28 al 31 gennaio 2011 | quartiere fieristico | bologna


Una delle prime fiere internazionali d'arte moderna e contemporanea nata in Italia negli anni '70, si è imposta nel corso delle diverse edizioni come la più importante fiera d'arte italiana che ogni anno attrae galleristi, collezionisti, curatori, artisti e appassionati italiani ed internazionali, un immancabile appuntamento che apre la stagione fieristica dedicata all'arte moderna e contemporanea.

Attenta alla nuova funzione che le fiere del settore hanno assunto nell'ambito del mercato dell'arte, Arte Fiera Art First ha preservato intatti negli anni il proprio ruolo di grande vetrina del mercato dell'arte mondiale e la propria identità di valorizzazione e promozione della ricerca artistica italiana ed internazionale dai primi anni del Novecento alle tendenze attuali, potenziando progressivamente la sinergia con le istituzioni locali attraverso un programma di eventi collaterali di alto livello.

Le oltre 200 gallerie partecipanti, distribuite su 15000 mq espositivi del quartiere fieristico bolognese, sono suddivise in tre settori dedicati all'arte moderna, contemporanea e alle ultime tendenze, con la sezione decisamente internazionale che ospita le gallerie di ricerca con non oltre 5 anni di attività, per avvicinare al mercato dell'arte e al collezionismo un pubblico sempre più ampio.

Tra le novità e i numerosi appuntamenti di questa edizione:

IN FIERA
Nello spazio Art Talks la tavola rotonda Art Education Programs, organizzata da IACCCA - International Association of Corporate Collections of Contemporary Art, che ha scelto Arte Fiera come spazio privilegiato per presentarsi al pubblico italiano e discutere un tema d'attualità come le forme di art education promosse da aziende con collezioni d'arte contemporanea e rivolte ai loro dipendenti, con la partecipazione di Jacqueline D'Amencourt del Gruppo LHOIST (Belgio), Janina Vitale di DZ Bank, Francoforte (Germania) e Aline Pujo della Fondation Neuflize Vie (Francia) che si confronteranno su questo tema moderati da Walter Guadagnini di Unicredit Group (Italia).

Arte Fiera ospita due importanti Premi dedicati ai giovani talenti:
La quinta edizione del Premio Euromobil Under 30 - main sponsor di Arte Fiera Art First - rivolto ai giovani artisti delle gallerie presenti in fiera e selezionati da una qualificata giuria di critici e operatori del settore, che proclamerà nello spazio in fiera 'I luoghi dell'arte, I luoghi del design' il vincitore di questa edizione.
8. Premio Furla, ottava edizione del premio italiano d'eccellenza a sostegno dei giovani artisti contemporanei, promosso con la collaborazione di Arte Fiera, organizza una tavola rotonda in Fiera alla quale parteciperanno i cinque finalisti e i curatori italiani ed internazionali che li hanno selezionati. Il Premio festeggia il suo decimo anniversario con un padrino d'eccezione, l'artista Christian Boltansky che ha ideato l'immagine grafica e il titolo di questa edizione Pleure qui peut, rit qui veut.

Nello spazio Art Cafè, in collaborazione con Corraini Edizioni, la Fiera offre ogni giorno incontri e presentazioni di libri e cataloghi d'arte con interventi di critici, artisti, editori, e galleristi per approfondire diversi aspetti del mondo dell'arte attraverso le più recenti pubblicazioni.


IN CITTA'
Durante i quattro giorni di Arte Fiera, Bologna diventa una scenografia ideale in un'alternanza tra passato e presente.
In uno dei centri storici medievali italiani eccezionalmente meglio conservati, Arte Fiera organizza in collaborazione con la città di Bologna la 6° edizione di Bologna Art First - dal 28 Gennaio al 27 Febbraio 2011 dal titolo Se un giorno d'inverno un viaggiatore... a cura di Julia Draganovic. Un percorso unico che ogni visitatore vivrà come un viaggio intimo e personale alla scoperta di antichi palazzi e luoghi storici, attraverso interventi site specific di artisti italiani e internazionali, emergenti e affermati, rappresentati dalle gallerie presenti in Fiera, che dialogano con la memoria di importanti simboli della città.
Tante singole storie, come narrazioni poetiche, che prendono forma in installazioni, sculture e performance realizzate appositamente in contesti storici ed architettonici di forte impatto. Tra gli artisti: Maria Josè Arjona / Galerie Anita Beckers, Francoforte; Marlon de Azambuja / Furini Arte Contemporanea, Roma, Ghost of a Dream / Cynthia Corbett Gallery, Londra; Marco Giovani / Galleria Biagiotti Progetto Arte, Firenze; Michael Johansson/Galleria Massimo Carasi, The Flat, Milano; Tea Mäkipää / Galleria Z02 Sara Zanin, Roma; Vittorio Messina/Galleria Giacomo Guidi, Roma; Hidetoshi Nagasawa/Marco Rossi Artecontemporanea, Milano; Roberto Paci Dalò / Galleria Mario Mazzoli, Berlino; Silke Rehberg /Galerie Rüdiger Voss, Düsseldorf.

La sinergia di fondazioni, istituzioni e privati porta a Bologna importanti interpreti della scena artistica italiana e mondiale: al MAMbo l'anteprima europea della mostra personale In search of.. dell'artista americano Matthew Day Jackson; a Palazzo Pepoli - uno degli storici palazzi della Fondazione Carisbo - Pleure qui peut, rit qui veut, mostra dei cinque artisti finalisti dell'ottava edizione del Premio Furla (29 gennaio - 6 febbraio 2011); all'Aula Magna di Santa Lucia Lady performance - incontro con Marina Abramovic, promosso da Alma Mater Studiorum in collaborazione con Arte Fiera, nel quale l'artista commenterà di persona la proiezione in anteprima italiana del filmato Seven Easy Pieces sette celebri performance storiche di famosi artisti contemporanei, che è stato uno dei principali appuntamenti della mostra recentemente dedicata all'artista al MoMA di New York (venerdì 28 gennaio 2011); al Salone del Podestà di Palazzo Re Enzo Happy Tech - Macchine dal volto umano, una mostra di arte+scienza per esplorare il nostro rapporto con le nuove tecnologie, promossa dalla Fondazione Marino Golinelli e a cura di Giovanni Carrada e Cristiana Perrella; Svoboda a cura di Daria Khan allo Spazio Carbonesi, una mostra collettiva di arte contemporanea russa che indaga attraverso le opere site specific di undici artisti la percezione del concetto di libertà in Russia; infine alla Basilica di Santo Stefano, la mostra dedicata a Shozo Shimamoto, uno dei fondatori del gruppo Gutai, a cura di Achille Bonito Oliva.

A conferma della collaborazione di Arte Fiera con le istituzioni cittadine il progetto Crescere con l'arte, un weekend al MAMbo organizzato negli stessi giorni della Fiera dal Dipartimento educativo del Museo, che propone un'iniziativa rivolta a bambini e ragazzi, invitandoli a vivere un'esperienza a contatto con l'arte contemporanea e i suoi linguaggi.

Sabato 29 gennaio, la notte di Bologna cambia colore con Art White Night: l'arte contemporanea invade il centro storico con l'apertura straordinaria fino a mezzanotte delle installazioni di Bologna Art First, dei musei, delle gallerie d'arte e dei negozi della città.

fino al 9 gennaio 2011 | curata da chiara bertola in collaborazione con paola marini | museo di castelvecchio | verona


La mostra di Maria Morganti, inaugurata il 14 ottobre presso il Museo di Castelvecchio, curata da Chiara Bertola in collaborazione con Paola Marini, direttrice del museo, è pensata come un attraversamento degli spazi espositivi.
In dialogo con l'architettura medievale, con l'intervento di Carlo Scarpa e con le collezioni ospitate, il colore diventa per l'artista lo strumento di misura dello spazio, l'elemento, la "parola", che lascia la traccia del percorso individuale.

"A Castelvecchio, Maria Morganti sceglie di occupare i vuoti e di attraversare il museo in modo decentrato, quasi nascosto, infiltrandosi negli interstizi delle tavole di supporto di una grande pittura trecentesca, insinuandosi nella cornice lasciata vuota da un affresco ora in restauro, inserendosi nel vuoto che ricostruisce un pezzo di una tavola andata perduta, o, ancora, in modo precario, collocando il suo lavoro semplicemente a terra e appoggiato alla parete, in modo che diventi quasi un basamento per i quadri appesi in alto." (Chiara Bertola dal saggio nel catalogo della mostra).
L'atteggiamento è quello di ascolto, di 'empatia', non certo impositivo nei confronti dello spazio, ma piuttosto di accostamento ad esso con delicatezza, a partire dalla Galleria delle Sculture al piano terra, in cui l'artista dispone, di fronte alla statua trecentesca della Santa Cecilia, un corpus di carte e vetri concepito un anno fa per la Galleria di Caterina Tognon a Venezia, che, all'interno delle suggestive sale di Castelvecchio, assume nuova forma.

Dal 1999 Maria Morganti dipinge con regolarità con pastelli a olio. Il metodo è sempre lo stesso, pochissime sono le variazioni degli oli su tela rispetto a quelli su carta. Le carte sono tutte dipinte sempre in senso orizzontale. Quasi ogni giorno, con sistematicità Maria Morganti applica un nuovo colore su una di esse.

Così descrive Chiara Bertola il suo modus operandi: "A variare sono piuttosto gli 'appunti' e i diari cromatici le cui pagine corrispondono agli strati della pittura. In questa prospettiva occorre svincolare le varie tele dai limiti del finito in cui siamo abituati a pensarle, per vederle come parte di un unico movimento espressivo che le unisce organicamente una all'altra, nell'inesorabile scansione dei giorni. Se guardo il suo lavoro da questo punto di vista e lo considero come un solo quadro che si sviluppa continuando ogni volta su un'altra tela, ne colgo il procedere senza fine; un procedere che si avvicina a quello di altri artisti i quali, con metodo rigoroso e ripetitivo, hanno elaborato un progetto esclusivo e infinito, che è coinciso con la propria vita. La sua, dunque, deve essere letta come un'opera organica, dinamica, in continuo movimento, perché inarrestabile e irreversibile è il tempo di cui è intessuta"; come precisa del resto l'artista: "In fondo è come se dipingessi un solo ed unico quadro per tutta la vita, fatto di tanti strati possibili, ma ogni tanto lo interrompo e lo continuo su un'altra tela..." (C. Bertola, 2008).
"In fondo, gli elementi su cui gioca sono pochissimi: oltre al colore c'è la direzione verticale e orizzontale in cui viene steso e la grandezza del formato della tela. Ma tutto avviene all'interno di questa 'cornice', all'interno di questi elementi, con il solo e lento stratificarsi di pigmenti nel tempo. Nei giorni e nella luce, ascoltando, nel silenzio e negli incontri. Qualcosa che per essere compreso va inserito all'interno della disciplina esistenziale che Maria si è data: dipingere ha a che fare con il suo tempo esistenziale, diario scritto, come un'impronta, negli strati di colore" (C. Bertola, 2005).

A Castelvecchio, nelle 'pitture di carta' delle sale superiori della Pinacoteca, alcuni elementi sono proposti quasi a completamento delle pareti vuote. In particolare, un intervento pensato ad hoc per la sala dedicata alla pittura veneta cinquecentesca, in cui le carte campiscono una cornice scarpiana temporaneamente lasciata libera da un'opera di Morone in restauro, in dialogo con una seconda opera del Morone che l'affianca e con l'allestimento realizzato dall'architetto veneziano, con cui Maria Morganti si è già confrontata in passato nel museo della Fondazione Querini Stampalia.

Un lavoro in cui è messa in luce tutta la nozione di relatività del colore, secondo cui un colore non è mai assoluto e la sua qualità cambia non solo a seconda dei colori che gli stanno vicino e dietro, ma chiaramente anche rispetto al suo contesto percettivo dato dalla luce, dalla dimensione, o dal contorno che lo determina, e soprattutto dall'occhio soggettivo di chi lo incontra.

"Ciò che un pittore indaga non è la natura del mondo fisico, ma la natura delle reazioni di fronte ad esse. Il pittore non si preoccupa delle cause ma dei meccanismi di certi suoi effetti, il suo è un problema psicologico: quello di evocare un'immagine convincente, a onta del fatto che non una delle sue pennellate corrisponde a quella che noi chiamiamo 'realtà'. Per arrivare a sciogliere questo enigma (nella misura in cui noi possiamo pretendere di risolverlo) la scienza dovrà accingersi ad esplorare la capacità della nostra mente di registrare rapporti anziché singoli elementi". (E. Gombrich, Arte e Illusione, 1960)
"L'avventuroso percorso che questa mostra ci suggerisce, non solo nel castello dei Della Scala e nell'allestimento di Scarpa ma, ben più internamente, nella struttura stessa della pittura, nel tempo e nella percezione di entrambi, ha tutti i requisiti per essere affascinante, illuminante, emozionante." (Paola Marini dal saggio nel catalogo della mostra)

inaugurazione 27 novembre 2010 | ore 18.30 | a cura di marco bazzini | boxart galleria d'arte | verona


"Questa mostra è il grido di dolore
di un artista per l'Italia che si sfascia".
Emilio Isgrò

Emilio Isgrò cancella la Costituzione Italiana come rappresentazione di un crimine annunciato.
"La mostra porta un sottotitolo -spiega l'artista- rappresentazione di un crimine, ed è l'annuncio di un'Italia che rischia di sfaldarsi, mentre tutti gli altri Paesi del mondo serrano le fila per meglio resistere alle pressioni di una globalizzazione che, oltre ai suoi pregi, mostra sempre più i suoi limiti".

Dopo l'inno di Mameli, quindi, annerito nell'opera Fratelli d'Italia, ancor più oscura arriva la notizia logoclasta di un paese che non si ritrova.
Per fugare ogni dubbio di una facile provocazione, tuttavia, l'artista 73enne precisa: "Io rappresento la situazione attuale, senza prendere necessariamente una posizione. Poi saranno le coscienze a decidere". E aggiunge ancora: "Non è stato facile per me accingermi all'impresa. Temevo, infatti, che essa venisse scambiata per una inutile provocazione. Mentre io, leggendo la nostra Costituzione, sono stato toccato soprattutto da due cose. Primo, dalla lingua, un italiano fluido e disadorno che non ha niente a che vedere con il burocratese al quale ormai siamo abituati. Secondo, dall'altezza dei princìpi ai quali i padri costituenti improntarono il loro testo".

Dalle pagine della carta costituzionale emergono qua e là poche parole, che danno un nuovo senso al tutto. "L'arte ha diritto di sciopero", si legge assemblando le sillabe risparmiate dalla mano cancellatrice.
L'ambiguità tra oblivione e rinascita è tutta serrata nel motto poeta, drammaturgo e artista visivo: "Cancellare non è negare, ma arare il campo della scrittura dove far nascere nuovi sogni e nuovi pensieri". Nuovi pensieri e nuovi sogni da cullare in un'Italia non più dormiente -come nella grande scultura che accompagna libri e tele- ma oramai desta per incontrare un destino migliore.
"Ne è venuta fuori un'opera di poesia -chiosa Isgrò-, frutto di uno struggimento civile e di una grande pietà per questo povero Paese che forse non merita il destino che gli è stato assegnato".

inaugurazione martedì 30 novembre | ore 17.30 | a cura di pier paolo pancotto | museo carlo bilotti all'aranciera di villa borghese | roma


Un omaggio della città di Roma ad una sua illustre ospite - siciliana di nascita ma romana d'adozione fin dal secondo dopoguerra - per riflettere sull'esemplarità e la coerenza di sessant'anni di lavoro di Carla Accardi (Trapani, 1924). Non soltanto una mostra antologica ma soprattutto una lettura inedita dei lavori meno noti dell'artista: l'installazione e il confronto con l'ambiente.

Questo è l'obiettivo della mostra "Carla Accardi. Spazio, ritmo e colore", a cura di Pier Paolo Pancotto, ospitata dal Museo Carlo Bilotti all'Aranciera di Villa Borghese di Roma dal 1 dicembre 2010 al 27 febbraio 2011, promossa da Roma Capitale, Assessorato alle Politiche Culturali e della Comunicazione - Sovraintendenza ai Beni Culturali in collaborazione con RAM radioartemobile e Studio Accardi. Organizzazione Zètema Progetto Cultura, catalogo edito da Gli Ori.

L'esposizione raccoglie una selezione di opere, molte delle quali provenienti dall'archivio personale dell'autrice ed in gran parte inedite, tra cui un nucleo di preziose carte, mostrate per la prima volta in pubblico ed una scelta di opere appartenenti a collezioni pubbliche e private, altrettanto rare e di difficile fruibilità. Lavori storici e recenti messi a confronto per far emergere la continuità e la coerenza che caratterizza la ricerca di Carla Accardi pur nella varietà linguistica e operativa che ne ha segnato lo sviluppo, dal 1947 (data della sua adesione al gruppo Forma, convenzionalmente presa come termine post quem avviare l'indagine) ad oggi.

Ma l'allestimento vuole soprattutto enfatizzare l'elemento ambientale che sarà sottolineato dalla presenza di un Pavimento in feltro creato per l'occasione e collocato al pian terreno del museo, da alcuni Lenzuoli e lavori luminosi e sonori mai presentati a Roma, da un gruppo di Ceramiche poste lungo la scala di accesso al piano superiore dell'Aranciera. Qui sarà esposta una selezione di lavori inediti su carta, diversi per date e tecnica, disposti secondo un andamento non tradizionale, volto a sottolineare temi ed elementi ricorrenti nel suo alfabeto pittorico ed in dialogo con la struttura architettonica che li ospita.

Come in un atelier d'artista, la disposizione delle opere tenderà ad invadere per intero gli spazi interni ed esterni del Museo Carlo Bilotti. Sarà una sorta di grande installazione, di immaginario "ambiente Accardi" , quello attraverso il quale il visitatore potrà individuare liberamente associazioni e punti di contatto tra gli elementi proposti. Un viaggio alla scoperta di aspetti meno conosciuti del percorso creativo dell'autrice, svelati in forma insolita e naturale, quasi si trattasse di una visita privata al suo studio.

La mostra sarà arricchita da alcuni laboratori didattici, indirizzati a studenti delle scuole medie inferiori e superiori, che analizzeranno in particolare le tecniche utilizzate da Carla Accardi per la realizzazione delle opere pittoriche. L'obiettivo sarà quello di fornire le informazioni base per dipingere su stoffa, ponendo l'attenzione sugli elementi del codice linguistico dell'artista: il segno, l'astrazione, la progettazione, il metodo pittorico. I laboratori saranno condotti dall'artista Laura Palmieri, che per diversi anni è stata assistente di Carla Accardi.

Il bene e il male sono visceralmente legati al nostro vissuto, ma l'esistenza non è chiaramente improntata da questa inflessibile bipartizione. Anzi, esistono una moltitudine di sfumature all'interno di essa. Ogni giorno, tutti noi siamo esposti continuamente a ponderate valutazioni soggettive di questo binomio (bene/male - giusto/sbagliato). E' utopia credere cosa è bene e cosa è male, giacché questa dicotomia è legata al relativismo.
E' un tema difficile da analizzare senza imbattersi nei rimandi religiosi o nei luoghi comuni, ma l'artista Marco Garofalo realizza una personale idea - attraverso un coraggioso scatto fotografico - del Bene e del Male.

Le fotografie richiamano le antiche tecniche tradizionali; le figure, ingabbiate in uno spazio magico e immobile, si accomunano in una frenetica e disperata ricerca della propria identità: l'annullamento del corpo per dare una chiara voce alla personalità.

L'artista evidenzia un'epoca in cui c'è un completo appiattimento del pensiero per dare piena libertà alla massificazione delle idee, dei comportamenti e degli individui. Anche il binomio uomo/donna, nei suoi scatti fotografici, non evoca quasi nessuna differenza.

Secondo l'artista le zone oscure esistono non solo intorno all'individuo, ma si annidano anche nella mente delle istituzioni, nel cuore delle religioni e, perfino, nella natura.

Il progetto artistico di Marco Garofalo ci pone davanti ad una serie di domande: il bene e il male hanno un valore oggettivo indipendente da quello soggettivo? Qual è il loro significato morale? Hanno un valore per la natura o solo per l'essere umano?

Infine, oggi la dicotomia bene/male è stata sostituita dal binomio conveniente/sconveniente?

Tina Simonelli

inaugurazione 27 novembre | ore 17.00 | a cura di lucia fiaschi con antonino caleca e liletta fornasari | galleria comunale di arte contemporanea | arezzo


Il Comune di Arezzo e l'Archivio Venturino Venturi in collaborazione con la Regione Toscana, la Provincia di Arezzo e il sostegno di Banca Etruria, presentano la mostra Visioni Parallele. Venturino Venturi e il Novecentopresso gli spazi espositivi della Galleria Comunale di Arte Contemporanea di Arezzo. La mostra, curata da Lucia Fiaschi con Antonio Caleca e Liletta Fornasari, ripercorre la vicenda artistica di Venturino Venturi (1918-2002) attraverso i molteplici rapporti che ebbe con artisti e uomini di cultura del proprio tempo. In mostra circa cento opere, in gran parte inedite, tra sculture, dipinti, disegni e fotografie di Venturino e alcuni dei maggiori artisti italiani del Novecento: Vinicio Berti, Antonio Bueno, Alberto Burri, Primo Conti, Roberto Crippa, Oscar Gallo, Enzo Faraoni, Lucio Fontana, Renzo Grazzini, Bruno Innocenti, Enzo Innocenti, Silvio Loffredo, Mino Maccari, Alberto Magnelli, Marino Marini, Quinto Martini, Fernando Melani, Francesco Messina, Henry Moore, Bruno Munari, Gualtiero Nativi, Mario Nigro, Ottone Rosai, Sergio Scatizzi e Lorenzo Viani. Le opere, esposte a confronto e in relazione tra di loro, provengono sia da istituzioni pubbliche (GAM di Firenze, GAMC di Viareggio, Casa Fernando Melani di Pistoia, Collezione permanente di Palazzo Fabroni di Pistoia, Museo Venturino Venturi e Archivio Venturino Venturi) che da alcune prestigiose collezioni private. In mostra capolavori di Venturino come le sculture Minatore e Ventre del 1949 e alcuni ritratti, tra cui quello di Fiamma Vigo del 1954; di Lucio Fontana un Concetto spaziale del 1967, di Ottone Rosai l'autoritratto del 1933, di Henry Moore un Modello per forma animale in bronzo del 1969 - 1971 e molti altri ancora.
Completa l'esposizione un film-documentario che ripercorre la vita di Venturino Venturi, interpretato da Massimo Tarducci, alla regia con Manuela Critelli, prodotto dall'Associazione La Terza Prattica.
Per l'Assessore alla Cultura del Comune di Arezzo, Camillo Brezzi: "la mostra odierna con L'Archivio Venturino Venturi è la tappa di un progetto più ampio sul Novecento che intende valorizzare e riscoprire gli artisti e i movimenti toscani dal 1945 ad oggi".
Nato nel 1918 a Loro Ciuffenna (Ar), dove alla fine degli anni Settanta tornerà a vivere, Venturino Venturi seppe coniugare nel proprio lavoro l'attaccamento consapevole alle proprie origini con le aperture e le anticipazioni dei maggiori movimenti della metà del secolo scorso, superando ogni divisione tra astrattismo e figurazione. Nel 1921, il padre Attilio, scalpellino di professione, è costretto a lasciare l'Italia per le sue opinioni politiche riparando in Francia e poi in Lussemburgo con la famiglia. Anni difficili di estrema povertà. Finiti gli studi, Venturino decide di tornare in Toscana, affascinato dai racconti del padre, per vivere nei luoghi che avevano visto nascere e operare i grandi artisti del passato: Donatello, Masaccio, Michelangelo, tutti "nati a pochi passi da casa mia", com'era solito dire. A Firenze, alla fine degli anni Trenta, Venturino studia presso l'Istituto d'Arte di Porta Romana, allora diretto da Libero Andreotti, e poi all'Accademia delle Belle Arti. E' il tempo in cui Venturino si avvicina al Caffè delle Giubbe Rosse dove conosce e stringe amicizia con Piero Bigongiari, Romano Bilenchi, Mario Luzi, Alessandro Parronchi, Vasco Pratolini, Ottone Rosai e molti altri. Di Ottone Rosai, amava la passione inesauribile per la pittura, pur criticando aspramente la deriva dei suoi tanti epigoni. Volle ritrarlo, e questa sarà una sua costante: ritrarre coloro ai quali si sentiva vicino. Era il 1938 e nell'opera esposta in mostra, accanto ad un bellissimo autoritratto dello stesso Rosai del 1933, Venturino seppe liberare l'effige tormentata dell'amico dalle inquietudini che lo agitavano. Il 1945 fu per Venturino un anno di svolta: era stato in guerra ed era tornato gravemente ferito. Questa esperienza aveva in parte placato la sua esaltazione per l'arte e lo aveva avvicinato all'Umanità, da ora in poi al centro di ogni suo pensiero di uomo e di artista. E' di quell'anno la sua prima personale alla Galleria La Porta che inaugura con i suoi lavori. Si riconosce nel gruppo Arte d'Oggi che, sotto la guida di Vinicio Berti e Gualtiero Nativi, inizia a muoversi verso sperimentazioni geometrizzanti sempre più vicine a soluzioni astratte. Venturino partecipa ai dibattiti fiorentini, ma dai suoi scritti traspare un'insofferenza per la cultura fiorentina, della quale avverte certe chiusure di matrice ideologica e la finitezza dei troppi proclami e manifesti.
Nel 1947 si trasferisce a Milano, affascinato dai fermenti di quella che allora era la capitale della cultura italiana, dove frequenta gli artisti della compagine di Lucio Fontana. Invitato ad aderire al Manifesto non volle schierarsi, pur mantenendo negli anni a venire molta attenzione ai temi dello spazialismo. Venturino elabora un proprio naturalismo astratto. Sono stati sufficienti due anni a Milano per mutarlo profondamente : le spirali di Crippa, gli spazi di Fontana divengono da ora in poi la sua grammatica.
A Firenze, nel frattempo, aveva aperto, per impulso di Giovanni Michelucci, la Galleria Vigna Nuova. Le prime mostre, con Cagli, De Pisis e Manzù, ebbero l'intento di avvicinare un pubblico quanto più vasto possibile, per suscitare l'attenzione per un'arte programmaticamente globale. Venturino pienamente in sintonia con il programma della galleria, nel 1951, espone una serie di disegni, sculture e ceramiche. Questo è anche il periodo delle Maternità dei primi anni '50, anch'esse in mostra, "forme sintetiche, pure, lontane da qualsivoglia deriva sentimentale". È anche il Venturino che oscilla tra opere di rigore geometrico come Minatore o Elan dans l'Espace - con quest'ultima partecipa alla Biennale di Venezia del 1950 - e opere come il Ventre di bronzo del 1949, anticipatore di più tarde soluzioni all'Alberto Viani.
Nel 1951, Fiamma Vigo da vita alla straordinaria avventura della Galleria Numero con una personale di Capogrossi. La Vigo chiama Venturino nel 1952. Alla Numero, Venturino trova quel fermento internazionale e quella libertà di dibattito a cui aveva aspirato per molti anni. Stringe con la Vigo un intenso patto di amicizia, sigillato dal bellissimo ritratto, in mostra, del 1954. Sempre nello stesso anno, espone alla Numero, con la mostra Costruzioni in bianco e nero - monotipi. Nel 1953, Venturino presenta per la Fondazione Nazionale Carlo Collodi, con gli amici architetti Renato Baldi e Leonello De Luigi, un progetto per una piazza circondata da un muro sagomato rivestito con 900 mq di superficie musiva. Al centro doveva ergersi un Pinocchio gnomone, l'ombra del cui braccio alzato, proiettandosi sulla parete istoriata, avrebbe indicato lo svolgersi della vicenda narrata. Vinsero, ma Venturino non poté eseguire la scultura di Pinocchio. Il premio fu viziato da un ex aequo con lo scultore Emilio Greco: a quest'ultimo la scultura, a loro la piazza. Venturino portò a compimento il progetto ma poi crollò sotto il peso della delusione e della fatica.
Seguono lunghi anni di malattia da cui scaturiscono le straordinarie carte a matita, tempera e cera del 1958 e i ritratti degli amici più cari che Venturino dipinge su grandi fogli, curvo sul pavimento dell'Ospedale di San Salvi dove era ricoverato. La piena maturità artistica di Venturino si incontra con la Galleria Quadrante, diretta da Matilde Giorgini, piccolo gioiello nella vita culturale di Firenze. Venturino vi espone nel 1963, presentato da Mario Luzi. Dagli anni Settanta, inizia quel suo vivere appartato, prima a Firenze e in seguito a Loro Ciuffenna, dove era nato, ma che prima di tutto era stata la terra dei suoi genitori, origine di quel suo essere antico e contemporaneo allo stesso tempo. Il catalogo della mostra è di Polistampa editore.

26-28 novembre 2010 | museo nazionale della scienza e della tecnologia leonardo da vinci | milano


Per la sua seconda edizione StEP09 approda in una nuova e prestigiosa sede nel cuore pulsante di Milano: il Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia Leonardo da Vinci, una location suggestiva e naturalmente votata al ruolo di contenitore culturale.
Qui infatti dal 26 al 28 novembre il pubblico incontrerà le proposte di circa 40 gallerie d'arte, fra italiane ed estere, invitate e selezionate fra le più giovani del panorama italiano ed internazionale.

Installazioni, progetti (soloproject), live act e la sezione KINETICSTEP saranno appositamente prodotti dalle gallerie per StEP09, che punta a superare la logica dell'evento unicamente espositivo con l'ideazione di spazi e sezioni, dove il coinvolgimento e lo slancio creativo delle gallerie sarà totale.
laria Centola e Francesco Gattuso insieme a Ivan Ferrari e Paolo Brazzoli confermano la vocazione "internazionale" di StEP09 The New Art Fair, che passa attraverso speciali "Projects" frutto d'intesa tra gallerie in arrivo da Stati Uniti, Australia, Portogallo, Spagna, Svezia. Fra queste: Gallery Heidrun Quinque - Wessels (Berlino), Wolfram Woelcker Fein Art (Berlino), NRoom (Tokyo), Art Hobler (Lisbona), Svenska Konst Galleriet (Malmo), BlackArtProjects (Melbourne) e re-C Art Space (Chengdu).
Tutte le gallerie presenteranno "Solo Show" o progetti speciali. Come la galleria Art Hobler di Lisbona che punta su Jakub Nepras, interessante video artista della nuova generazione che coniuga magistralmente creatività e glamour. La galleria BlackArtProjects, da Melbourne, produrrà per StEP09 i nuovi lavori del talentuoso Anthony Lister. Non sono da meno le gallerie italiane:la galleria PACK Milano con un progetto di Marco Neri,la galleria MAGROROCCA in collaborazione con la Y Gallery di New York presenta infatti in "preview" per l'Italia alcuni lavori di Tamara Kostianovsky che faranno parte della prima importante mostra personale dell'artista che si terrà nella sede di MAGROROCCA (Milano) a marzo 2011. Tamara Kostianovsky, lo ricordiamo, ha ricevuto per il 2010 il Guggenheim Fellowship. Attualissima la scelta di ART1307 di presentare The New "White Age", installazione corale di Steve Burtch, Joe Davidson e Todd Williamson; i tre artisti di Los Angeles lavoreranno anche per la durata di StEP al loro tema espositivo - il Bianco - visto anche come fonte di energia alternativa a quella finora adoperata, il petrolio, nero ed inquinante. Todd Williamson sempre quest'anno ha ottenuto invece il Grant dalla prestigiosa Kressner-Pollock Foundation.
La seconda edizione di StEP09 accoglierà l'arte in tutte le sue espressioni, non poteva mancare quindi un importante progetto di BioArte di Brandon Ballengée per NOWHERE Gallery. Ballengée esplora i confini tra arte, scienza e tecnologia, l'artista crea un serie di lavori partendo da informazioni raccolte direttamente sul campo e successivamente analizzate in laboratorio. Il suo censimento (iniziato nel 1996) delle malformazioni e del lento e globale declino degli anfibi è un urlo di denuncia che non può e non deve lasciarci impassibili.

La vocazione di StEP09 a porsi come "new format" di Art Fair, viene confermata anche in questa seconda edizione dal calendario delle performance dal vivo. Per i Live Act sabato 27 novembre la sempre più dinamica mc2 gallery propone per la prima volta a Milano "ConcertAzione.3" un momento di musica live e video arte: Alessia De Montis propone un complesso percorso multimediale in cui s'interfacciano video, fotografia ed installazione in continuo scambio di valori, magistralmente commentati dal vivo con le musiche di Daniele Furlati, vincitore quest'anno del premio Ennio Morricone e coautore delle musiche del pluripremiato" L'uomo che verrà" (a maggio David di Donatello come Miglior Film)" di Giorgio Diritti. Saranno due le repliche del Live Act, una per il pubblico e una riservata ai collezionisti.
Per la prima volta in Italia in collaborazione con B &W Films ltd (Londra ) StEP09 presenta Family Tree un progetto espositivo dall' artista israeliano Tal Rosner (www.talrosner.com ). Tal Rosner tra gli altri innumerevoli impegni artistici è stato invitato a progettare per gennaio 2011 il Video Murale per la nuova sede della New World Symphony Orchestra in Miami progettata dal geniale architetto Frank Gehry in collaborazione con Casey Reas/Miami Beach/USA.
Tra gli importanti progetti internazionali presenti a StEP09 si aggiunge anche Unbearable lightness (Insostenibile leggerezza), opera dell'artista slovacco Tomás Gabzdil Libertiny, presentata durante il Design Miami/Basel 2010 dalla Carpenters Workshop Gallery di Londra. Di forte impatto visivo, l'installazione consiste in un Cristo martire - dalla pelle a nido d'ape - contenuto in una teca di vetro, nella quale viene liberato uno sciame di 40.000 api che costruiranno il loro alveare sulla figura. Gli insetti, occupati nel loro ripetitivo comportamento naturale, ad uso e consumo di un'ape regina 'manipolatrice', a loro insaputa creeranno l'effigie religiosa più conosciuta al mondo, per un'allegoria che vuole portare lo spettatore a riflettere sui concetti di manipolazione e controllo, di eroe tragico e destino accettato.
Per gli appassionati di Arte Cinetica la sezione KINETICSTEP, a cura di Alessio Giromella con Claudia Bernareggi, che vedrà insieme alle opere di Fausto Falchi e otolab, quelle degli imperdibili Balint Bolygo, vero ed innovativo erede della più storicizzata arte cinetica degli anni che furono, e Davide Angheleddu unico artista italiano presente all'ultima edizione di Kinetica Art Fair tenutasi a febbraio 2010 a Londra.

Infine, importanti novità dell'edizione 2010 sono i gemellaggi di StEP09 con due fiere internazionali fra le più vivaci: BERLINER LISTE e GREEN Art Fair Pechino, che saranno presenti a novembre all'interno di StEP09 con una loro selezione rappresentativa di gallerie ed artisti e con i rispettivi direttori: Wolfram Volcker direttore di Berliner Liste e Apple-Keng direttrice di GREEN Art Fair. Entrambe poi, nella loro edizione 2011, ricambieranno l'ospitalità invitando StEP09 a presentare alcune fra le più interessanti gallerie e produzioni artistiche contemporanee nostrane. Questo inedito, innovativo ed importante doppio gemellaggio trova la sua ragion d'essere dal fatto che le tre manifestazioni sono legate dal comune intento di dare nuova linfa al rapporto tra il pubblico, il collezionismo ed il mercato dell'arte.

GREEN art fair® è un evento realizzato da CAE Media Pechino. Nata nel 2009 la prima edizione si è tenuta presso la China World Trade Center Exhibition Hall, dove migliaia di visitatori hanno avuto modo di apprezzare e rapportarsi con più di mille opere realizzate da trecento artisti emergenti. GREEN ha nel suo giovane dna di art fair, una forte impronta e vocazione al format innovativo.

BERLINER LISTE® è una delle manifestazioni d'arte contemporanea più importanti nel panorama internazionale. La sua settima edizione avrà luogo dal 7 al 10 ottobre 2010 nella capitale tedesca, permettendo agli oltre 12000 visitatori previsti tra collezionisti, curatori e amanti d'arte contemporanea di visitare più di 100 gallerie ricche di un repertorio che spazia tra la pittura, la scultura, il disegno, la fotografia e installazioni fino alla video art e la performance contestuale.

PROGRAMMA EVENTI

VENERDì 26 NOVEMBRE
Ore 18,30
Hall 1
"Settimo Grado" di D/TAO
Il lungo e affascinante viaggio di D-Tao nella scultura astratta si arricchisce di una nuova tappa. In «Settimo Grado», la rappresentazione è ancora una volta dominata dall'alluminio industriale, materia specchiante evocatrice di purezza e al contempo di energia e gravità. L'installazione è una meditazione visiva e percettiva incentrata sulla verticalità dove lo spazio appare frammentato in un contrasto tridimensionale tra pieni e vuoti. La verticalità, che nel lavoro di D-Tao è concettualmente ispirata a una simbolica ascensionalità spirituale.

Ore 20,30
Sala Biancamano
Galleria San Lorenzo presenta POPAGE
POPAGE si svilupperà su due interventi: un progetto musicale visibile solamente la sera dell'inaugurazione, ideato da Andy (Bluvertigo) ed il chitarrista Fabio Mittino, che mira a catalizzare l'attenzione sul connubio arte-musica. Il secondo, costituito da una rassegna di opere create dal laboratorio creativo FLU-ON (ideato e diretto sempre da Andy) dove verrà posto l'accento su il collegamento fra PopArt e Neo-Pop in esposizione presso lo stand della Galleria San Lorenzo

SABATO 27 NOVEMBRE
Ore 16,00
Hall 1
"Turpiacque" di Laboratorio Alchemico
Nasce da una riflessione sui disastri ambientali degli ultimi 20 anni, ed in particolar modo quelli causati dalle fuoriuscite di greggio nei fiumi e nei mari, il lavoro "Turpiacque" dell'associazione culturale Laboratorio Alchemico. Mimando la tensione dell'animale che cerca di liberarsi dal petrolio in un'acqua che da simbolo purificatore, diventa un luogo di pericolo per le specie animali ad essa legate, si rappresentano anche le inquietudini umane, l'afflizione e il desiderio di evasione da situazioni percepite come insormontabili, in un parallelismo tra uomo e animale. Gli abiti sono creati dalle giovani fashion designer Emila Sirakova e Mahbob Zahvar dell'Accademia di Brera con scarti e avanzi di tessuti, con accessori e inserti delle designer Elena Salmistraro e Barbara Matilde Aloisio.

Ore 17,00
Sala Biancamano
Il Dott. Ugo Pastorino presenta "Arte e Medicina".
Partecipano il fotografo Enzo Cei, il gallerista Giovanni Bonelli, l'artista Nicola Vinci ed altri ospiti.
L'arte in corsia: i quadri in reparto sono una buona pratica, diffusa all'estero, sulla quale scommette Ugo Pastorino, oncologo dell'Istituto Tumori di Milano per alleviare la tensione dei malati nei luoghi di cura troppo spesso anonimi e grigi. Se, accanto alle cure giuste, in corsia entrano anche i colori e l'arte, gli ospedali diventano più umani e restituiscono un po' di serenità a chi ci entra. Se ne discuterà con ospiti come: Enzo Cei - autodidatta, dagli anni Settanta fotografa e stampa in bianco nero occupandosi di fotografia narrativa e scegliendo l'ordinario come "evento" dentro storie radicate nel territorio cui appartiene -; Giovanni Bonelli - titolare della Bonelli Arte Contemporanea di Mantova.. importante punto di riferimento per artisti come Paul Beel, Michelangelo Galliani -; Nicola Vinci - il suo percorso artistico grazie a una notevole abilità lo ha portato a esporre in varie località italiane, tra le altre Mantova, Milano, Roma e Verona. Ha da poco vinto il Premio Celeste per la sezione Pittura Mediale.

Ore 19,30 su invito mc2gallery
Ore 20,30 ingresso aperto ai visitatori di StEP09
Sala Biancamano
mc2gallery presenta "ConcertAzione 3" di Alessia De Montis e Daniele Furlati
"ConcertAzione 3" è la particolare performance artistica in cui "CroceMobile" - nuovo capitolo del progetto di Alessia De Montis sull'UOMO dal titolo "Combattere Ridere Pregare" - cattura il pubblico con la sua sequenza di cinque video ("Ingredienti": Pesce, Sale, Burro, Zucchero, Cuore) che uno dopo l'altro vanno strutturando un crocifisso, la cui scomparsa lascerà posto all'immagine di un cuore pulsante. La performance nella sua versione live è accompagnata dalle note di Daniele Furlati (allievo di Morricone, autore e compositore delle colonne sonore dei pluripremiati "Il vento fa il suo giro e "L'uomo che verrà").

DOMENICA 28 NOVEMBRE
Ore 15,00
Sala Biancamano
CPM Music Institute di Franco Mussida presenta "SOGNI DI LUCIDA MENTE - Allusioni e rivelazioni di un io follemente sano" .
Testi di NUMA ECHOS. Musiche di Emiliano Distaso

Ore 16,00

Scalinata Hall 1
Skin Gallery presenta "Ninna Nanna" di Massimo Festi

Ore 18,00
Galleria Sangiorgi presenta "SUPERTESTE" di Nicola Di Caprio
SUPERTESTE è un progetto musicale "aperto" ideato dall'artista Nicola Di Caprio nel 2005.
Il concetto di questa iniziativa è di proporre e la propria musica solo ed esclusivamente in ambito dell'arte contemporanea a completare il percorso creativo di Nicola Di Caprio (batterista e percussionista) che attinge alla musica e alla cultura popolare come ispirazione delle sue opere o installazioni.
Nella performance SUPERTESTE di StEP09 è prevista la partecipazione di Paolo Romano contrabbasso preparato e Sergio Montemagno tromba ed effetti con una azione della durata di 30 minuti.

DA VENERDI' 26 A DOMENICA 28 NOVEMBRE
1H ARTE presenta "Do not try this at home".
Una performance lunga tre giorni con protagonisti il Museo della Scienza e della Tecnologia Leonardo da Vinci ed i visitatori della seconda edizione di StEP09

INCONTRI GUIDATI
Nei tre giorni della manifestazione sarà esposto il calendario degli incontri con gli artisti presenti a StEP09, i quali incontreranno il pubblico negli spazi espositivi delle gallerie, spiegando ai visitatori l'essenza dei loro lavori: un'occasione irripetibile per conoscere da vicino le opere e gli artisti.

fino al 27 febbraio 2011 | villa e collezione panza | varese


"Gli oggetti abbandonati mi fanno simpatia e così cerco di salvarne il più possibile." Robert Rauschenberg

Il FAI - Fondo Ambiente Italiano, in collaborazione con la Fondazione Solomon R. Guggenheim di New York, la Collezione Peggy Guggenheim di Venezia, l'Estate of Robert Rauschenberg di New York e Banca BSI, rende omaggio a una delle più grandi forze creative dell'arte americana dagli anni '50 con la mostra Robert Rauschenberg. Gluts nella prestigiosa sede di Villa e Collezione Panza a Varese dal 14 ottobre 2010 al 27 febbraio 2011.

L'esposizione, a cura di Susan Davidson, Senior Curator, Collections & Exhibitions, Museo Solomon R. Guggenheim, e David White, Curator, Estate of Robert Rauschenberg, proporrà una selezione di trentotto opere provenienti da istituzioni e collezioni private internazionali che verranno esposte nelle Scuderie e nelle sale della Villa.
Dopo un tour internazionale che ha coinvolto importanti sedi quali il Guggenheim di Venezia, il Museo Tinguely di Basilea e il Guggenheim di Bilbao, l'esposizione di Varese sarà arricchita da un nuovo nucleo di otto opere.

L'iter della mostra non poteva concludersi che a Villa Panza: il grande collezionista e mecenate Giuseppe Panza, recentemente scomparso, è stato, infatti, il primo in Italia a collezionare le opere di Robert Rauschenberg, iniziando ad acquistare i celebri Combines nell'estate del 1959 da Lawrence Rubin, Leo Castelli, Ileana Sonnabend e Martha Jackson. Quando Rauschenberg partecipò alla Biennale di Venezia nel 1964 vinse il Gran Premio per la Pittura con un'opera della collezione Panza: la celebre scultura Gift for Apollo, 1958.
"Alla fine degli anni '50 ho acquistato Rauschenberg che considero un trait d'union tra l'Espressionismo Astratto e la Pop Art, perché utilizza immagini della vita reale per creare un rapporto con il passato come memoria. Quando i Rauschenberg arrivarono a casa vi erano pochissime persone interessate. Sentivo un grande interesse per lui perché vedevo nei dettagli una relazione ad avvenimenti del passato. E' una sollecitazione della memoria."
Giuseppe Panza, 1987

Rauschenberg è sempre riuscito a scoprire nuovi modi di impiegare materiali recuperati donando loro una seconda vita che li rinvigorisce. E così, davanti agli oggetti più disparati, ammucchiati nel suo studio, impiega il medesimo approccio diretto per affrontare i Gluts (1986 - 89 e 1991 - 95) assemblaggi di oggetti di recupero, la maggior parte in metallo, che rappresentano la sua ultima serie di sculture. Per circa un decennio, Rauschenberg si reca nella Gulf Iron e Metal Junkyard, discarica a Fort Myers, Florida, vicino alla sua casa-studio, raccogliendo ferraglie come segnali stradali, tubi di scappamento, radiatori, saracinesche e molto altro ancora, che pian piano trasforma in questi montaggi poetici e spiritosi, il cui risultato finale ha un effetto ben diverso dalla somma delle singole parti.
Susan Davidson, Senior Curator for Collections & Exhibitions del Museo Guggenheim di New York, a proposito dei Gluts, spiega che negli anni '80 Rauschenberg comincia a concentrare il proprio interesse artistico sull'esplorazione delle proprietà visive del metallo. Assemblando vari oggetti o serigrafando immagini fotografiche su alluminio, bronzo, ottone, rame, l'artista cerca di catturare le proprietà riflettenti, materiche e scultoree del materiale.

Il primo corpus di opere realizzato con questo nuovo tipo di tecnica sono i Gluts. L'ispirazione nasce da una visita a Houston in occasione della sua mostra Robert Rauschenberg, Work from Four Series: A Sesquicentennial Exhibition, realizzata presso il Contemporary Arts Museum. Proprio a metà degli anni '80 l'economia del Texas si ritrova nel mezzo di una recessione dovuta alla saturazione del mercato petrolifero. Rauschenberg prende nota della devastazione economica della regione raccogliendo insegne di distributori di benzina, pezzi di automobili abbandonate e altri rifiuti industriali dannosi per l'ambiente. Al suo ritorno in Florida, Rauschenberg trasforma i detriti raccolti in altorilievi e sculture che ricordano i suoi primi Combines. A chi gli chiese allora di commentare il significato dei Gluts, Rauschenberg rispose: "E' il momento dell'eccesso, l'avidità è rampante. Tento solo di mostrarlo, cercando di svegliare la gente. Voglio semplicemente rappresentare le persone con le loro rovine [.] Penso ai Gluts come a souvenir privi di nostalgia. Ciò che devono realmente fare è offrire alle persone l'esperienza di guardare le cose in relazione alle loro molteplici possibilità". Rauschenberg sceglie questi oggetti non solo per il loro valore quotidiano ma anche per le loro proprietà formali. Individualmente o nel loro insieme, materiali come questi sono alla base del suo vocabolario artistico, la sua empatia per gli oggetti di scarto è quasi viscerale.

inaugurazione giovedi 18 novembre | ore 15-19 | galleria dep art | milano


La Galleria Dep Art presenta per la prima volta a Milano una selezione di Monotipi di Emilio Vedova, realizzati nel 2006, anno della scomparsa del Maestro.

È nella pratica del monotipo che prendono corpo gli ultimi lavori di Vedova. Alle spalle i primi esperimenti condotti alla fine degli anni Ottanta con i grandi monotipi che vedono la luce sotto il sole californiano di Santa Barbara e, l'anno successivo, sulla West Coast newyorkese nell'atelier di Garner Tullis. Più avanti, nei primi anni Novanta, Vedova è invece invitato a Spruce-Pine nel North Carolina: nei Rarvey Littleton's Studios sperimenta l'incisione su vetro giungendo a siglare un proprio modus operandi e a realizzare le sue vetrografie. Queste esperienze e le molte altre che si potrebbero richiamare e la dedizione al monotipo sono saldate in un rapporto di continuità ma, ancor più precisamente, di consonanza. È proprio la natura intima e unica del monotipo, la sua intrinseca complessità pronta ad accogliere infinite variazioni, a configurarlo oltre la prassi tecnica quale medium concreto. Viatico privilegiato del farsi del pensiero di Vedova, un farsi che si attua in quello che lui stesso definisce Spazio Opposto.
Il monotipo, unica impronta di nome e di fatto, ha fisionomia episodica, di evento, al pari della natura e della pittura. È il frutto maturo di una migrazione intuita voluta perseguita su carta di un fluido momento pittorico denso di olio, tempera o inchiostro. Tra l'orizzonte della superficie non assorbente, sia questa vetro, metallo o plexiglass, e il lido cartaceo: il gesto. Ora segno adesso pressione ma comunque fatto lontano da qualsiasi mediazione. A essere consegnato allo sguardo attraverso la calibrata pressione manuale è dunque l'opposto, su carta. A nulla o quasi è concesso albergo sulla superficie prima della composizione, che è quindi supporto, spazio praticabile ma effimero. Il monotipo respira la propria unicità, il suo farsi oggetto tra le mani quale evento altro. Non contro, ma inverso e contrario. Spazio opposto a quello della pittura, allora, sebbene questa ne sia genesi irrinunciabile ma irrisolta fino alla migrazione, al compiersi sull'altro lido. Luogo interstiziale, per definizione, agito nella propria ambigua fisicità, sonda privilegiata di quella possibilità, in primis semantica, che è carne stessa della pittura, è allora varco, segno liberato dalla servitù dell'essere traccia. La permutazione su carta è teatro di un nuovo evento: tellurico sì ma ancor più sacro. Oltre il tempo dell'ordine - qui Vedova e la pittura - il tempo dell'apertura, del rito e della festa: dell'alterità che si compie nell'alchimia di un gesto antico.

dal 20 novembre 2010 | palazzo leone da perego | legnano


L'esposizione presenterà 65 sculture, 26 disegni, 19 dipinti inediti e fotografie originali dell'epoca - per un totale di 120 opere di cui oltre la metà inedite per l'Italia - che ripercorrono il periodo di formazione di Rodin, fondamentale per l'evoluzione della sua attività dai primi anni Sessanta dell'Ottocento, fino alla progettazione della grandiosa Porta dell'Inferno realizzata nel 1884.

La mostra proporrà capolavori assoluti dello scultore che rivoluzionò la plastica contemporanea, come il Giovanni Battista, il Pensatore, il Bacio, le Grandi Ombre e altri ancora, in un viaggio che congiunge le prime esperienze, maturate all'interno della bottega di Carrier-Belleuse, fino alla piena affermazione di una poetica personale e dirompente.
Potranno essere ammirati, inoltre, 24 gessi, ossia le forme originali da cui si è realizzata la fusione: un prestito di entità e qualità eccezionali, mai concesso fino ad ora, tanto per la fragilità quanto per l'importanza che tali opere - tra cui il Giovanni Battista e il Pensatore - rivestono nell'allestimento del Museo parigino.

Per la prima volta in Italia saranno esposti i 19 dipinti, per lo più vedute della foresta di Soignes (Belgio), e alcuni lavori accademici e copie dei grandi maestri del passato, conservati negli archivi del Musée Rodin. In anteprima viene anche presentato un ritrovamento recente, la Jardinière, ossia un vaso decorativo collocato sul celebre Vaso dei Titani, in verità un piedistallo. L'opera, così nel suo formato originale, è stata ricomposta pochi mesi fa a Parigi dopo il ritrovamento di François Blanchetière e per l'occasione legnanese verrà nuovamente assemblata.

La mostra, frutto di un'importante partnership tra la Città di Legnano e il Musée Rodin di Parigi, curata da Aline Magnien, conservatore-capo del patrimonio e direttore del servizio delle collezioni del Musée Rodin di Parigi, e da Flavio Arensi, direttore di SALe - Spazi d'Arte Legnano, con la collaborazione di François Blanchetière e Hélène Marraud, è nata da un progetto dei due curatori insieme allo scultore Ettore Greco e Claudio Martino.

Un'audioguida gratuita, realizzata da Storyville, con la voce dei curatori, accompagneranno i visitatori all'interno del percorso; saranno predisposte, in collaborazione con Opera d'Arte, visite guidate per i gruppi organizzati e attività didattiche per le scuole cui sarà dedicato uno speciale spazio laboratorio.

Il catalogo edito da Umberto Allemandi & C. , disponibile anche in formato digitale, conterrà i testi dei curatori e di Catherine Lampert, Barbara Musetti, June Hargrove, François Blanchetière, Véronique Mattiussi.

Per tutto il periodo di apertura, nel centro di Legnano saranno esposte alcune opere scultoree in omaggio a Rodin, fra cui la Porta d'Oriente di Mimmo Paladino e L'uomo eroico di Ettore Greco, che si aggiungono alle recenti installazioni di opere monumentali di Aligi Sassu e Ugo Riva già allestite negli scorsi anni.
Nel salone delle mostre della Banca di Legnano (largo Franco Tosi 9), dal 20 novembre 2010 al 20 marzo 2011, verrà presentato il ciclo fotografico che Bruno Cattani elaborò per conto del Musée Rodin nel triennio 1999-2001 ritraendo i capolavori di Camille Claudel e Auguste Rodin. La mostra, che consta di una quarantina di scatti in bianco e nero, mette in relazione la vicenda artistica dei due scultori e amanti. Camille entra ventenne nell'atelier di Rodin nel 1884; l'esposizione alla Banca di Legnano dunque comincia dove termina la grande monografica dedicata al maestro francese e mette in luce lo sviluppo della sua opera e quella della sua geniale allieva.
Al bookshop di Palazzo Leone da Perego, sarà in vendita una tiratura d'artista di Bruno Cattani, "Omaggio a Auguste Rodin".

inaugurazione venerdì 19 novembre | ore 18.30 | a cura di arabella natalini | ex3 | firenze


EX3, Centro per l'arte contemporanea di Firenze inaugura venerdì 19 novembre 2010 Onomatopoeia part I, prima mostra di Charles Avery in uno spazio pubblico italiano, realizzata in collaborazione con Frac Île de France/Le Plateau di Parigi e Kunstverein di Hannover.

Artista scozzese, nato nel 1973, Charles Avery vive e lavora a Londra. Dal 2004 si dedica ad un unico progetto: The Islanders.

Attraverso testi, disegni, installazioni e sculture, The Islanders descrive la vita su un'isola immaginaria, dotata di una sua geografia, una sua flora, una sua fauna. Un esploratore conduce lo spettatore alla scoperta dei segreti dell'isola, dei suoi abitanti e delle leggi particolari che la governano.

Quello creato da Avery è un mondo complesso, strutturato secondo regole precise, in cui ogni cosa ha un suo nome e una sua funzione. Onomatopoeia è la città al centro dell'isola immaginaria, i Noumenons sono animali che nessun cacciatore ha mai potuto catturare, l'arcipelago dell'Assioma di Wittgenstein è circondato dall'Oceano Analitico....

L'immaginazione straripante di Avery, la sua sorprendente inventiva, non sembrano conoscere limiti. La creazione e la descrizione minuziosa di un'infinità di personaggi, di divinità, di scene e di fenomeni tendono a confondere lo spettatore, sia per il loro grado di finzione, sia per la loro perfetta singolarità. Quella dell'artista è una grande impresa fittizia che, per alcuni aspetti caratteristici, ricorda quelle di illustri predecessori come William Faulkner, Luis Borges o, nel campo dell'arte, Marcel Broodthaers.

In mostra, oltre a numerosi lavori su carta, sculture e videoinstallazioni, saranno presentati una selezione di libri e film da cui l'artista ha tratto ispirazione e un disegno, The port of Onomatopoeia, di oltre cinque metri di larghezza.

Il grande disegno costituisce il cuore della mostra: "Utility", una delle numerose navi che accompagnano turisti e avventurieri sull'isola, ha appena attraccato. Il molo è un via vai di nativi, venditori, turisti con indosso la popolare maglietta con la scritta "I counted the gods and they are infinite", strani animali e mille altri personaggi ambigui. Le due porte di ingresso, "dovere" e "identità", forniscono una prima indicazione della principale attrazione della città: l'eterna dialettica.

Al disegno The port of Onomatopoeia è dedicata la pubblicazione prodotta dal Centro EX3, in collaborazione con Frac Le Plateau e Kunstverein di Hannover, edita da Koenig Books (London).

inaugurazione sabato 20 novembre | ore 17.00 | museo della commenda di san giovanni di prè | genova


Il prossimo sabato 20 novembre, presso il Museo della Commenda di San Giovanni di Prè, la suggestiva struttura Museale appartenente al MuMa di Genova, verrà inaugurata la mostra personale dell'artista argentino Ernesto Morales genova - buenos aires. Le città dei ritorni; l'evento, inserito nel programma per le celebrazioni del Bicentenario della Repubblica Argentina, nasce dalla volontà di rileggere secondo i codici propri dei linguaggi dell'arte contemporanea i collegamenti storici e culturali tra Italia e Argentina a partire dai fenomeni di migrazione degli ultimi due secoli.

Dopo il grande successo della mostra Ciudad de Memorias inaugurata lo scorso anno a Buenos Aires presso il Museo Municipal de Bellas Artes Benito Quinquela Martin, Ernesto Morales presenta a Genova una serie inedita di trenta dipinti ispirati ai temi della memoria e dell'identità, da sempre oggetto della sua ricerca artistica; Genova quindi, come primo porto italiano dell'emigrazione, si è rivelata lo scenario più adatto ad accogliere il progetto "Le città dei ritorni"; la scelta dello straordinario Complesso Monumentale della Commenda di San Giovanni di Pré come sede espositiva della mostra è stata motivata dal profondo legame fra la Commenda, antico ospitale dell'Ordine di Malta dedito all'accoglienza dei pellegrini, e le opere di Morales che ci proiettano in una dimensione idealmente collegata al porto di Buenos Aires e alla inesorabile storia di partenze e ritorni che segna il percorso del genere umano. A partire dalla riflessione sui profondi legami che uniscono la nostra storia più recente di migrazioni ai i Paesi del Sudamerica, il ciclo di opere in mostra affronta infatti tematiche legate al ricordo, alla distanza, all'identità e all'esilio, utilizzando la pittura come medium preordinato alla rilettura dell'esperienza estetica contemplativa del mutamento.

Già nelle precedenti serie realizzate negli scorsi anni da Ernesto Morales è evidente l'interesse ad approfondire quelle tracce della memoria che si perdono nel mistero di spazi urbani, e sempre più spesso irreali, delineati da segni di cromie e elementi formali volti a rivelare dimensioni di intensa sospensione fra il tempo della visione e il tempo della percezione emotiva. Tale percorso si manifesta con rinnovata evidenza e consapevolezza nelle opere della presente mostra che testimoniano infatti la necessità di rivivere la geometria degli spazi attraverso l'esperienza della memoria interpretata secondo un codice emozionale prettamente soggettivo e ad una sintassi simbolica di elementi che attengono al vissuto emotivo e all'immaginario onirico di ognuno di noi.

La mostra è accompagnata dal catalogo monografico "Il tempo della distanza" edito da Erga edizioni:
- Testi critici per la serie "Le città dei ritorni" a cura di: Massimo Sgroi e Luciano Caprile.
- Testi critici per la serie "Città migranti" a cura di: Lorenzo Canova, Victor Fernandez e Gianmaria Nerli

Brani estratti dal catalogo " Il tempo della distanza"

"...l'artista argentino ha ben chiara la sua appartenenza, la sua identità, la sua memoria storica e culturale; le golondrinas e le mucche diventano metafora stessa della migrazione essendo legate, nella realtà del popolo argentino, ad un perenne spostamento da un posto all'altro. Le prime per istinto, le seconde per volontà umana. In questo modo fato e volontà coincidono nell'affermazione dell'impossibilità dell'essere umano di essere davvero stanziale.
.Rispetto alla sua opera precedente i nuovi lavori di Morales si spostano verso una dimensione ancora più onirica, ancora più metafisica e, per questo, ancora più tendente verso l'assoluto.
. Il progetto artistico di Ernesto Morales indaga le infinite possibilità della migrazione riconducendole a quel territorio comune che tutti gli esseri umani hanno; quella terra di idee e di sentimenti che appartengono al non luogo dell'anima."

estratto da "Paradigmi della percezione dell'anima" di Massimo Sgroi

".possiamo constatare come le opere dell' artista argentino crescano sulla tela per successive sovrapposizioni tonali partendo addirittura da un iniziale approccio informale dove le pennellate ampie, centellinate dalla monocromia, preparano la successiva indagine interiore. Infatti i suoi luoghi non paiono nutriti dallo sguardo ma dal sentimento o da una memoria che va a scavare densi solchi nel comune desiderio di un appiglio consolatorio. La percezione e l'emozione paiono i necessari strumenti di conoscenza non tanto della verità quanto del nebuloso percorso per raggiungerla, ciascuno secondo i propri meriti e secondo un adeguato desiderio. In tal modo andiamo a toccare un altro argomento strettamente legato al suo gesto: la nostalgia e la conseguente migrazione del pensiero capace di collocare ogni volta l'impalpabilità di un costante miraggio in un luogo ideale ben radicato nell'anima."

estratto da "Un paesaggio sospeso nella nostalgia" di Luciano Caprile