentini, Carla Bernardini, Gian Piero Cammarota, Sandro De Maria, Sybille Ebert-Schifferer, Luigi Ficacci, Vera Fortunati, Angelo Mazza, Massimo Medica, Wolfgang Prohaska, Eugenio Riccomini, Giovanni Romano, Elena Rossoni, Helga von Kügelgen.
Il coordinamento scientifico e generale è curato da Emanuela Fiori


 

AMICO ASPERTINI 1474-1552 artista bizzarro nell'età di Dürer e Raffaello
Dal 27 settembre 2008 all' 11 gennaio 2009
Bologna,Pinacoteca Nazionale, Via Belle Arti, 56
Orari: Tutti i giorni dalle 9.00 alle 19.00. La biglietteria chiude un'ora prima Chiuso il lunedì
Orari Minerbio (nei mesi di mostra)
Sabato e domenica dalle ore 11 alle ore 16 Ingesso con biglietto di mostra (possibilità di acquistarlo in loco), gratuito per i residenti a Minerbio.
Su prenotazione per i gruppi anche durante la settimana contattando il tel 051.6368341

Biglietti: INTERO € 10 - RIDOTTO € 8
Gruppi solo se prenotati (minimo 15 e massimo 25 persone), maggiori di 65 anni, studenti universitari con tesserino (Lettere e Filosofia, DAMS, Architettura e Accademia di Belle Arti)
RIDOTTO SPECIALE € 4
Minori 18 e scolaresche (gruppi di max. 25 alunni solo se prenotate)
GRATUITO
Bambini fino a 6 anni, scuole materne solo se prenotate, un accompagnatore per ogni gruppo, insegnanti accompagnatori (2 per classe), portatori di handicap con accompagnatore, giornalisti con tesserino, guide turistiche con patentino
Biglietteria on-line
E' possibile acquistare il biglietto on-line collegandosi al sito www.amicoaspertini.it nella sezione "ACQUISTA IL BIGLIETTO".
Informazioni, prenotazioni gruppi, scuole, visite guidate
Associazione culturale Dedalo Tel. 051 6368341
Fax 051 5874548; dedalo.gruppi@libero.it
Servizi in mostra
Accesso per disabili, Audioguide, bookshop,visite guidate
VISITE GUIDATE MOSTRA
(max 25 persone) Gruppi: € 80, € 100 in lingua straniera
Scuole: € 50
VISITE GUIDATE MOSTRA + PINACOTECA
(max 25 persone)
Gruppi: € 100, € 120 in lingua straniera
Scuole: € 70
VISITE GUIDATE MOSTRA + ITINERARI
(max 25 persone)
Gruppi: € 140, € 160 in lingua straniera
Scuole: € 100
Radioguida
L'uso delle radioguide (microfono per la guida e auricolari per i visitatori) è obbligatorio per tutti i gruppi. Noleggio per gruppo € 20
Audioguida
Noleggio per persona € 5
Tariffe di prevendita e prenotazione
Tariffa individuale per singoli e gruppi: € 1
Tariffa individuale scuole: € 0,50
(prenotazione gratuita per le scuole di Bologna e provincia)
Per particolari ragioni dovute alla delicatezza dei materiali esposti la prenotazione per gruppi e scolaresche (15/25 pax ) è obbligatoria.
Catalogo Silvana Editoriale
costo catalogo in mostra € 29

Ufficio stampa: Laboratorio delle Idee, Via Santo Stefano 32, Bologna
Tel 051-273861 - cell 335-5411331 / 331-6752354 labidee.ufficiostampa@labidee.it