Le mostre, gli eventi teatrali, gli 'happenings'.... e tanto altro ancora.

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28 al 31 gennaio 2011 | quartiere fieristico | bologna


EVENTI IN FIERA L'agenda giornaliera degli eventi in fiera durante Arte Fiera Art First che celebra quest'anno la sua 35° edizione dal 28 al 31 gennaio 2011, prevede incontri, convegni, presentazioni di premi e di libri di editori e gallerie che si alterneranno durante i quattro giorni della manifestazione nello spazio Art Talks (Hall 18) e nello spazio Art Café.

Spazio Art Talks (Hall 18) Il collezionismo e il mercato dell'arte, sono i temi affrontati ogni anno con differenti approcci: tra gli incontri di sabato 29 gennaio la tavola rotonda Art Education Programs, organizzata da IACCCA - International Association of Corporate Collections of Contemporary Art, che ha scelto Arte Fiera come spazio privilegiato per presentarsi al pubblico italiano e discutere un tema d'attualità come le forme di art education promosse da aziende con collezioni d'arte contemporanea e rivolte ai loro dipendenti, con la partecipazione di Pascale van Zuylen del Gruppo Lhoist (Belgio), Janina Vitale di DZ Bank, Francoforte (Germania) e Aline Pujo della Fondation Neuflize Vie (Francia) che si confronteranno su questo tema moderati da Walter Guadagnini di Unicredit Group (Italia).
Domenica 30 gennaio la tavola rotonda Collezionismo e Business: scenari per il mercato dell'arte, organizzata da Arte Fiera in collaborazione con l'Osservatorio sul Mercato dei Beni Artistici (OMBA) di Nomisma e Gruppo 24 ORE, con interventi di Alfonso Artiaco (Galleria Alfonso Artiaco, Napoli), Guido Candela (Nomisma), Marco Carminati (Sole 24 Ore) e Gualtiero Tamburini (Nomisma). Durante l'incontro verrà presentato il 'Rapporto sul mercato dei Beni Artistici 2010' a cura del Prof. Guido Candela, Responsabile Scientifico dell'Osservatorio sul Mercato dei Beni Artistici di Nomisma.

Sempre allo spazio Art Talks, sabato 29 gennaio alle ore 14 la presentazione del progetto 16 artisti per TVS a cura di Ludovico Pratesi, con interventi del curatore insieme ad alcuni degli artisti invitati Francesco Arena, Flavio Favelli e Alfredo Pirri, e alle ore 16 la presentazione del programma 'Forms of Collecting/ Forme della Committenza' quarta edizione di C Festival arte Contemporanea (Faenza, 20 - 22 maggio 2011), con Angela Vettese, Carlos Basualdo, Pier Luigi Sacco, Silvia Evangelisti e Massimo Isola.
La fiera diventa palcoscenico privilegiato per i giovani artisti grazie ad importanti Premi: la quinta edizione del Premio Euromobil Under 30 - main sponsor di Arte Fiera Art First - rivolto ai giovani artisti under 30 selezionati tra le gallerie presenti in fiera da una qualificata giuria di critici e operatori del settore (sabato 29 gennaio, ore 16 - spazio 'I luoghi dell'arte, I luoghi del design'); la tavola rotonda con i protagonisti di 8.Premio Furla - alla sua ottava edizione promosso con la collaborazione di Arte Fiera - alla quale parteciperanno i cinque finalisti e i curatori italiani ed internazionali che li hanno selezionati (venerdì 28 gennaio, ore 11.30); la presentazione della quarta edizione del Premio Fabbri per l'Arte (sabato 29 gennaio, ore 17.45); la tavola rotonda e la presentazione del vincitore della prima edizione del Premio Internazionale Arte Partecipativa promosso da Assemblea Legislativa della Regione Emilia-Romagna in collaborazione con Goodwill e LaRete Art Projects.

Nello spazio Art Cafè, in collaborazione con Corraini Edizioni, la Fiera offre da venerdì a domenica 5 appuntamenti giornalieri: presentazioni delle ultime novità editoriali pubblicate da editori e gallerie presenti in Fiera, con la partecipazione di critici, artisti, editori, protagonisti del mondo dell'arte e della cultura. Tra i libri presentati in collaborazione con le gallerie partecipanti: 'Spiral Jetty, Robert Smithson' di Gianfranco Gorgoni (Photology editore) - Galleria Repetto Acqui Terme e Jim Kempner New York, 'P'io e Gino' di Pio Monti (Giancarlo Politi Editore) su Gino de Dominicis - Galleria Pio Monti e 'Marcello Jori. La Conversione', di Elena Re (Gli Ori editore) - Galleria de' Foscherari.

Eventi in città
In collaborazione con la città di Bologna, Arte Fiera organizza la 6a edizione di Bologna Art First (28 Gennaio-27 Febbraio 2011) dal titolo 'Se un giorno d'inverno un viaggiatore...' - ispirato al titolo del romanzo di Italo Calvino scritto nel 1979 - a cura di Julia Draganovic: un percorso unico che diventa un viaggio intimo e personale per ogni visitatore attraverso le installazioni di artisti italiani e internazionali, emergenti e affermati, rappresentati dalle gallerie in Fiera, che dialogano con la memoria di alcuni luoghi storici della città.

22 artisti per 15 locations: Maria Josè Arjona | Teatro Anatomico - Archiginnasio; Marlon de Azambuja | Cortile tra Accademia di Belle Arti e Pinacoteca Nazionale; Lorenza Lucchi Basili | Museo Archeologico (sala mostre); Pinuccia Bernardoni | Museo Archeologico (sala mostre); Stefano Bombardieri | Piazza de' Calderini; Ericailcane | Museo Archeologico (cortile); Anna Galtarossa | Sala Borsa; Antony Gormley | Archiginnasio (portici) e Museo della Musica; Ghost of a Dream | Museo della Sanità e dell'Assistenza - Oratorio della Vita; Marco Giovani | Museo Archeologico (sala mostre); Vlatka Horvat | Palazzo del Podestà - Emporio della Cultura; Paolo Icaro | Cortile di Palazzo D'Accursio; Michael Johansson | Museo Archeologico (sala trasparente); Tea Mäkipää | Museo Archeologico (sala mostre); Vittorio Messina | Museo Civico d'Arte industriale e Galleria Davia Bargellini; Hidetoshi Nagasawa | Museo Archeologico (sala mostre); Roberto Paci Dalò | Musei Universitari di Palazzo Poggi; Luca Pancrazi | Galleria Cavour; Silke Rehberg | Museo Medievale (cortile); Rosi Rox | Areoporto Marconi Business Lounge; SISSI | Cappella di Palazzo Re Enzo; Jorinde Voigt | Museo Archeologico (sala mostre).
La novità assoluta di questa edizione sono le performance di alcuni degli artisti invitati, che si terranno durante l' Art White Night di sabato 29 gennaio. Bologna Art First è visitabile anche online grazie al supporto digitale di una mappa presente su GoogleMaps, che riporta come 'point of interest' tutte le sedi espositive, con contenuti sull'artista e le immagini delle opere, per permettere al visitatore di commentare e segnalare quelle preferite.

Arte Fiera OFF è il contenitore di tutti gli eventi organizzati in concomitanza con Arte Fiera Art First a Bologna e in Emilia-Romagna nei giorni della manifestazione.
La sinergia di fondazioni, istituzioni e privati porta a Bologna importanti interpreti della scena artistica italiana e mondiale: al MAMbo l'anteprima europea della mostra personale In search of. dell'artista americano Matthew Day Jackson, e il progetto Crescere con l'arte, un weekend al MAMbo organizzato negli stessi giorni della Fiera dal Dipartimento educativo del Museo, un'iniziativa rivolta a bambini e ragazzi, invitandoli a vivere un'esperienza a contatto con l'arte contemporanea e i suoi linguaggi. A Palazzo Pepoli - uno degli storici palazzi della Fondazione Carisbo - Pleure qui peut, rit qui veut, mostra dei cinque finalisti dell'ottava edizione del Premio Furla (29 gennaio - 6 febbraio 2011); all'Aula Magna di Santa Lucia Lady performance - incontro con Marina Abramovic a cura di Renato Barilli - promosso da Alma Mater Studiorum in collaborazione con Arte Fiera, nel quale l'artista commenterà di persona la proiezione del filmato Seven Easy Pieces sette celebri performance storiche di famosi artisti contemporanei, che è stato uno dei principali appuntamenti della mostra recentemente dedicata all'artista al MoMA di New York (venerdì 28 gennaio 2011); al Salone del Podestà di Palazzo Re Enzo Happy Tech - Macchine dal volto umano, mostra di arte+scienza per esplorare il nostro rapporto con le nuove tecnologie, promossa dalla Fondazione Marino Golinelli e a cura di Giovanni Carrada e Cristiana Perrella; allo Spazio Carbonesi Svoboda mostra collettiva di arte contemporanea russa, che indaga attraverso le opere site specific di dodici artisti la percezione del concetto di libertà in Russia, a cura di Daria Khan; infine alla Basilica di Santo Stefano, la mostra dedicata a Shozo Shimamoto, uno dei fondatori del gruppo Gutai, a cura di Achille Bonito Oliva.
A Reggio Emilia la Collezione Maramotti presenta Collĭgĕre progetto collezionistico di antica data che si racconta attraverso la selezione di oltre duecento opere dagli anni Cinquanta ad oggi.

E ancora sabato 29 gennaio, la notte di Bologna cambia colore con Art White Night, realizzata con il sostegno del Gruppo Hera: l'arte contemporanea invade il centro storico con l'apertura straordinaria fino a mezzanotte delle installazioni di Bologna Art First, dei musei, delle gallerie d'arte e dei negozi della città.

28 al 31 gennaio 2011 | a cura di marianna agliottone | arte fiera | bologna


Il prossimo appuntamento per la popolazione degli art-addict sarà a Bologna, dove l'arte internazionale sarà protagonista assoluta dello stand di Exibart per Arte Fiera 2011.

Elizabeth Aro, artista argentina di fama internazionale, dedica ad Exibart una installazione inedita e specifica dal titolo "Impossible Landscape".

Il progetto, curato di Marianna Agliottone, darà a quest' ambiente di passaggio nuova vita e nuovi significati grazie alla morbida e preziosa struttura in velluto, concepita dalla Aro, che si articolerà lungo le pareti bianche diventando guizzo nell'aria ed intreccio di forme animate dal rifrangersi della ombre. In questa installazione ritorna l'uso della tecnica-mestiere del cucito, alla base di molti lavori della Aro, come riferimento ad un procedere manuale che è anche simbolicamente un tessere connessioni e relazioni.

Il concetto centrale dell'opera è certamente simbolico. Il messaggio è il recupero. Accumulare oggetti di vita quotidiana - divani, poltrone, chaise-longue, sedie e scarti di vario genere - nel tentativo di avvalorare i concetti di "conservazione" nelle abitudini e negli stili di vita dell'uomo contemporaneo abituato, invece, al consumo come intermediario nei rapporti umani.

Elizabeth Aro (nata a Buenos Aires nel 1961, vive e lavora a Milano). Il suo sito è www.elizabetharo.com.
Tra le mostre personali: Galleria Charpa - Valencia (2010), Galleria Marte - Roma (2010), Galleria Metta - Madrid (2009), Museo Reina Sofía - Madrid (2004). Tra le mostre collettive: "Take me with you" Mori Museum - Giappone (2006), "La donna oggetto" - Castello di Vigevano (2006), "Generation of arts" Chiesa de San Francesco - Como (2005), "Il filo raccontato" MART Museo di Trento e Rovereto (2003), "La Escuela del Sur" The Bronx Museum of Arts - New York (1991).

fino al 13 marzo 2011 | a cura di nicoletta zanella | roma


A Palazzo Cipolla, storica sede del Museo Fondazione Roma, e da ora unicamente dedicata all'arte contemporanea, la mostra antologica Pablo Echaurren | Crhomo Sapiens.
L'articolata esposizione attraversa gli oltre quarantanni di attività creativa dell'artista romano, evidenziandone gli aspetti tematici che lo hanno reso un personaggio così popolare in campi diversi.
Si parte con l'attività fondamentale di pittore, immediatamente visibile nelle grandi e inedite tele su Roma, la sua amata città, e poi con la sala dedicata a Faenza, luogo d'ispirazione per sorprendenti ceramiche, proseguendo con una selezione dei collage legati al mondo del Futurismo, del quale è profondo conoscitore e noto collezionista, per arrivare agli interessanti lavori di grafico, autore di fumetti e illustratore per testate d'avanguardia e libri notissimi, uno per tutti, 'Porci con le ali'.

Oltre alle riviste, diversi volumi testimoniano il rapporto diretto di Echaurren con la scrittura su temi del mondo dell'arte, anche in chiave di romanzi gialli, o con saggi su controcultura e collezionismo, o per una 'dissidenza enogastronomica', fino a un divertente libro 'diseducativo' per i bambini.

Le ossessive passioni di collezionista si materializzano chiaramente, durante il percorso, anche nei lavori nati dall'intenso rapporto con il mondo della musica rock e in particolare dalla fascinazione di uno strumento: il basso, di cui vanta un'altra invidiabile raccolta.

La sezione con cui la curatrice della mostra, Nicoletta Zanella, ha scelto di concludere questa folta ed effervescente panoramica, che supera le duecento opere, è incentrata sulla natura e l'ambiente e riporta direttamente agli esordi artistici di Pablo Echaurren. Infatti, "Volevo fare l'entomologo", opera emblematicamente posta a fine percorso, dichiara, sin dallo stesso titolo, la provenienza di una creatività spinta a catalogare e ricercare origini ed evoluzione del mondo, o meglio, della nostra umanità in quanto aspiranti homo sapiens.
Pablo Echaurren - afferma il Presidente della Fondazione Roma, Prof. Avv. Emmanuele Francesco Maria Emanuele - è un artista intimamente legato al surrealismo, nota di fondo che permane caratterizzando molta della sua attività. Subisce il fascino del Futurismo, come testimonia la sua invidiabile collezione di libri e manifesti, rappresentato in mostra nei numerosi collage realizzati con materiali tratti dalle pubblicazioni originali. La sua romanità, il suo amore per la Città Eterna, fanno del Museo della Fondazione Roma il perfetto contesto in cui ammirare le sue opere".

CENNI BIOGRAFICI SULL'ARTISTA

Pablo Echaurren, figlio del pittore cileno Sebastian Matta, nasce a Roma il 22 gennaio 1951. Seguendo le orme paterne, inizia a dipingere a diciotto anni, subito viene scoperto da Arturo Schwarz, patron del dada-surrealismo in Italia e titolare dell'omonima galleria milanese.
Sullo sfondo dell'ultima pop art, dell'arte povera, del minimalismo e del concettuale, nei primi anni settanta l'artista mette a punto un proprio universo lessicale in cui confluiscono varie sollecitazioni: il mondo miniaturizzato di Oyvind Fahlström e Gianfranco Baruchello, il segno dell'antico maestro giapponese Hokusai, le citazioni fumettistiche di Roy Lichtenstein, ma anche le immagini scientifiche dei libri di storia naturale, zoologia e botanica, nonché l'orizzonte dei comics.
In seguito, il confronto con il patrimonio iconografico della storia dell'arte, si allarga, in un costante dialogo con le avanguardie storiche, futurismo, dadaismo, cubismo, che Echaurren rivisita con lo sguardo d'un abitante del villaggio globale nutrito di immagini telematiche e messaggi massmediatici.
L'arte di Pablo Echaurren si svolge in molte direzioni, articolandosi in un continuo altalenare tra alto e basso, dai dipinti ai poster, dai collage alle copertine di libri e ai fumetti, dalle ceramiche agli arazzi e dal video alla scrittura. Ne discende un'idea dell'artista come artefice a tutto campo, indifferente agli steccati e alle gerarchie che solitamente tendono a comprimere l'inventività.

fino al 23 gennaio 2011 | centro di cultura contemporanea strozzina | firenze


Il Centro di Cultura Contemporanea Strozzina invita a visitare, fino al 23 gennaio, la mostra Ritratti del Potere e l'installazione Metrocubo d'Infinito in un Cubo Specchiante di Michelangelo Pistoletto per il cortile di Palazzo Strozzi, resa possibile dalla partnership con Castello di Ama per l'arte contemporanea.

La mostra Ritratti del Potere. Volti e meccanismi dell'autorità sviluppa un'analisi sul ritratto e la rappresentazione del potere politico, economico e sociale nel mondo di oggi attraverso le opere di artisti contemporanei. Ritratti di celebri figure politiche, indagini su vita e costumi delle classi sociali elevate, ma anche investigazioni sulle strutture del potere di istituzioni internazionali.
Il percorso espositivo segue tre principali prospettive: l'analisi del potere come espressione del carisma di uomini e donne che sono diventati icone o simboli del loro tempo, l'indagine sul potere di istituzioni o modelli sociali che si rappresentano o che sono criticamente rappresentati, l'investigazione sui meccanismi nascosti delle autorità.
Artisti: Tina Barney, Christoph Brech, Bureau d'études, Fabio Cifariello Ciardi, Clegg & Guttmann, Nick Danziger, Rineke Dijkstra, Jim Dow, Francesco Jodice, Annie Leibovitz, Helmut Newton, Trevor Paglen, Martin Parr, Wang Qingsong, Daniela Rossell, Jules Spinatsch, Hiroshi Sugimoto, The Yes Men
Comitato scientifico: Peter Funnell (National Portrait Gallery, Londra), Walter Guadagnini (progetto "UniCredit & Art"), Roberta Valtorta (Museo di Fotografia Contemporanea, Cinisello Balsamo), Franziska Nori (CCC Strozzina, Firenze).

Inserito all'interno dello straordinario cortile di Palazzo Strozzi, Metrocubo d'Infinito in un Cubo Specchiante di Michelangelo Pistoletto, fino ad oggi visitato da oltre 50.000 persone, propone al pubblico l'esperienza di un luogo ambivalente nel contrasto tra interno ed esterno, tra il rimando a uno spazio visivamente infinito e il rigore formale e matematico della struttura esterna. L'opera dà vita a un percorso nel quale il pubblico può vivere l'esperienza di un luogo senza limiti, che si estende all'infinito, in una struttura cubica ricoperta esternamente di opache lastre in acciaio e all'interno rivestita completamente di specchi. Al centro dello spazio è collocato il Metrocubo di Infinito (1966), storica opera dell'artista, costituita da superfici esternamente opache ma specchianti verso l'interno, che creano uno spazio stavolta inaccessibile, in cui la rifrazione giunge al massimo ma può essere solo immaginata. L'opera diviene un luogo laico di raccoglimento spirituale, in cui ciò che ha davvero valore è l'uomo con la sua capacità d'immaginare.
Con la partnership di Castello di Ama per l'arte contemporanea e con la collaborazione di Cittadellarte - Fondazione Pistoletto e Galleria Continua, San Gimignano / Beijing / Le Moulin.

inaugurazione giovedì 13 gennaio 2011 | ore 18.00-21.00 | special performance di joel kyack | a cura di andrew berardini | brand new gallery | milano


The shortest distance between 2 points is often intolerable è il titolo, da una citazione di Charles Bukowski, della group show dedicata ad artisti che vivono a Los Angeles. Justin Beal, Jedediah Caesar, Liz Craft, Liz Glynn, Patrick Hill, Anthony James, Brian Kennon, Joel Kyack, Anthony Pearson, David Ratcliff, Kara Tanaka, Mateo Tannatt, Ryan Trecartin e Jonas Wood.
14 artisti tutti provenienti da Los Angeles, 24 opere in mostra tra sculture, installazioni, video, fotografie, dipinti e disegni. "Come scrisse una volta Bukowski "La distanza più breve tra 2 punti è spesso insopportabile": abbiamo bisogno di spazio in cui perderci, di muoverci ma mai in linea retta (.)
L'arte a Los Angeles è più o meno un atto percettivo, l'acquisizione di una capacità, un sistema fisiologico, una condizione di varietà e difficoltà per definire gli spazi aperti. Il meglio che possa augurarmi che ci sia qui, è un punto di riferimento in un luogo costantemente indefinito, per lo più costituito da spazi stranamente individuali, che occasionalmente e proficuamente, si sovrappongono". Così scrive il curatore Andrew Berardini sull'arte a Los Angeles.
Riflettendo sulla natura di questa città troppo grande e inesplorata, troppo splendidamente indefinita per essere catalogata in qualche tendenza, la mostra allestita presso Brand New Gallery, attraverso le opere di artisti così diversi, autonomi e unici, indaga sulla concezione di spazio e lo "spazio a Los Angeles non è quella sensazione falsamente silvestre di Malibu o i prati lussureggianti tagliati da eserciti di giardinieri immigrati o le sterminate autostrade intasate di pendolari o i sogni inconsistenti di ricchi immobiliaristi, queste sono cose che ne fanno parte ma lo spazio che hanno gli artisti è uno spazio immaginifico, è uno spazio contemplativo, è uno spazio diacronico, è la libertà individuale e la solitudine della strada che si apre ogni giorno mescolata agli ingorghi del traffico, uno spazio che vuole andare avanti ma disdegna l'itinerario diretto preferendogli i percorsi tortuosi".
catalogo Brand New Gallery con testi di Andrew Berardini

Raffi Kalenderian
prima personale italiana per Raffi Kalenderian (Los Angeles, 1981) dopo le due esposizioni del 2008 e 2010 presso la Galleria Peter Kilchmann di Zurigo.
Il giovane artista americano indaga il concetto di ritratto come mezzo di investigazione psicologica, dipingendo giovani uomini e donne, parenti o amici, spesso in ambienti domestici. Soggetti in attesa di qualcosa o qualcuno, con i loro sguardi spesso persi nel vuoto, immersi in una narrativa che sembra non avere limiti né spaziali né temporali. Indifferenti allo spettatore che li osserva, essi appaiono apatici in netto contrasto con l'ambiente caotico e ridondante di memoria che li circonda.
"Usando l'osservazione come un trampolino verso la distorsione e astrazione", Kalenderian ritrae i suoi soggetti con alienata distanza attraverso olio su carta e tela e tecniche miste su carta. Ogni prospettiva viene eliminata, riducendo le figure e gli ambienti alla bidimensionalità.
Per questa mostra l'opera di Kalenderian prende una nuova direzione. L'artista focalizza la sua attenzione su versioni multiple dello stesso soggetto, esplorando lo spazio psicologico e fenomenologico.
Come nell'opera Four Shantis dove l'artista ritrae suo fratello, spesso protagonista dei suoi lavori, moltiplicato quattro volte, o in Shant (Shanti), dove lo stesso soggetto appare con una seconda testa reclinata sul divano, con gli occhi chiusi, prova di un differente livello di percezione, un diverso stato di coscienza. Usando il dipinto come luogo per l'invenzione, dove è possibile aggiungere arti, teste e forme, Kalenderian prova a catturare un momento o vari momenti simultaneamente come documentazione dell'esistenza.
catalogo Brand New Gallery con testo di Giorgio Verzotti

inaugurazione 8 gennaio 2011 | ore 18.00 | a cura di fabio migliorati | galleria zak | siena


Galleria ZAK è lieta di annunciare l'apertura di TRACEABLE a cura Fabio Migliorati con la partecipazione e la presenza degli artisti internazionali Manon Bellet (Basilea 1979); Huber. Huber (Zurigo 1975); Andreas Marti (Zurigo 1967); Christian Niccoli (Bolzano 1976); Jorg Nittenwilm (Coblenza 1967); Martin Skauen (Fredrikstad 1975); Esther Stocker (Schlanders 1974); Heike Weber (Siegen 1962).

Otto artisti sono condotti a esprimersi dal curatore, secondo la nozione di un'entità rintracciabile e volutamente non meglio precisata: Manon Bellet (Basilea, 1979); Huber.Huber (Zurigo, 1975); Andreas Marti (Zurigo, 1967); Christian Niccoli (Bolzano, 1976); Jorg Nittenwilm (Coblenza, 1967); Martin Skauen (Fredrikstad, 1975); Esther Stocker (Schlanders, 1974); Heike Weber (Siegen, 1962). Tutti, secondo il critico aretino, lavorano per celebrare le tracce, più o meno evidenti e transitorie, dell'arte di oggi. La Svizzera di Bellet, di Marti, dei gemelli Huber partecipa rispettivamente con un'installazione in carta bruciata; un wall-drawing a chiazze e una pila di fogli bianchi; e con "Fireplace", scultura-souvenir falòmorfica, da centro, posata sul pavimento e composta di idoli tribali afro-asiatici carbonizzati, circondati da pietre. Il video è presente con Niccoli e Skauen (il primo fa della teatralità una pratica simbolicamente antropologica; il secondo riprende con la camera i propri disegni, in una narrativa meccanicamente circolare articolata). Poi la Stocker accorre con un informale quasi optical, dalla sensazione labirintica, straniante, e Nittenwilm disperde ulteriormente il tratto tramite il suo disegnare libero sulle pareti: sinuoso, propulsivo. Infine la Germania evoca l'oriente dei manufatti etnologici, mediante alcuni disegni dal motivo di tappeto persiano che Weber è capace di costruire con l'uso di delicatissimi inchiostri su carte appese senza cornice.

TRACEABLE testo di Fabio Migliorati
ZAK! presenta Traceable, a cura di Fabio Migliorati: collettiva internazionale che, da una centralità mittel-europea, si slancia in incursioni norvegesi. Traceable: qualità dell'arte, nell'epoca della sua rintracciabilità. E se da Walter Benjamin si mutua una specie di slogan per assurgere al ruolo privilegiato dell'espressione creativa, allora quel messaggio è anche riconducibile al linguaggio di oggi, come fosse estetica che sancisce una forma della bellezza. Più il senso dell'opera si rintraccia, più si comprende, più si gusta - più è considerabile, valutabile secondo un canone presente o futuro. Sì, perché nel Duemila l'arte si cosparge nella propria mutevolezza; e spesso capita di percepire un andamento espressivo che genera galassie di varietà che è verità. Dall'opera, al documento dell'opera, tutto accade nel trasalire della nostra convulsa era contemporanea, fatta di rumore e di velocità (la "modernità liquida" di Zygmunt Bauman, la "dromocrazia" di Paul Virilio, la "accelerazione sociale" di Hartmut Rosa). L'attualità, quindi, va dal sistema di una società dirompente, alla deriva di una cultura della fermezza. E la liquefazione del contenuto sociopolitico corrisponde a quella della forma culturale: alla rincorsa di un presente socializzato composto di contaminazioni insinuanti. Dinamicità e frastuono sono caratteristiche imperanti, da esportare con la garanzia democratica di fiero stampo occidentale - quella decisa occidentalizzazione della contemporaneità che è direttamente ed esplicitamente collegata a un criterio della norma dilatata, per usare il tempo quale paradigma di nesso puramente politico il cui ritmo viene scandito dalla pretesa di un'incessante crescita della produttività. L'arte, allora, non è più quel moto che determina, ma diviene il brandello che rimane, che resta in giro o viene accantonato (a galla nel non-senso dei nostri giorni). L'entità artistica diventa una sorta di rielaborazione della memoria latente: a preservare l'identità debole di ognuno di noi, minacciata da timori e incertezze. Il vissuto personale è ormai una minaccia, un'indispensabile morbosità che si fa dialettica nello spazio della creatività, tanto del concepire quanto del percepire. Immagine come simbolo di uno stadio contraddetto delle cose, come risultanza delle specificità (più spesso aniconiche) assunte a testo: ritracciando il concetto di "Mnemosyne" quale memoria del mondo di Aby Warburg, adesso costituito di spoglie, residui fattivi che regalano contenuto linguistico in quanto stimoli all'originario peso del testo. A testimonianza di ciò, infatti, sta il rapporto fra opera e documentazione dell'opera; nel suo realizzarsi e nel suo mostrarsi. Via, così, per l'efficacia o la rilevanza dell'apparato tecnico riproduttivo, o per la presenza temporanea in un luogo espositivo - mirando un'arte dissimulante, instabile, trasparente (fino all'arte come traccia). Di qui, il concetto di rintracciabilità: incontro alla verifica di un tale stato delle cose. È questo lo spirito che riflette la sostanza della nostra interiorità umana: una frammentazione sviluppatasi come riflessione sulla graduale decostruzione della soggettività. Dall'ermeneutica tedesca - attraverso la scissione foucaultiana - al pensiero debole italiano, gli individui divengono soli insieme: in comunità che celano l'apporto del singolo, fino allo stadio di un soggetto che viene ridotto a mero indice di rifrazione degli altri.